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Puzzles of World Stage America - Historia

Puzzles of World Stage America - Historia


Arthur Wynne nació el 22 de junio de 1871 en Liverpool, Inglaterra. Emigró a los Estados Unidos a la edad de diecinueve años. Primero vivió en Pittsburgh, Pensilvania, y trabajó para el periódico Pittsburgh Press. Una nota al margen interesante fue que Wynne también tocaba el violín en la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh.

Más tarde, Arthur Wynne se mudó a Cedar Grove, Nueva Jersey y comenzó a trabajar para un periódico con sede en la ciudad de Nueva York llamado New York World. Escribió el primer crucigrama del New York World, publicado el domingo 21 de diciembre de 1913. El editor le había pedido a Wynne que inventara un nuevo juego para la sección de entretenimiento dominical del periódico.


The Real Skinny: Expert rastrea la delgada obsesión de Estados Unidos

Cuando se considera el peso promedio de una supermodelo, la industria de dietas de 70 mil millones de dólares, o los 6 a 11 millones de personas que luchan contra los trastornos alimentarios, se llega a una conclusión: Estados Unidos está prácticamente obsesionado con la delgadez. Pero no siempre ha sido así. Muchas culturas no occidentales ven la gordura femenina como un signo de salud y vitalidad y, antes del siglo XIX, también lo veían los estadounidenses.

Según Sarah Lohman, una "gastrónoma histórica" ​​y autora de Four Pounds Flour, un blog dedicado a las prácticas de cocina y alimentación del pasado, los estadounidenses siempre han sido más pesados ​​que nuestros homólogos europeos. Simplemente, hay más tierra disponible en este país para cultivar alimentos y, desde la época colonial, los estadounidenses han usado la recompensa adicional en sus cuerpos. Sin embargo, ser "regordete como una perdiz" solía ser un cumplido, dijo Lohman ayer (24 de enero), en una conferencia en el Museo Americano de Historia Natural en Nueva York. Entonces todo cambió.

Las semillas de la dieta se sembraron en la década de 1840, cuando un ministro presbiteriano llamado Sylvester Graham comenzó a defender una dieta simple y abstinente para las mujeres como la clave para la salud, el mdash y la moralidad. "Las especias, estimulantes y otros excesos conducen a indigestión, enfermedad, exceso sexual y desorden civil", predicó Graham. Sus seguidores, conocidos como "grahamitas", comían principalmente pan hecho con harina gruesa graham (también utilizada para hacer las galletas graham originales), así como verduras y agua. "Este es el comienzo de la corriente principal en lugar de que los ricos sean conscientes de su dieta", dijo Lohman.

Luego, en la década de 1860, la dieta Banting y mdash, un prototipo con alto contenido de proteínas para la dieta Atkins actual, se hicieron tremendamente populares. Su creador, William Banting, consideró la corpulencia como una discapacidad física, y sus enseñanzas prepararon el escenario para una zambullida nacional en la obsesión contra la grasa.

"Para fines de siglo, los estadounidenses habían caído de cabeza en esta batalla contra la grasa", dijo Lohman. "Entre 1890 y 1920 específicamente, la imagen estadounidense del cuerpo ideal cambió por completo de una gordura saludable a una en la que la gordura se asoció con la pereza. Hubo una corriente sorprendentemente fuerte de disgusto contra las personas que eran percibidas como obesas".

Varios factores clave convergieron para provocar el cambio radical, dijo Lohman. En primer lugar, las preocupaciones sobre la salud con respecto al corsé estaban ganando aceptación, y la ropa interior que aplastaba los órganos quedó obsoleta. Los corsés nunca tuvieron la intención de hacer que las mujeres se vieran más delgadas, sino más bien para reorganizar su grasa, empujándola en cualquier dirección que estuviera de moda en ese momento. La salida del corsé a principios de siglo dejó a las mujeres solas e insatisfechas con sus formas naturales. [Hombres frente a mujeres: nuestras principales diferencias físicas explicadas]

La revolución industrial también jugó un papel: a medida que se popularizaban las tallas de vestido estandarizadas, las mujeres eran más conscientes que nunca de sus tallas relativas. "Antes, ibas a ver a una costurera y ella te hacía un vestido. Ahora ibas a una tienda departamental y comprabas pequeñas, medianas y grandes, o de 8, 9 y 10, y te dio una manera muy fácil de compare quién era más grande que quién ", dijo Lohman.

Además, Estados Unidos se estaba urbanizando y eso significaba que más personas tenían trabajos sedentarios con acceso a más opciones de alimentos. Los estadounidenses estaban aumentando de peso y esta tendencia puso a la obesidad al frente de la conversación nacional.

Los más influyentes de todos fueron los avances en la ciencia de los alimentos. "Descubrimos las calorías", dijo Lohman, y poco después, las proteínas, las grasas, las vitaminas y los minerales. "Ahora teníamos una forma de cuantificar nuestra salud".

El desarrollo de la báscula de persona completó la imagen, dando a las personas una forma de controlar su propio peso. "Ahora sabías las calorías (tu ingesta) y la producción (tu peso). Cuanto menores eran esos números, más saludable estabas", dijo Lohman.

En la década de 1920, la dieta y el conteo de calorías eran parte de la vida diaria, dijo. La mayoría de las mujeres estadounidenses estaban a dieta o se sentían culpables por no hacerlo. Y el resto es historia.

Esta historia fue proporcionada por Life's Little Mysteries, un sitio hermano de LiveScience. Siga a Natalie Wolchover en Twitter @nattyover. Siga Life's Little Mysteries en Twitter @llmysteries, luego únase a nosotros en Facebook.


Contenido

A pesar de la semejanza del teatro con la realización de actividades rituales y de la importante relación que el teatro comparte con el ritual, no hay evidencia concluyente que demuestre que el teatro se originó a partir del ritual. [2] Esta similitud del teatro temprano con el ritual es atestiguada negativamente por Aristóteles, quien en su Poética teatro definido en contraste con las representaciones de misterios sagrados: el teatro no requería que el espectador ayunara, bebiera el kykeon o marchara en procesión, sin embargo, el teatro se parecía a los misterios sagrados en el sentido de que traía purificación y curación al espectador por medios de una visión, el theama. La ubicación física de tales actuaciones se denominó en consecuencia theatron. [3]

Según los historiadores Oscar Brockett y Franklin Hildy, los rituales suelen incluir elementos que entretienen o dan placer, como disfraces y máscaras, así como artistas hábiles. A medida que las sociedades se hicieron más complejas, estos elementos espectaculares comenzaron a representarse en condiciones no rituales. Mientras esto ocurría, se estaban dando los primeros pasos hacia el teatro como actividad autónoma. [4]

Teatro griego Editar

El teatro griego, más desarrollado en Atenas, es la raíz de la tradición occidental teatro es una palabra de origen griego. [2] Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales, rituales religiosos, política, derecho, atletismo y gimnasia, música, poesía, bodas, funerales y simposios. [6] [a] La participación en los muchos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia a la City Dionysia como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, fue una parte importante de la ciudadanía. [7] La ​​participación cívica también involucró la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en representaciones en el tribunal de justicia o asamblea política, las cuales fueron entendidas como análogas al teatro y llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. [8] El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama: la tragedia, la comedia y el juego de sátiros. [9]

La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza-drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [10] [b] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico. [11] [c] No han sobrevivido tragedias del siglo VI y solo 32 de las más de mil que se realizaron durante el siglo quinto han sobrevivido. [12] [d] Tenemos textos completos de Esquilo, Sófocles y Eurípides. [13] [e] Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V se institucionalizó en concursos (agon) celebrado como parte de las festividades que celebran a Dionysos (el dios del vino y la fertilidad). [14] Como concursantes en el concurso City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por la historia o el tema), que por lo general consistía en tres tragedias y una obra de teatro de sátiro. [15] [f] La representación de tragedias en la ciudad de Dionisia puede haber comenzado ya en 534 a. C. registros oficiales (didaskaliai) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo la obra de teatro sátiro. [16] [g] La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega, aunque Los persas—Que pone en escena la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C. — es la excepción notable en el drama sobreviviente. [17] [h] Cuando Esquilo ganó el primer premio en la Ciudad Dionisia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que ha sobrevivido. [18] Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra más antigua de teoría dramática que se conserva: su Poética (c. 335 aC). La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos, "Comedia antigua", "Comedia intermedia" y "Comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en gran parte en la forma de las once obras de Aristófanes que se conservan, mientras que la comedia media se pierde en gran medida (se conserva solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis). New Comedy se conoce principalmente por los importantes fragmentos de papiro de obras de Menander. Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que involucra algún tipo de error o fealdad que no causa dolor ni destrucción. [19]

Teatro romano Editar

El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos. El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos. [20] Beacham sostiene que los romanos habían estado familiarizados con las "prácticas pre-teatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. [21] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que iba desde representaciones en festivales de teatro callejero, bailes desnudos y acrobacias, hasta la puesta en escena de las comedias de situación ampliamente atractivas de Plauto, pasando por las tragedias de alto estilo y verbalmente elaboradas de Séneca. Aunque Roma tenía una tradición escénica nativa, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y vigorizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario.

Tras la expansión de la República Romana (509-27 a. C.) en varios territorios griegos entre 270-240 a. C., Roma se encontró con el drama griego. [22] Desde los últimos años de la república y por medio del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió hacia el oeste por Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra. El teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier otro. cultura antes que él. [23] Si bien el drama griego continuó representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. [22] [i] Desde el comienzo del imperio, sin embargo, el interés por el drama de larga duración se redujo a favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales. [24]

Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livius Andronicus escribió desde el 240 a. C. [25] Cinco años después, Gnaeus Naevius también comenzó a escribir drama. [25] No ha sobrevivido ninguna obra de ninguno de los dos escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros, Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Naevius por sus comedias, sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama. [25] A principios del siglo II a. C., el teatro estaba firmemente establecido en Roma y era un gremio de escritores (Collegium poetarum) se había formado. [26]

Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plautus) y Publius Terentius Afer (Terence). [27] Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos romanos abolieron el papel del coro en la división del drama en episodios e introdujeron un acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos- tercios en los de Terence). [28] La acción de todas las escenas se desarrolla en la ubicación exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de las escuchas. [28] Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son más conocidas. Fue admirado por el ingenio de sus diálogos y su uso de una variedad de métricas poéticas. . [29] Las seis comedias que Terence escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido a la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, a veces se denunciaba, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada del comportamiento humano contrastante. . [29]

No sobrevive ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy apreciada en su día, los historiadores conocen a tres primeros trágicos: Quintus Ennius, Marcus Pacuvius y Lucius Accius. [28] Desde la época del imperio, sobrevive la obra de dos trágicos: uno es un autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca. [30] Sobreviven nueve de las tragedias de Séneca, todas ellas fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos) su Fedra, por ejemplo, se basó en Eurípides Hipólito. [31] Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de la fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia, pero en otros tiempos se le atribuyó erróneamente a Séneca por su aparición como personaje de la tragedia. [30]

En contraste con el teatro de la Antigua Grecia, el teatro de la Antigua Roma permitía a las mujeres intérpretes. Si bien la mayoría se empleó para bailar y cantar, se sabe que una minoría de actrices ha realizado papeles de oradores, y hubo actrices que alcanzaron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola y Fabia Arete: también formó su propio gremio de actores, el Sociae Mimae, que evidentemente era bastante rico. [32]

Teatro de transición y principios de la Edad Media, 500–1050 Editar

A medida que el Imperio Romano Occidental cayó en decadencia durante los siglos IV y V, la sede del poder romano se trasladó a Constantinopla y al Imperio Romano de Oriente, hoy llamado Imperio Bizantino. Si bien la evidencia sobreviviente sobre el teatro bizantino es escasa, los registros existentes muestran que la mímica, la pantomima, escenas o recitaciones de tragedias y comedias, bailes y otros entretenimientos eran muy populares. Constantinopla tenía dos teatros que estaban en uso hasta el siglo quinto. [33] Sin embargo, la verdadera importancia de los bizantinos en la historia del teatro es su preservación de muchos textos griegos clásicos y la compilación de una enciclopedia masiva llamada Suda, de la cual se deriva una gran cantidad de información contemporánea sobre el teatro griego.

Desde el siglo V, Europa Occidental se sumergió en un período de desorden general que duró (con un breve período de estabilidad bajo el Imperio Carolingio en el siglo IX) hasta el siglo X. Como tal, la mayoría de las actividades teatrales organizadas desaparecieron en Europa Occidental. Si bien parece que pequeñas bandas nómadas viajaron por Europa durante todo el período, actuando donde pudieron encontrar una audiencia, no hay evidencia de que produjeran nada más que escenas crudas. [34] Estos artistas fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Media porque eran vistos como peligrosos y paganos.

En la Alta Edad Media, las iglesias en Europa comenzaron a presentar versiones dramatizadas de eventos bíblicos particulares en días específicos del año. Estas dramatizaciones se incluyeron para vivificar las celebraciones anuales. [35] Los objetos y acciones simbólicos - vestimentas, altares, incensarios y pantomimas realizadas por sacerdotes - recordaron los eventos que celebra el ritual cristiano. Estos eran conjuntos extensos de señales visuales que podrían usarse para comunicarse con una audiencia mayoritariamente analfabeta. Estas representaciones se convirtieron en dramas litúrgicos, el más antiguo de los cuales es el ¿A quién buscas? (Quem-Quaeritis) Tropo de Pascua, que data de ca. 925. [35] El drama litúrgico fue cantado de manera receptiva por dos grupos y no involucró a actores que se hicieran pasar por personajes. Sin embargo, en algún momento entre 965 y 975, Æthelwold de Winchester compuso la Regularis Concordia (Acuerdo Monástico) que contiene un playlet completo con instrucciones para la interpretación. [36]

Hrosvitha (c. 935 - 973), una canonesa del norte de Alemania, escribió seis obras de teatro inspiradas en las comedias de Terence pero utilizando temas religiosos. Estas seis obras ... Abraham, Calímaco, Dulcicio, Gallicano, Pafnutio, y Sapientia - son las primeras obras conocidas compuestas por una dramaturga y las primeras obras dramáticas occidentales identificables de la era posclásica. [36] Fueron publicados por primera vez en 1501 y tuvieron una influencia considerable en las obras religiosas y didácticas del siglo XVI. Hrosvitha fue seguida por Hildegard de Bingen (m. 1179), una abadesa benedictina, que escribió un drama musical latino llamado Ordo Virtutum en 1155.

Teatro medieval alto y tardío, 1050-1500 Editar

Cuando cesaron las invasiones vikingas a mediados del siglo XI, el drama litúrgico se había extendido desde Rusia a Escandinavia e Italia. Solo en la Península Ibérica ocupada por musulmanes no se presentaron en absoluto dramas litúrgicos. A pesar de la gran cantidad de dramas litúrgicos que han sobrevivido de ese período, muchas iglesias solo habrían representado uno o dos por año y un gran número nunca realizó ninguno. [37]

La fiesta de los tontos fue especialmente importante en el desarrollo de la comedia. El festival invirtió el estatus del clero menor y les permitió ridiculizar a sus superiores y la rutina de la vida de la iglesia. A veces se representaban obras de teatro como parte de la ocasión y una cierta cantidad de burlesque y comedia se colaba en estas representaciones. Aunque los episodios cómicos tuvieron que esperar realmente hasta la separación del drama de la liturgia, la Fiesta de los Locos sin duda tuvo un efecto profundo en el desarrollo de la comedia tanto en obras religiosas como seculares. [38]

La representación de obras religiosas fuera de la iglesia comenzó en algún momento del siglo XII a través de un proceso tradicionalmente aceptado de fusionar dramas litúrgicos más breves en obras más largas que luego fueron traducidas a la lengua vernácula y representadas por laicos. El misterio de Adán (1150) da crédito a esta teoría, ya que su detallada dirección escénica sugiere que se realizó al aire libre. Varias otras obras de la época sobreviven, entre ellas La Seinte Resurrección (Normando), El juego de los reyes magos (Español), y Sponsus (Francés).

La importancia de la Alta Edad Media en el desarrollo del teatro fueron los cambios económicos y políticos que llevaron a la formación de gremios y al crecimiento de las ciudades. Esto conduciría a cambios significativos en la Baja Edad Media. En las Islas Británicas, se produjeron obras de teatro en unas 127 ciudades diferentes durante la Edad Media. Estas obras de misterio vernáculas se escribieron en ciclos de un gran número de obras: York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y Desconocido (42). Un mayor número de obras de teatro sobreviven de Francia y Alemania en este período y algún tipo de dramas religiosos se representaron en casi todos los países europeos a finales de la Edad Media. Muchas de estas obras contenían comedia, diablos, villanos y payasos. [39]

La mayoría de los actores de estas obras provienen de la población local. Por ejemplo, en Valenciennes en 1547, se asignaron más de 100 roles a 72 actores. [40] Las obras se organizaron en escenarios de vagones de desfiles, que eran plataformas montadas sobre ruedas que se usaban para mover el escenario. Los artistas aficionados en Inglaterra, que solían proporcionar sus propios disfraces, eran exclusivamente hombres, pero otros países tenían artistas femeninas. El escenario de la plataforma, que era un espacio no identificado y no un lugar específico, permitió cambios abruptos de ubicación.

Las obras de moralidad surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron hasta 1550. La obra de moralidad más interesante es El castillo de la perseverancia que describe el progreso de la humanidad desde el nacimiento hasta la muerte. Sin embargo, la obra de moralidad más famosa y quizás el drama medieval más conocido es Cada hombre. Todo el mundo recibe la convocatoria de la Muerte, lucha por escapar y finalmente se resigna a la necesidad. En el camino, es abandonado por Kindred, Goods y Fellowship; solo Good Deeds lo acompaña a la tumba.

También hubo una serie de representaciones seculares representadas en la Edad Media, la primera de las cuales es El juego del bosque verde por Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material popular como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también aumentaron dramáticamente en popularidad después del siglo XIII. La mayoría de estas obras provienen de Francia y Alemania y son similares en tono y forma, enfatizando el sexo y las excreciones corporales. [41] El dramaturgo de farsas más conocido es Hans Sachs (1494-1576), que escribió 198 obras dramáticas. En Inglaterra, The Second Shepherds 'Play of the Wakefield Cycle es la farsa temprana más conocida. Sin embargo, la farsa no apareció de forma independiente en Inglaterra hasta el siglo XVI con la obra de John Heywood (1497-1580).

Un precursor significativo del desarrollo del drama isabelino fueron las Cámaras de Retórica en los Países Bajos. [42] Estas sociedades se preocuparon por la poesía, la música y el teatro y realizaron concursos para ver qué sociedad podía componer el mejor drama en relación con una cuestión planteada.

A finales de la Baja Edad Media, empezaron a aparecer actores profesionales en Inglaterra y Europa. Tanto Ricardo III como Enrique VII mantuvieron pequeñas empresas de actores profesionales. Sus obras se representaban en el Gran Salón de la residencia de un noble, a menudo con una plataforma elevada en un extremo para la audiencia y una "pantalla" en el otro para los actores. También fueron importantes las obras de teatro de Mummers, representadas durante la temporada navideña, y las máscaras de la corte. Estas máscaras fueron especialmente populares durante el reinado de Enrique VIII, quien mandó construir una Casa de los Deleites y establecer una Oficina de los Deleites en 1545. [43]

El fin del drama medieval se produjo debido a una serie de factores, incluido el debilitamiento del poder de la Iglesia católica, la Reforma protestante y la prohibición de las obras religiosas en muchos países. Isabel I prohibió todas las obras religiosas en 1558 y las grandes obras del ciclo habían sido silenciadas en la década de 1580. Del mismo modo, las obras religiosas fueron prohibidas en los Países Bajos en 1539, los Estados Pontificios en 1547 y en París en 1548. El abandono de estas obras destruyó el teatro internacional que había existido y obligó a cada país a desarrollar su propia forma de teatro. También permitió a los dramaturgos dedicarse a temas seculares y el renovado interés por el teatro griego y romano les brindó la oportunidad perfecta. [43]

Commedia dell'arte y Renacimiento Editar

Commedia dell'arte las compañías interpretaron animadas obras de teatro de improvisación en toda Europa [44] durante siglos. Se originó en Italia [44] en la década de 1560. Comedia es un teatro centrado en el actor, que requiere poca escenografía y muy pocos accesorios. Las obras no se originaron en un drama escrito, sino en lazzi, marcos laxos que brindan las situaciones, complicaciones y desenlace de la acción, alrededor de los cuales los actores improvisan. Las obras utilizan personajes comunes, que podrían dividirse en tres grupos: los amantes, los amos y los sirvientes. Los amantes tenían nombres y características diferentes en la mayoría de las obras y, a menudo, eran hijos del maestro. El papel de maestro se basa en uno de tres estereotipos: Pantalone, un viejo comerciante veneciano Dottore, amigo o rival de Pantalone, un médico o abogado pedante y Capitano, que alguna vez fue un personaje amante, pero evolucionó hasta convertirse en un fanfarrón que se jacta de sus hazañas. en el amor y la guerra, siendo terriblemente inexperto en ambos. El personaje de sirviente (llamado zanni) tiene un solo papel recurrente: Arlecchino (también llamado Arlequín). Es astuto e ignorante, pero un consumado bailarín y acróbata. Por lo general, lleva un palo de madera con una hendidura en el medio que hace un ruido fuerte al golpear algo. Esta "arma" nos dio el término "payasadas".

Una compañía típicamente constaba de 13 a 14 miembros. A la mayoría de los actores se les pagó tomando una parte de las ganancias de la obra aproximadamente equivalente al tamaño de su papel. El estilo del teatro estuvo en su apogeo desde 1575 hasta 1650, pero incluso después de ese tiempo se escribieron y representaron nuevos escenarios. El dramaturgo veneciano Carlo Goldoni escribió algunos escenarios a partir de 1734, pero como consideraba vulgar el género, refinó los temas para que fueran más sofisticados. También escribió varias obras de teatro basadas en hechos reales, en las que incluyó comedia caracteres.

La commedia dell'arte permitió que las mujeres profesionales actuaran desde el principio: Lucrezia Di Siena, cuyo nombre figura en un contrato de actores de 1564, ha sido referida como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras. primadonna y las actrices bien documentadas en Europa. [45]

Teatro Isabelino inglés Editar

El teatro renacentista derivó de varias tradiciones teatrales medievales, como las obras de misterio que formaron parte de los festivales religiosos en Inglaterra y otras partes de Europa durante la Edad Media. Otras fuentes incluyen las "obras de moralidad" y el "drama universitario" que intentaba recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de Commedia dell'arte, así como las elaboradas máscaras que se presentan con frecuencia en la corte, también contribuyeron a la configuración del teatro público.

Desde antes del reinado de Isabel I, las compañías de jugadores estaban vinculadas a los hogares de los principales aristócratas y actuaban estacionalmente en varios lugares. Estos se convirtieron en la base de los jugadores profesionales que actuaron en el escenario isabelino. Las giras de estos jugadores reemplazaron gradualmente las representaciones de las obras de misterio y moralidad de los actores locales, y una ley de 1572 eliminó las compañías restantes que carecían de patrocinio formal al etiquetarlas como vagabundos.

Las autoridades de la ciudad de Londres fueron generalmente hostiles a las representaciones públicas, pero su hostilidad fue superada por el gusto de la reina por las obras de teatro y el apoyo del Privy Council. Los teatros surgieron en los suburbios, especialmente en la libertad de Southwark, accesibles a través del Támesis para los habitantes de la ciudad, pero más allá del control de la autoridad. Las compañías mantenían la pretensión de que sus actuaciones públicas eran meros ensayos de las frecuentes actuaciones ante la Reina, pero si bien las segundas otorgaban prestigio, las primeras eran la verdadera fuente de ingresos de los jugadores profesionales.

Junto con la economía de la profesión, el carácter del drama cambió hacia el final del período. Bajo Elizabeth, el drama fue una expresión unificada en lo que respecta a la clase social: la corte vio las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores de una audiencia de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I, se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban en las obras acumuladas de las décadas anteriores. [46]

La oposición puritana al escenario (informada por los argumentos de los primeros Padres de la Iglesia que habían escrito solemnidades contra los entretenimientos decadentes y violentos de los romanos) argumentó no solo que el escenario en general era pagano, sino que cualquier obra que representara una figura religiosa era inherentemente idólatra. En 1642, al estallar la Guerra Civil Inglesa, las autoridades puritanas prohibieron la representación de todas las obras dentro de los límites de la ciudad de Londres. Un asalto radical contra las supuestas inmoralidades del teatro aplastó todo lo que quedaba en Inglaterra de la tradición dramática.

Teatro español del Siglo de Oro Editar

Durante su Edad de Oro, aproximadamente de 1590 a 1681, [47] España vio un aumento monumental en la producción de teatro en vivo, así como en la importancia del teatro dentro de la sociedad española. Era una forma de arte accesible para todos los participantes en la España del Renacimiento, ya que estaba muy patrocinada por la clase aristocrática y muy concurrida por las clases bajas. [48] ​​El volumen y la variedad de obras de teatro españolas durante el Siglo de Oro no tenían precedentes en la historia del teatro mundial, superando, por ejemplo, la producción dramática del Renacimiento inglés por un factor de al menos cuatro. [47] [48] [49] Aunque este volumen ha sido tanto una fuente de críticas como elogios para el teatro del Siglo de Oro español, por enfatizar la cantidad antes que la calidad, [50] un gran número de los 10.000 [48] a 30.000 [50 ] obras de este período todavía se consideran obras maestras. [51] [52]

Los principales artistas del período incluyeron a Lope de Vega, un contemporáneo de Shakespeare, visto a menudo y contemporáneamente, visto su paralelo para el escenario español, [53] y Calderón de la Barca, inventor de la zarzuela [54] y sucesor de Lope como el preeminente Dramaturgo español. [55] Gil Vicente, Lope de Rueda y Juan del Encina ayudaron a sentar las bases del teatro español a mediados del siglo XVI, [56] [57] [58] mientras que Francisco de Rojas Zorrilla y Tirso de Molina hicieron importantes contribuciones en la segunda mitad de la Edad de Oro. [59] [60] Entre los intérpretes importantes se encuentran Lope de Rueda (mencionado anteriormente entre los dramaturgos) y más tarde Juan Rana. [61] [62]

Las fuentes de influencia del emergente teatro nacional de España fueron tan diversas como el teatro que terminó produciendo esa nación. Las tradiciones narrativas originadas en la Commedia dell'arte italiana [63] y la expresión exclusivamente española de los entretenimientos de juglares itinerantes de Europa occidental [64] [65] contribuyeron con una influencia populista en las narrativas y la música, respectivamente, del teatro español temprano. La crítica neoaristotélica y los dramas litúrgicos, por otro lado, aportaron perspectivas literarias y moralistas. [66] [67] A su vez, el teatro del Siglo de Oro español ha influido dramáticamente en el teatro de generaciones posteriores en Europa y en todo el mundo. El drama español tuvo un impacto inmediato y significativo en los desarrollos contemporáneos del teatro renacentista inglés. [51] También ha tenido un impacto duradero en el teatro en todo el mundo de habla hispana. [68] Además, se está traduciendo un número creciente de obras, lo que aumenta el alcance del teatro español del Siglo de Oro y fortalece su reputación entre la crítica y los mecenas del teatro. [69]

Teatro clásico francés Editar

Comedia de restauración Editar

Después de que el régimen puritano prohibiera las representaciones teatrales públicas durante 18 años, la reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del teatro inglés. Con la restauración del monarca en 1660 se procedió a la restauración y reapertura del teatro. Las comedias inglesas escritas y representadas en el período de la Restauración de 1660 a 1710 se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". La comedia de la Restauración es conocida por su explícita sexualidad, una cualidad alentada por Carlos II (1660-1685) personalmente y por el espíritu aristocrático libertino de su corte. Por primera vez se permitió que las mujeres actuaran, poniendo fin a la práctica de que el niño-jugador tomara el papel de la mujer. Las audiencias socialmente diversas incluían tanto a aristócratas, sus sirvientes y parásitos, como a un segmento sustancial de la clase media. Al público de la Restauración le gustaba ver un buen triunfo en sus tragedias y la restauración del gobierno legítimo. En la comedia, les gustaba ver la vida amorosa de los jóvenes y de la moda, con una pareja central que llevaba su noviazgo a una conclusión exitosa (a menudo superando la oposición de los mayores para hacerlo). Las heroínas tenían que ser castas, pero tenían una mentalidad independiente y franca ahora que eran interpretadas por mujeres, el dramaturgo tenía más ventajas al disfrazarlas con ropa de hombre o darles un escape por poco de la violación. Estos espectadores se sintieron atraídos por las comedias por la escritura actual de actualidad, por tramas abarrotadas y bulliciosas, por la presentación de las primeras actrices profesionales y por el surgimiento de los primeros actores famosos. Para los que no iban al teatro, estas comedias eran consideradas como licenciosas y moralmente sospechosas, y suscitaban la admiración de las payasadas de una clase pequeña, privilegiada y decadente. Esta misma clase dominó el público del teatro Restauración. Este período vio a la primera dramaturga profesional, Aphra Behn.

Como reacción a la decadencia de las producciones de la era de Carlos II, la comedia sentimental ganó popularidad. Este género se centró en fomentar el comportamiento virtuoso al mostrar personajes de clase media superando una serie de pruebas morales. Dramaturgos como Colley Cibber y Richard Steele creían que los humanos eran intrínsecamente buenos pero capaces de descarriarse. A través de obras como The Conscious Lovers y Love's Last Shift, se esforzaron por apelar a los nobles sentimientos de la audiencia para que los espectadores pudieran reformarse. [70] [71]

Restauración espectacular Editar

los Restauración espectacular, o una obra de teatro elaborada en escena, llegó al escenario público de Londres a finales del siglo XVII, cautivando al público con acción, música, danza, escenarios móviles, pintura ilusionista barroca, trajes magníficos y efectos especiales como trucos de trampilla. actores "voladores" y fuegos artificiales. Estos programas siempre han tenido una mala reputación como una amenaza vulgar y comercial para el ingenioso y "legítimo" drama de la Restauración, sin embargo, atrajeron a los londinenses en números sin precedentes y los dejaron deslumbrados y encantados.

Básicamente de cosecha propia y con raíces en la mascarada de la corte de principios del siglo XVII, aunque nunca se avergüenza de tomar prestadas ideas y tecnología escénica de la ópera francesa, los espectáculos a veces se denominan "ópera inglesa". Sin embargo, la variedad de ellos es tan desordenada que la mayoría de los historiadores del teatro desesperan de definirlos como un género. [72] Sólo un puñado de obras de este período suelen recibir el término "ópera", ya que la dimensión musical de la mayoría de ellas está subordinada a la visual. Fue el espectáculo y el paisaje lo que atrajo a la multitud, como lo demuestran muchos comentarios en el diario del amante del teatro Samuel Pepys. [73] El costo de montar producciones escénicas cada vez más elaboradas llevó a las dos compañías de teatro en competencia a una peligrosa espiral de enormes gastos y, en consecuencia, enormes pérdidas o ganancias. Un fiasco como el de John Dryden Albion y Albanius dejaría a una empresa endeudada, mientras que éxitos de taquilla como Thomas Shadwell Psique o Dryden's Rey Arturo lo pondría cómodamente en el negro durante mucho tiempo. [74]

Teatro neoclásico Editar

El neoclasicismo fue la forma dominante de teatro en el siglo XVIII. Exigía decoro y rigurosa adhesión a las unidades clásicas. Tanto el teatro neoclásico como la época se caracterizan por su grandiosidad. El vestuario y el paisaje eran intrincados y elaborados. La actuación se caracteriza por grandes gestos y melodrama. El teatro neoclásico abarca las edades de la Restauración, Augusta y Johnstiniana. En cierto sentido, la época neoclásica sigue directamente a la época del Renacimiento.

Teatros de principios del siglo XVIII: las farsas sexuales de la Restauración fueron reemplazadas por comedias políticamente satíricas, 1737 El Parlamento aprobó la Ley de Licencias de Escenarios que introdujo la censura estatal de las representaciones públicas y limitó el número de teatros en Londres a dos.

Teatro del siglo XIX Editar

El teatro del siglo XIX se divide en dos partes: temprano y tardío. El primer período estuvo dominado por el melodrama y el romanticismo.

A partir de Francia, el melodrama se convirtió en la forma teatral más popular. August von Kotzebue Misantropía y arrepentimiento (1789) a menudo se considera la primera obra melodramática. Las obras de Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de principios del siglo XIX. [75]

En Alemania, hubo una tendencia hacia la precisión histórica en el vestuario y la configuración, una revolución en la arquitectura del teatro y la introducción de la forma teatral del romanticismo alemán. Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XIX, los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados con su pasado teutónico y tenían un creciente sentido del nacionalismo. Las obras de Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller y otros Sturm und Drang Los dramaturgos inspiraron una fe creciente en el sentimiento y el instinto como guías del comportamiento moral.

En Gran Bretaña, Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos más importantes de su época, aunque las obras de Shelley no se representaron hasta finales de siglo. En los teatros menores, la burletta y el melodrama fueron los más populares. Las obras de Kotzebue se tradujeron al inglés y las de Thomas Holcroft Una historia de misterio fue el primero de muchos melodramas ingleses. Pierce Egan, Douglas William Jerrold, Edward Fitzball y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en lugar de los melodramas históricos o fantásticos habituales. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballeroso" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro con la aristocracia. [76]

El último período del siglo XIX vio el surgimiento de dos tipos de drama en conflicto: el realismo y el no realismo, como el simbolismo y los precursores del expresionismo.

El realismo comenzó a principios del siglo XIX en Rusia que en otras partes de Europa y tomó una forma más intransigente. [77] Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (que utilizó "detalles domésticos para revelar la confusión interior"), Aleksandr Ostrovsky (que fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuyo Un destino amargo (1859) naturalismo anticipado), y León Tolstoi (cuyo El poder de la oscuridad (1886) es "una de las obras naturalistas más eficaces"), una tradición de realismo psicológico en Rusia que culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko. [78]

La fuerza teatral más importante en la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Georg II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble, bajo la dirección de Ludwig Chronegk. Las producciones del Ensemble a menudo se consideran las más históricamente precisas del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. El Meiningen Ensemble se encuentra al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría el Gesamtkunstwerk) y el ascenso del director (a expensas del actor) como artista dominante en la creación teatral. [79]

El naturalismo, un movimiento teatral nacido de Charles Darwin El origen de las especies (1859) y las condiciones políticas y económicas contemporáneas, encontró a su principal proponente en Émile Zola. La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces que escribieran drama naturalista. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre que solo estaba abierto a los miembros y, por lo tanto, estaba exento de censura. Rápidamente obtuvo la aprobación de Zola y comenzó a escenificar obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras. [80]

En Gran Bretaña, los melodramas, las comedias ligeras, las óperas, Shakespeare y el drama clásico inglés, el burlesco victoriano, las pantomimas, las traducciones de las farsas francesas y, desde la década de 1860, las operetas francesas, continuaron siendo populares. Tanto éxito fueron las óperas cómicas de Gilbert y Sullivan, como H.M.S. Delantal (1878) y El mikado (1885), que ampliaron enormemente la audiencia del teatro musical. [81] Esto, junto con el alumbrado público y el transporte mucho mejores en Londres y Nueva York, llevaron a un auge de la construcción de teatros victoriana y eduardiana tardía en el West End y en Broadway. Posteriormente, el trabajo de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero inició un nuevo rumbo en la escena inglesa.

Si bien su trabajo allanó el camino, el desarrollo de un drama más significativo se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen. Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió veinticinco obras de teatro, las más famosas de las cuales son Una casa de muñecas (1879), Fantasmas (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). Además, sus obras Rosmersholm (1886) y Cuando los muertos despiertan (1899) evocan un sentido de fuerzas misteriosas que operan en el destino humano, que iba a ser un tema principal del simbolismo y el llamado "Teatro del Absurdo". [ cita necesaria ]

Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con la obra de George Bernard Shaw, Oscar Wilde, John Galsworthy, William Butler Yeats y Harley Granville Barker. A diferencia de la mayor parte del trabajo sombrío e intensamente serio de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica. Las comedias musicales eduardianas fueron extremadamente populares, apelando a los gustos de la clase media en los años noventa gay [82] y atendiendo la preferencia del público por el entretenimiento escapista durante la Primera Guerra Mundial.

Teatro del siglo XX Editar

Si bien gran parte del teatro del siglo XX continuó y extendió los proyectos del realismo y el naturalismo, también hubo una gran cantidad de teatro experimental que rechazó esas convenciones. Estos experimentos forman parte de los movimientos modernistas y posmodernistas e incluyen formas de teatro político así como trabajos de orientación más estética. Los ejemplos incluyen: el teatro épico, el teatro de la crueldad y el llamado "teatro del absurdo".

El término practicante de teatro llegó a usarse para describir a alguien que crea tanto representaciones teatrales como que produce un discurso teórico que informa su trabajo práctico. [83] Un practicante de teatro puede ser un director, un dramaturgo, un actor o, característicamente, a menudo una combinación de estos roles tradicionalmente separados. La "práctica teatral" describe el trabajo colectivo que realizan varios profesionales del teatro. [84] Se utiliza para describir la praxis teatral desde el desarrollo de Konstantin Stanislavski de su "sistema", a través de la biomecánica de Vsevolod Meyerhold, la epopeya de Bertolt Brecht y el pobre teatro de Jerzy Grotowski, hasta el día de hoy, con practicantes de teatro contemporáneo como Augusto Boal con su Teatro. del oprimido, el teatro popular de Darío Fo, la antropología teatral de Eugenio Barba y los puntos de vista de Anne Bogart. [85]

Varios movimientos estéticos continuaron o surgieron en el siglo XX, que incluyen:

Tras la gran popularidad de las comedias musicales eduardianas británicas, el teatro musical estadounidense llegó a dominar el escenario musical, comenzando con los musicales Princess Theatre, seguidos por las obras de los hermanos Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Rodgers y Hart, y más tarde Rodgers y Hammerstein.

1752 a 1895 Romanticismo editar

A lo largo de la mayor parte de la historia, las bellas letras inglesas y el teatro se han separado, pero estas dos formas de arte están interconectadas. [86] Sin embargo, si no aprenden a trabajar de la mano, puede ser perjudicial para la forma de arte. [87] La ​​prosa de la literatura inglesa y las historias que cuenta deben representarse y el teatro tiene esa capacidad. [88] Desde el principio, el teatro estadounidense ha sido único y diverso, reflejando la sociedad mientras Estados Unidos perseguía su identidad nacional. [89] La primera obra representada en 1752 en Williamsburg, Virginia, fue "El mercader de Venecia" de Shakespeare. [90] Debido a una sociedad cristiana fuerte, el teatro fue prohibido desde 1774 hasta 1789. [91] Este estándar social se debió a que la Biblia era sagrada y cualquier otra diversión (entretenimiento) se consideraba inapropiada, frívola (sin propósito) y sensual (placentero). [92] Durante la prohibición, el teatro a menudo se escondía al titularse a sí mismo como conferencias morales. [93] El teatro hizo una breve pausa debido a la guerra revolucionaria, pero se reanudó rápidamente después de que la guerra terminó en 1781. [91] El teatro comenzó a extenderse hacia el oeste y, a menudo, las ciudades tenían teatros antes de tener aceras o alcantarillas. [94] Hubo varias compañías de teatro profesionales líderes al principio, pero una de las más influyentes fue Filadelfia (1794-1815), sin embargo, la compañía tenía raíces inestables debido a la prohibición del teatro. [91]

A medida que el país se expandió, también lo hizo el teatro después de la guerra de 1812, el teatro se dirigió hacia el oeste. [91] Muchos de los nuevos teatros eran administrados por la comunidad, pero en Nueva Orleans los franceses habían iniciado un teatro profesional en 1791. [91] Varias compañías se separaron y establecieron un teatro en Cincinnati, Ohio. [91] El primer teatro oficial del oeste se produjo en 1815 cuando Samuel Drake (1769–1854) llevó a su compañía de teatro profesional de Albany a Pittsburgh, al río Ohio y Kentucky. [91] Junto con este circuito, a veces llevaba a la compañía a Lexington, Louisville y Frankfort. [91] En ocasiones, dirigía la compañía a Ohio, Indiana, Tennessee y Missouri. [91] Si bien había compañías de circuitos, las comunidades de teatro más permanentes en el oeste a menudo se sentaban en los ríos para que hubiera fácil acceso en bote. [91] Durante este período de tiempo, muy pocos teatros estaban sobre el río Ohio y, de hecho, Chicago no tuvo un teatro permanente hasta 1833. [91] Debido a los tiempos turbulentos en Estados Unidos y la crisis económica que sucedió debido a las guerras, el teatro durante su momento más expansivo, experimentado quiebra y cambio de dirección. [91] Además, la mayor parte del teatro estadounidense temprano tuvo una gran influencia europea porque muchos de los actores habían nacido y se habían formado en Inglaterra. [91] Entre 1800 y 1850 la filosofía neoclásica desapareció casi por completo bajo el romanticismo, que fue una gran influencia del teatro estadounidense del siglo XIX que idolatraba al "noble salvaje". [91] Debido a los nuevos descubrimientos psicológicos y métodos de actuación, eventualmente el romanticismo daría lugar al realismo. [91] Esta tendencia hacia el realismo se produjo entre 1870 y 1895. [91]

1895 a 1945 Realismo Editar

En esta era del teatro, el héroe moral se traslada al hombre moderno que es producto de su entorno. [95] Este cambio importante se debe en parte a la guerra civil porque Estados Unidos ahora estaba manchado con su propia sangre, habiendo perdido su inocencia. [96]

1945 a 1990 Modernismo Editar

Durante este período de teatro, Hollywood surgió y amenazó al teatro estadounidense. [97] Sin embargo, el teatro durante este tiempo no decayó, pero de hecho fue conocido y notado en todo el mundo. [97]

Teatro del norte de África Editar

Eventos cuasi-teatrales del Antiguo Egipto Editar

El evento cuasi-teatral más antiguo registrado se remonta al año 2000 a. C. con las "obras de teatro de la pasión" del Antiguo Egipto. La historia del dios Osiris se representó anualmente en festivales de toda la civilización. [98]

Teatro de África Occidental Editar

Teatro de Ghana Editar

El teatro moderno en Ghana surgió a principios del siglo XX. [99] Surgió primero como un comentario literario sobre la colonización de África por Europa. [99] Entre los primeros trabajos en los que se puede ver esto se encuentra Los Blinkards escrito por Kobina Sekyi en 1915. Los Blinkards es una sátira descarada sobre los africanos que abrazaron la cultura europea que les fue traída. En él, Sekyi degrada a tres grupos de individuos: cualquier europeo, cualquiera que imite a los europeos y el rico agricultor de cacao africano. Sin embargo, esta repentina rebelión fue solo el comienzo del teatro literario de Ghana. [99]

Una obra que tiene similitud en su punto de vista satírico es Anowa. Escrito por la autora ghanesa Ama Ata Aidoo, comienza con su heroína epónima Anowa rechazando las propuestas de matrimonio de sus muchos pretendientes arreglados. Ella insiste en tomar sus propias decisiones sobre con quién se va a casar. La obra enfatiza la necesidad de igualdad de género y respeto por las mujeres. [99] Este ideal de independencia, así como de igualdad, lleva a Anowa por un sinuoso camino de felicidad y miseria. Anowa elige a un hombre para casarse. Anowa apoya a su esposo Kofi tanto física como emocionalmente. A través de su apoyo, Kofi prospera en riqueza, pero se vuelve pobre como ser espiritual. A través de su acumulación de riqueza, Kofi se pierde en ella. Su matrimonio una vez feliz con Anowa cambia cuando comienza a contratar esclavos en lugar de hacer cualquier trabajo él mismo. Esto para Anowa no tiene sentido porque no hace que Kofi sea mejor que los colonos europeos a quienes detesta por la forma en que siente que han usado a la gente de África. Su matrimonio no tiene hijos, lo que se presume que fue causado por un ritual que Kofi ha realizado intercambiando su virilidad por riqueza. El hecho de que Anowa vea la riqueza obtenida por esclavos de Kofi y la incapacidad de tener un hijo la lleva a suicidarse. [99] El nombre Anowa significa "Fuerza moral superior", mientras que Kofi significa solo "Nacido el viernes". Esta diferencia, incluso en la base de sus nombres, parece implicar la superioridad moral de las mujeres en una sociedad dirigida por hombres. [99]

Otro juego de importancia es El matrimonio de Anansewa, escrito en 1975 por Efua Sutherland. Toda la obra se basa en una tradición oral akan llamada Anansesem (cuentos populares). El personaje principal de la obra es Ananse (la araña). Las cualidades de Ananse son una de las partes más prevalentes de la obra. Ananse es astuto, egoísta, tiene una gran comprensión de la naturaleza humana y animal, es ambicioso, elocuente e ingenioso. Al poner demasiado de sí mismo en todo lo que hace, Ananse arruina cada uno de sus planes y termina siendo pobre. [99] Ananse se usa en la obra como una especie de hombre común. Está escrito en un sentido exagerado para forzar el proceso de autoexamen. Ananse se utiliza como una forma de iniciar una conversación para el cambio en la sociedad de cualquiera que lea. La obra cuenta cómo Ananse intenta casar a su hija Anansewa con cualquiera de una selección de jefes ricos, u otro tipo de pretendiente rico simultáneamente, para recaudar dinero. Finalmente, todos los pretendientes llegan a su casa a la vez, y él tiene que usar toda su astucia para calmar la situación. [99] El narrador no solo narra, sino que también representa, reacciona y comenta la acción del cuento. Junto con esto, se utiliza Mbuguous, Mbuguous es el nombre que se le da a una secta muy especializada de la técnica teatral de Ghana que permite la participación del público. Lo Mbuguous de este cuento son canciones que embellecen el cuento o lo comentan. La espontaneidad a través de esta técnica, así como la improvisación, se utilizan lo suficiente para cumplir con cualquier estándar del teatro moderno. [99]

Teatro Yoruba Editar

En su estudio pionero del teatro Yoruba, Joel Adedeji remonta sus orígenes a la mascarada del Egungun (el "culto al antepasado"). [100] La ceremonia tradicional culmina en la esencia de la mascarada donde se considera que los antepasados ​​regresan al mundo de los vivos para visitar a sus descendientes. [101] Además de su origen en el ritual, el teatro Yoruba se puede "rastrear hasta la naturaleza 'teatrogénica' de varias deidades en el panteón Yoruba, como Obatala, la archidivinidad, Ogun, la divinidad de la creatividad, así como Hierro y tecnología, [102] y Sango la divinidad de la tormenta ", cuya reverencia está imbuida" de drama y teatro y la relevancia general simbólica en términos de su interpretación relativa ". [103]

La tradición teatral de Aláàrìnjó surgió de la mascarada de Egungun en el siglo XVI. El Aláàrìnjó era una compañía de artistas itinerantes cuyas formas enmascaradas llevaban un aire de mística. Crearon escenas cortas y satíricas que se basaron en una serie de personajes estereotipados establecidos. Sus actuaciones utilizaron mimo, música y acrobacias. La tradición de Aláàrìnjó influyó en el teatro itinerante popular, que fue la forma de teatro más prevalente y altamente desarrollada en Nigeria desde la década de 1950 hasta la de 1980. En la década de 1990, el popular teatro ambulante se trasladó a la televisión y al cine y ahora ofrece representaciones en vivo muy pocas veces. [104] [105]

El "teatro total" también se desarrolló en Nigeria en la década de 1950. Utilizó técnicas no naturalistas, imágenes físicas surrealistas y ejerció un uso flexible del lenguaje. Los dramaturgos que escribieron a mediados de la década de 1970 hicieron uso de algunas de estas técnicas, pero las articularon con "una apreciación radical de los problemas de la sociedad". [106]

Los modos de actuación tradicionales han influido fuertemente en las principales figuras del teatro nigeriano contemporáneo. La obra de Hubert Ogunde (a veces referido como el "padre del teatro Yoruban contemporáneo") fue informada por la tradición de Aláàrìnjó y las mascaradas de Egungun. [107] Wole Soyinka, quien es "generalmente reconocido como el dramaturgo vivo más grande de África", le da a la divinidad Ogun un significado metafísico complejo en su obra. [108] En su ensayo "The Fourth Stage" (1973), [109] Soyinka contrasta el drama yoruba con el drama clásico ateniense, relacionando ambos con el análisis del filósofo alemán del siglo XIX Friedrich Nietzsche sobre este último en El nacimiento de la tragedia (1872). Ogun, argumenta, es "una totalidad de las virtudes dionisíaca, apolínea y prometeica". [110]

Los proponentes del teatro ambulante en Nigeria incluyen a Duro Ladipo y Moses Olaiya (un acto cómico popular). Estos practicantes contribuyeron mucho al campo del teatro africano durante el período de mezcla y experimentación de lo indígena con el teatro occidental.

Teatro de la diáspora africana Editar

Teatro afroamericano Editar

La historia del teatro afroamericano tiene un origen dual. El primero tiene sus raíces en el teatro local donde los afroamericanos actuaban en cabañas y parques. Sus actuaciones (cuentos populares, canciones, música y danza) tenían sus raíces en la cultura africana antes de ser influenciadas por el entorno estadounidense. African Grove Theatre fue el primer teatro afroamericano establecido en 1821 por William Henry Brown ISBN 0521465850


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Contenido

El origen de la palabra 'tangram' no está claro. Una conjetura sostiene que es un compuesto del elemento griego '-grama' derivado de γράμμα ('carácter escrito, letra, lo que se dibuja') con el elemento 'tan-' que se conjetura de diversas maneras como chino broncearse 'extender' o cantonés Espiga 'Chino'. [4] Alternativamente, la palabra puede derivar del arcaico inglés 'tangram' que significa "una cosa extraña, intrincadamente inventada". [5]

En cualquier caso, se cree que el primer uso conocido de la palabra se encuentra en el libro de 1848 Rompecabezas geométrico para jóvenes por el matemático y futuro presidente de la Universidad de Harvard, Thomas Hill, quien probablemente acuñó el término en el mismo trabajo. Hill promovió vigorosamente la palabra en numerosos artículos que abogaban por el uso del rompecabezas en la educación y en 1864 recibió el reconocimiento oficial en el idioma inglés cuando se incluyó en Noah Webster's Diccionario americano. [6]

Orígenes Editar

Los primeros años de intentar fechar el Tangram fueron confundidos por la historia popular pero fraudulentamente escrita por el famoso fabricante de rompecabezas Samuel Loyd en su 1908 El octavo libro de bronceado. Este trabajo contiene muchas características caprichosas que despertaron tanto interés como sospechas entre los más grandes eruditos contemporáneos que intentaron verificar el relato. En 1910 estaba claro que se trataba de un engaño. En una carta de este año del editor del Diccionario de Oxford, Sir James Murray, en nombre de varios eruditos chinos al destacado rompecabezas Henry Dudeney, se lee: "El resultado ha sido mostrar que el hombre Tan, el dios Tan y el Libro de Tan son completamente desconocidos para la literatura, la historia o la tradición china ". [5] Junto con sus muchos detalles extraños El octavo libro de Tan La fecha de creación del rompecabezas de 4000 años en la antigüedad debía considerarse completamente infundada y falsa.

El inventor chino histórico del Tangram es desconocido excepto por el seudónimo de Yang-cho-chu-shih (recluso tonto). Se cree que el rompecabezas se introdujo originalmente en un libro titulado Ch'i chi'iao t'u que ya estaba siendo reportado como perdido en 1815 por Shan-chiao en su libro Nuevas figuras del Tangram. Sin embargo, en general se dice que los orígenes del rompecabezas habrían sido unos 20 años antes. [7]

A pesar de su creación relativamente reciente, existe una tradición mucho más antigua de diversiones de disección en China que probablemente jugó un papel en su inspiración. En particular, las mesas modulares para banquetes de la dinastía Song tienen un parecido asombroso con las piezas de juego del Tangram y había libros dedicados a organizarlos juntos para formar patrones agradables. [8]

El destacado matemático del siglo III Liu Hui hizo uso de pruebas de construcción en sus obras y algunas tienen un parecido sorprendente con las mesas de banquete desarrolladas posteriormente, que a su vez parecen anticipar el Tangram. Si bien no hay razón para sospechar que los tangramas se usaron en la prueba del teorema de Pitágoras, como se informa a veces, es probable que este estilo de razonamiento geométrico ejerciera una influencia en la vida cultural china que conduzca directamente al rompecabezas. [9]

Llegando al mundo occidental (1815-1820) Editar

El primer tangram existente se le entregó al magnate naviero y congresista de Filadelfia Francis Waln en 1802, pero no fue hasta más de una década después que las audiencias occidentales, en general, se verían expuestas al rompecabezas. [1] En 1815, el capitán estadounidense M. Donnaldson recibió un par de libros del autor Sang-Hsia-koi sobre el tema (un problema y un libro de soluciones) cuando su barco, Comerciante atracado allí. Luego fueron llevados con el barco a Filadelfia, en febrero de 1816. El primer libro de tangram que se publicó en Estados Unidos se basó en la pareja traída por Donnaldson. [10]

El rompecabezas finalmente llegó a Inglaterra, donde se puso muy de moda. La locura se extendió rápidamente a otros países europeos. Esto se debió principalmente a un par de libros de tangram británicos, El rompecabezas chino de moday el libro de soluciones adjunto, Llave. [11] Pronto, se exportaron un gran número de juegos de tangram desde China, hechos de varios materiales, desde vidrio hasta madera y caparazón de tortuga. [12]

Muchos de estos inusuales y exquisitos conjuntos de tangram llegaron a Dinamarca. El interés danés por los tangrams se disparó alrededor de 1818, cuando se publicaron dos libros sobre el rompecabezas, con mucho entusiasmo. [13] El primero de ellos fue Mandarín (Sobre el juego chino). Esto fue escrito por un estudiante de la Universidad de Copenhague, que era un trabajo no ficticio sobre la historia y la popularidad de los tangrams. El segundo, Det nye chinesiske Gaadespil (El nuevo juego de rompecabezas chino), constaba de 339 rompecabezas copiados de El octavo libro de Tan, así como un original. [13]

Un factor que contribuyó a la popularidad del juego en Europa fue que, aunque la Iglesia Católica prohibió muchas formas de recreación en sábado, no puso objeciones a los juegos de rompecabezas como el tangram. [14]

Segunda locura en Alemania (1891-1920) Editar

Los tangrams fueron presentados por primera vez al público alemán por el industrial Friedrich Adolf Richter alrededor de 1891. [15] Los conjuntos estaban hechos de piedra o loza falsa, [16] y se comercializaban con el nombre de "The Anchor Puzzle". [15]

Más internacionalmente, la Primera Guerra Mundial vio un gran resurgimiento del interés en los tangrams, en el frente interno y en las trincheras de ambos lados. Durante este tiempo, de vez en cuando se conocía con el nombre de "La Esfinge", un título alternativo para los conjuntos de "Rompecabezas de ancla". [17] [18]

Una paradoja de tangram es una falacia de disección: dos figuras compuestas con el mismo conjunto de piezas, una de las cuales parece ser un subconjunto propio de la otra. [19] Una paradoja famosa es la de los dos monjes, atribuida a Dudeney, que consta de dos formas similares, una con un pie y la otra sin pie. [20] En realidad, el área del pie se compensa en la segunda figura con un cuerpo sutilmente más grande. Otra paradoja del tangram es propuesta por Sam Loyd en El octavo libro de Tan: [21]

Las figuras séptima y octava representan el cuadrado misterioso, construido con siete piezas: luego con una esquina recortada, y todavía se emplean las mismas siete piezas. [22]

La paradoja de los dos monjes: dos formas similares pero a una le falta un pie:

La paradoja del tangram de la Copa de Dados Mágicos - del libro de Sam Loyd El octavo libro de Tan (1903). [21] Cada una de estas tazas se compuso utilizando las mismas siete formas geométricas. Pero la primera taza está entera y las otras contienen vacantes de diferentes tamaños. (Observe que el de la izquierda es un poco más corto que los otros dos. El del medio es ligeramente más ancho que el de la derecha y el de la izquierda es aún más estrecho). [23]

Paradoja del tangram cuadrado recortado - del libro de Loyd El octavo libro de Tan [21] (1903):

Se han creado más de 6500 problemas de tangram diferentes solo a partir de textos del siglo XIX, y el número actual es cada vez mayor. [24] Fu Traing Wang y Chuan-Chin Hsiung demostraron en 1942 que solo hay trece configuraciones convexas de tangram (el segmento de configuración dibujado entre dos puntos cualesquiera en el borde de la configuración siempre pasa por el interior de la configuración, es decir, configuraciones sin huecos en el contorno ). [25] [26]

Al elegir una unidad de medida para que las siete piezas se puedan ensamblar para formar un cuadrado de lado una unidad y tener un área de una unidad cuadrada, las siete piezas son: [27]

  • 2 triángulos rectángulos grandes (hipotenusa 1, lados √ 2/2, área
  • 1 / 4 )
  • 1 triángulo rectángulo mediano (hipotenusa
  • √ 2/2, lados
  • 1/2, área
  • 1 / 8 )
  • 2 triángulos rectángulos pequeños (hipotenusa
  • 1/2, lados
  • √ 2/4, área
  • 1 / 16 )
  • 1 cuadrado (lados
  • √ 2/4, área
  • 1 / 8 )
  • 1 paralelogramo (lados de
  • 1/2 y
  • √ 2/4, altura de
  • 1/4, área
  • 1 / 8 )

De estas siete piezas, el paralelogramo es único en el sentido de que no tiene simetría de reflexión sino solo simetría de rotación, por lo que su imagen especular se puede obtener solo dándole la vuelta. Por lo tanto, es la única pieza que puede necesitar ser volteada al formar ciertas formas.


Rompecabezas del escenario central

Filtros

Fotografía Jorgo

Edgar Degas

Gabriel Boutet

Dan Sproul

Dan Sproul

Espectro de arte

Georgia Mizuleva

Rob Hawkins

Alex Lapidus

Kathleen K Parker

Judith Desrosiers

Shirley Mitchell

Dennis Burton

Reimar Gaertner

Rompecabezas

1-14 de 14 puzzles en el centro del escenario a la venta

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Rompecabezas de madera de duela.

¿Por qué cientos de personas me consideran su ¿Y por qué estoy tan ansioso por conocer su miseria y escuchar sus gemidos de frustración? Soy Steve Richardson, también conocido como The Chief Tormentor. Desde 1974, mis cohortes y yo hemos sido los autores intelectuales detrás de la mayoría hermosa, la mayoría inventivo, y sin lugar a dudas, la mayoría desafiante rompecabezas que se encuentran en el mundo de hoy: los famosos rompecabezas de Stave.

Nuestra devoción por la creación de rompecabezas ha transformado la idea del rompecabezas de una diversión muy simple en una forma de arte altamente expresiva, entretenida y exasperante. En los hogares de todas partes, los rompecabezas de duelas son recogido y atesorado tan único y preciosas reliquias. Y a lo largo del camino, hemos desarrollado muchas relaciones cercanas con las personas que comparten nuestra obsesión. ¡Personas que han experimentado la lucha y la satisfacción de completar acertijos tan hermosos y desafiantes que no pueden esperar para comenzar el siguiente! los of Stave puzzles inspira cartas, llamadas, obsequios, sobornos y bromas mucho más allá de lo que cabría esperar de un negocio normal.


14 de los mejores rompecabezas absolutos, según los entusiastas de los rompecabezas

Los rompecabezas más impresionantes para adultos y familias.

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En nuestro mundo frenético cada vez más digital, los acertijos desafían tu cerebro y te calman, mientras le dan a tu mente algo específico en lo que enfocarse que no tiene nada que ver con el trabajo, el mundo real o cualquiera de los desafíos que conlleva. Y los rompecabezas tampoco son solo diversión y juegos: un estudio de 2014 descubrió que trabajar en juegos como los rompecabezas puede mejorar las habilidades espaciales.

Otro estudio encabezado por la Universidad de Yale encontró que construir un rompecabezas juntos puede ayudar a las personas a mejorar sus habilidades de colaboración y cooperación. Incluso más estudios han demostrado que hacer rompecabezas puede aumentar la retención de la memoria y reducir la probabilidad de desarrollar demencia y enfermedad de Alzheimer. Si esas no son todas buenas razones para resolver un rompecabezas, no sabemos cuánto más convincente necesita.

Así que si estás buscando un nuevo pasatiempo, quiere desafiar su mente o necesita una actividad en el interior para los niños, hemos reunido algunos de los mejores acertijos en línea, por lo que está a solo un par de clics de obtener esos increíbles beneficios para el cerebro. Mientras lo hace, asegúrese de ver también nuestros juegos de mesa favoritos, acertijos y juegos de viajes por carretera.


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