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“Talladega Nights” estrenada en cines

“Talladega Nights” estrenada en cines

“Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby”, una comedia irreverente basada en el extravagante (ficticio) mundo de las carreras de stock car estadounidenses, se estrena en los cines de los Estados Unidos el 4 de agosto de 2006.

El comediante Will Ferrell (quien también coescribió el guión con el director Adam McKay y se desempeñó como productor ejecutivo) interpretó a Ricky Bobby, un piloto líder en el circuito de la Asociación Nacional de Carreras de Autos de Stock (NASCAR). Macho y arrogante, Ricky Bobby es conocido por su lema "¡Si no eres el primero, eres el último!" y no tiene problemas con el hecho de que su récord de victorias se basa en la voluntad de su leal amigo y compañero piloto, Cal Naughton Jr. (John C. Reilly) de quedar siempre en segundo lugar después del primero de Ricky. Este arreglo se ve afectado por la llegada de Jean Girard (Sacha Baron Cohen), una extravagante estrella francesa de la Fórmula 1 europea. Después de un accidente devastador, Ricky Bobby pierde su trabajo y su esposa (ambos a manos de Cal) y se ve obligado a volver a subir al mundo de NASCAR. La escena culminante, con un beso explosivo en el medio de la pista, tiene lugar durante la famosa carrera Talladega 500 en el Talladega Superspeedway de Alabama.

“Talladega Nights” ofreció una versión exagerada sin disculpas del mundo de NASCAR, burlándose repetidamente de la imagen estereotipada de los “buenos viejos” amantes de los autos del sur de Estados Unidos, al estilo de programas como “The Dukes of Hazzard”. También satirizó el afecto de NASCAR por la colocación de productos: los autos de la película están cubiertos de anuncios de marcas como Wonder Bread y Old Spice y los personajes cantan constantemente las alabanzas de Domino's Pizza, PowerAde y otros productos.

En el lado más auténtico, los vehículos utilizados en "Talladega Nights" se hicieron con la cooperación de NASCAR, y la película se filmó parcialmente en el Talladega Superspeedway, conocido por los fanáticos de las carreras de autos stock como el circuito más grande, rápido y competitivo de el mundo. Inaugurado en 1969, el complejo se construyó en una extensión de tierra de cultivo junto a dos pistas de aterrizaje abandonadas; tiene la capacidad para acomodar a más de 143,000 espectadores sentados, con miles más en el infield de 212 acres. Talladega también alberga el Museo y Salón de la Fama del Automovilismo Internacional.


13 datos importantes sobre Noches de Talladega: La balada de Ricky Bobby

Dos años antes de que se reunieran por Hermanastros, Will Ferrell y John C. Reilly descubrieron que formaban un gran dúo cómico en 2006 Noches de Talladega: La balada de Ricky Bobby, dirigida por Adam McKay y coescrita por Ferrell y McKay.

Ferrell interpretó al popular piloto de NASCAR Ricky Bobby, con Reilly como Cal Naughton Jr., el "horneado" del "batido" de Bobby, a quien no le importó quedar en segundo lugar para darle la victoria a Bobby. Diez años después del estreno de la película, aquí hay 13 datos importantes sobre Noches de Talladega.

1. FUE MOLLY SHANNON QUIEN PRESENTÓ A WILL FERRELL A JOHN C. REILLY.

En una entrevista con About Entertainment, John C. Reilly dijo que le presentaron a Will Ferrell "a través de mi amiga Molly Shannon y nos llevamos bien de inmediato. Esa amistad se desangró en la relación en [Noches de Talladega], Supongo. "Originalmente, los amigos habían planeado trabajar juntos en Comunicador coordinador, pero Reilly estaba filmando otra película. "Fue una verdadera angustia para mí porque pensé que era la oportunidad de trabajar con Will y Adam", dijo. "He aquí, ellos juntaron esto y me llamaron".

2. FERRELL Y ADAM MCKAY HABÍAN QUERIDO HACER UNA PELÍCULA DE NASCAR DURANTE AÑOS.

Los dos habían hablado de NASCAR mientras Ferrell estaba haciendo Duende (2003). Luego fueron a una carrera. "Ni siquiera éramos grandes fanáticos de NASCAR en ese momento, pero después de que comenzamos a ir a la pista, nos dejamos llevar por el fenómeno", dijo McKay.

3. LO LANZARON CON SEIS PALABRAS.

McKay y Ferrell usaron solo seis palabras para presentar la película a los estudios: "Will Ferrell como piloto de NASCAR". Sony dijo que sí.

4. NASCAR AGREGÓ CHISTE.

NASCAR ayudó con precisión y acceso de producción a eventos de carreras reales. El productor Judd Apatow recordó que "algún tipo de NASCAR nos lanzaba una broma mejor que la que habíamos hecho, y luego nos avergonzaba que pudieran conducir autos a 150 millas por hora y ser más divertidos que nosotros".

5. REILLY BASÓ SU VISTA EN LOS CONDUCTORES DE LOS 1960 y 1970.

Mientras Reilly intentaba averiguar el aspecto de Cal Naughton Jr., miró fotografías de conductores contemporáneos. Se veían "de corte limpio", pero cuando miró un libro sobre la historia del deporte, vio algo que le gustó: vello facial. "Grandes chuletas de cordero, patillas y un vello facial loco. Parece que están haciendo un poco de fiesta fuera de la pista, y un poco barrigones", explicó Reilly. "Y yo pensé, aquellos son los tipos en los que quiero basarme, los que huían de los federales cuando intentaban ocultar sus alambiques en las montañas ".

6. PRACTICARON LAS CARRERAS DE VERDAD.

Los instructores de Richard Petty Driving Experience ayudaron a Ferrell, Reilly y Sacha Baron Cohen a aprender los fundamentos de las carreras. “Lo primero que hacen es que montes en la escopeta con un piloto real de NASCAR a unas 180 millas por hora alrededor de la pista, dijo Baron Cohen. "Fue una de las experiencias más desagradables de mi vida".

Cuando McKay, Ferrell y Reilly fueron a la escuela, todos insistieron en salirse de la pista después de viajar en una camioneta durante una sola vuelta. "La escena en la que Ricky regresa y piensa que va rápido, pero en realidad solo va a 40 kilómetros por hora, totalmente aterrorizado. Eso se basó básicamente en experiencias de la vida real", admitió Ferrell más tarde.

7. REILLY QUERÍA RECREAR UNA ESCENA DE DÍAS DE TORMENTA.

"La única escena de Días de tormenta que quería recrear en Noches de Talladega fue cuando Robert Duvall ([como] Harry Hogge) está solo con el auto y hablando con él por la noche como si fuera una persona ", dijo Reilly." Se vuelve casi inapropiado. 'Voy a sacarte brillo y llenarte de alto octanaje, bebé'. Íbamos a filmar una escena en la que estaba hablando y frotándome y luego volviéndome demasiado íntimo con el auto, pero no lo logró. Probablemente fue lo mejor ".

8. 200.000 FANS DE LAS CARRERAS APOYARON INSTINTIVAMENTE EL CARÁCTER DE SACHA BARON COHEN.

Ferrell, Reilly y Baron Cohen se presentaron con carácter en el 2005 UAW-GM Quality 500 en Lowe's Motor Speedway en Concord, Carolina del Norte. Cuando se presentó el personaje de Baron Cohen, Jean Girard, 200.000 fanáticos abuchearon. McKay estaba preocupado de que Baron Cohen se deprimiera después de eso, pero no sorprendió al actor cómico. "Me recordó la última vez que fui a Alabama, cuando interpretaba a un personaje austriaco gay para [Espectáculo de Da Ali G] y 90.000 hombres borrachos me abuchearon en el partido de fútbol entre Alabama y Mississippi ", explicó." La única forma de salir con vida fue cambiándome de ropa con el técnico de sonido ".

9. LOS CUCHILLOS EN LA ESCENA DE LAS PIERNAS SIGUIERON AUMENTANDO MÁS Y MÁS.

"El cuchillo en la pierna es un poco que de ninguna manera sirve a la historia, pero pensamos que era divertido", dijo McKay. "Así que probamos una versión pequeña y nos reímos mucho. 'Oh, espera un minuto, agreguemos más de eso'. Recibió más risas. "Agreguemos mucho más de eso". Usamos la secuencia con el segundo cuchillo; está desenfocado, se nota que se ve horrible, pero dijimos: '¡Al diablo, lo vamos a colocar de todos modos!'. De repente, es la pieza más divertida de la película ".

Fue idea de Michael Clarke Duncan poner el segundo cuchillo. "Yo solía trabajar en la compañía de gas y cuando te atascas las brocas en el concreto, simplemente las sacas y vas a buscar otra broca, cavas alrededor de esa y la sacas, así que de ahí es de donde saqué esa línea. . "

10. MICHAEL CLARKE DUNCAN NUNCA PENSÓ QUE SU CANTO HACERÍA EL CORTE FINAL.

McKay le dijo a Duncan que cantara algo de Donna Summer. "Last Dance" fue la única canción que se le ocurrió. "Pensé que iba a estar en el DVD", dijo Duncan. "Pensé que nadie lo verá durante al menos un par de meses". Hizo el corte teatral final, durante los créditos finales.

11. A MCKAY LE PREOCUPÓ QUE LA PELÍCULA NO ERA SUFICIENTE LOCA.

McKay le preguntó a su esposa si habían hecho que la película fuera "lo suficientemente loca". "¿Estás bromeando?" fue el comienzo de su respuesta. "'Mira lo que tienes en esta película', y ella nombró como ocho cosas: ¿Sacha Baron Cohen le rompe el brazo [a Will] porque no dice 'Me encantan las crepes'? ¿Tienen una canción en la máquina de discos de la barra para crear perfiles?" Así que sí, creo que hicimos un buen trabajo al dar un paso adelante sin perder demasiado de lo que hacemos ".

12. EL PADRE DE FERRELL ESCRIBIÓ Y ACTUÓ UNA CANCIÓN EN LA PELÍCULA.

Roy Lee Ferrell tocó saxofón, piano y teclados para los Righteous Brothers durante casi 20 años. Escribió "Goodbye Cowboy" para Noches de Talladega. "Tener la canción de mi papá en la película es genial porque no es como dije, 'Oye, pon la canción de mi papá en la película'", dijo Ferrell. "Fue el director (Adam McKay) y los demás responsables de la toma de decisiones creativos los que quisieron incluirlo, por lo que es muy satisfactorio tanto para mí como para mi padre".

13. LOS ACTORES GRABARON UNA INTERESANTE PISTA EN DVD.

Un comentario en DVD está ambientado en el año 2031 para celebrar el 25 aniversario de la película. En su versión de los hechos, la película cambió la historia. Ahora, líder de la milicia, Reilly llamó desde el "estado insular" de Michigan.


Han pasado ocho años desde que se lanzó & # 8220Talladega Nights & # 8221, y NASCAR ha cambiado mucho desde entonces.

La comedia tonta de Will Ferrell Noches de Talladega: La balada de Ricky Bobby se estrenó hoy en los cines hace ocho años, y ha sido fascinante ver lo que le sucedió al mundo de NASCAR desde el 4 de agosto de 2006.

Aquí & # 8217s solo un breve resumen de las cosas y momentos capturados en Noches de Talladega que todavía son relevantes hoy o han cambiado en ese período de tiempo:

  • NASCAR ha pasado por dos nuevas generaciones de autos, ya que el Auto del Mañana se estrenó en 2007, pasó por mejoras y luego lanzó el nuevo auto Generación 6 en 2013.
  • La temporada pasada de NASCAR & # 8217 en NBC fue en 2006 & # 8230 volverá en 2015. El equipo del stand cambia, de Bill Weber, Wally Dallenbach Jr. y el difunto y gran Benny Parsons a Rick Allen, Jeff Burton y Steve Letarte el próximo año.
  • SPEED Channel ya no existe, ya que relataba el regreso de Ricky Bobby a la pista en Rockingham (que ya no tiene una carrera de la Copa) para una prueba después de su accidente en Charlotte que llevó a todo el & # 8220 ¡Ayúdame Tom Cruise! & # 8221 mordaza.
  • Nextel seguía siendo el patrocinador del título de la serie. La Copa no se convirtió en la Copa Sprint de NASCAR hasta 2008.
  • Kurt Busch ha seguido su propia odisea al estilo de Ricky Bobby, con una caída en desgracia de alto perfil del Equipo Penske a fines de 2011, para luego conducir un esquema de pintura inspirado en Ricky Bobby & # 8220ME & # 8221 con permiso de todos participaron en Talladega la primavera de 2012 con, como corresponde, Phoenix Racing como equipo. Y eso fue para dar a conocer a la Fundación Fuerzas Armadas. Con Furniture Row Racing un año después, conducía un automóvil patrocinado por Wonder Bread. Ahora, Busch está de vuelta con un equipo superior en Stewart-Haas Racing, y también ha sido uno de los historias de la temporada de carreras de 2014 con su doble intento en el fin de semana de Indianápolis y Charlotte Memorial Day & # 8211 el evento anterior donde ganó los honores de novato del año después de un sexto lugar.
  • Dale Earnhardt Jr. estuvo en su penúltima temporada en Dale Earnhardt Inc. (2007) antes de su primera en Hendrick Motorsports (2008). & # 8220Junior & # 8221 cambió del 8 al 88 en & # 821708.
  • Jamie McMurray pasó de Chip Ganassi Racing a Roush Fenway Racing y luego de regreso a Ganassi.
  • Michael Waltrip llamó Noches de Talladega estupendo.
  • Ningún tipo & # 8220Jean Girard & # 8221 ha ingresado a NASCAR, pero el colombiano Juan Pablo Montoya ingresó a NASCAR a finales de 2006 para proporcionar el primer piloto extranjero consistente y de tiempo completo desde 2007 hasta 2013. JPM no bebió macchiatos que manejó golpear un secador de jet una vez, y eso & # 8217s generó un aluvión interminable de chistes malos desde las 500 Millas de Daytona de 2012. 8211 francés actual Simon Pagenaud.
  • Una letanía de patrocinadores corporativos & # 8211 algunos de los cuales fueron satirizados en la película & # 8211 han abandonado el deporte.
  • Uno de los actores de la película fue arrestado por violencia doméstica & # 8230 y eso ocurrió solo un mes después de que fue arrestado por conducir imprudentemente. Sorprendentemente, ese actor no fue uno de los dos que interpretaron a Ricky Bobby, la problemática pareja de niños, Walker y Texas Ranger, sino el actor que interpretó a un joven él mismo.
  • A Noches de Talladegarestaurante inspirado fue demandado por Sony Pictures.

Indudablemente, hay más, pero por ahora, simplemente lo dejaremos con esos momentos para que mastique.


Ricky Bobby rechaza la oferta de tres opciones de Cal & # 8217 en un clip nunca antes visto & # 8216Talladega Nights & # 8217

No hay nada que les guste más a los estudios que eliminar una escena sin sentido de una película para que puedan dar la vuelta y usarla para atraernos con imágenes adicionales cuando el DVD y el Blu-Ray lleguen a los estantes. Y aunque sabemos que es simplemente una estrategia de marketing, nos lo comemos como locos porque no podemos tener suficientes de nuestras películas favoritas. Somos adictos y un corte más largo del director es nuestro golpe, y si vienes a nosotros años después de que la película se estrenara en los cines con una edición de aniversario de tu droga nunca antes vista, seguiremos pagando nuestro dinero a tu manera. . Al menos eso es lo que Sony Pictures espera para la edición especial del décimo aniversario de Noches de Talladega: La balada de Ricky Bobby.

Semanal de entretenimiento tiene un clip exclusivo de Cal Naughton, Jr. (John C. Reilly) tratando de hacer las cosas bien con su ex mejor amigo, Ricky Bobby (Will Ferrell), después de básicamente robarle la vida. Se parece mucho a la escena de la llamada telefónica que ya está en la película, solo que más larga y presenta a Reilly en un Speedo, lanzando un ménage à trois a su ex compañero. Puede que no sea tan divertido como, digamos, las tomas descartadas de Ferrell y Reilly perdiendo la mierda tratando de lanzar productos falsos, pero definitivamente hará que tus amigos griten: "¡Quiero ir rápido!" como si fuera 2006 de nuevo.

los Noches de Talladega El aniversario de Blu Ray se lanzará el 25 de octubre.


Noches de Talladega

Noches de Talladega: La balada de Ricky Bobby según se informa, fue comparado con los estudios con un discurso de seis palabras: "Will Ferrell como piloto de NASCAR". Eso resume toda la conclusión de la película. Will Ferrell es Will Ferrell. Con autos veloces.

Ricky Bobby (Ferrell) es una estrella de NASCAR simple y auto-glorificada que siempre ha tenido una necesidad de velocidad. Con un lema de vida heredado de su padre de "Si no eres el primero, eres el último", Ricky cree que ganar lo es todo. Y los ganadores, razona, pueden hacer lo que quieran y tener lo que quieran. Pero pronto, su reinado como el rey hedonista de NASCAR se ve amenazado por un nuevo retador y mdash, el piloto francés homosexual, Jean Girard (Sacha Baron Cohen).

Entonces, la pregunta importante: ¿es gracioso? Oh si. Aunque no es tan divertido como Comunicador coordinador (también escrito por Ferrell y el director Adam McKay), la locura exagerada y sin límites de Ferrell lleva la película. De nuevo recurre a su característico papel de Doofus Everyman, la exageración caricaturesca e inocentemente distante de una persona real ambientada en un mundo de absurdo. El guión tiene algunos momentos ingeniosos, como satirizar la habilidad de las películas deportivas para secuencias de acción largas y en cámara lenta y Niño del karate-como secuencias de entrenamiento. Pero es muy probable que la mayoría de las risas más grandes de la película no estén escritas en el guión, sino que salieron de la improvisación en cámara entre un elenco que obviamente se divirtió mucho filmando.

Sin embargo, las risas no suman mucho. No se quedan contigo, porque no hay ningún significado detrás de ellos. En cambio, la película es solo 105 minutos de un absurdo obsceno por el bien del absurdo. Si bien la parte Doofus Everyman de Ferrell es divertida, es una broma que envejece. Como Ron Burgundy de Anchorman, Ferrell encontró formas de mantener fresco al personaje. Y quizás parte del mérito.

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Contenido

Ya en 1906, varios empresarios de la industria cinematográfica comenzaron a discutir el potencial de ver películas en el hogar, y en 1912, tanto Edison como Pathé comenzaron a vender proyectores de películas para uso doméstico. [3] Debido a que hacer copias impresas era (y sigue siendo) muy caro, los primeros propietarios de proyectores domésticos alquilaban películas por correo al fabricante del proyector. [3] El modelo de negocio de Edison era fundamentalmente defectuoso porque la empresa había comenzado con fonógrafos y no entendía que ver en casa es fundamentalmente diferente de escuchar en casa. [3] Edison terminó su negocio de visualización en el hogar en 1914, mientras que Pathé se demoró un poco más, pero se retiró en algún momento durante la Primera Guerra Mundial. [3]

Después de los rápidos fracasos de estos primeros intentos de visualización en casa, la mayoría de los largometrajes fueron esencialmente inaccesibles para el público después de sus carreras teatrales originales. [4] Algunas películas muy populares recibieron reestrenos teatrales ocasionales en casas de reactivación urbana y en las salas de proyección de un puñado de archivos y museos. [ cita necesaria ] A partir de la década de 1950, se podía esperar que la mayoría apareciera en televisión, eventualmente. [ cita necesaria ] Durante esta era, los programas de televisión normalmente solo podían verse en el momento de su emisión. Los espectadores estaban acostumbrados al hecho de que no había una manera fácil de grabar programas de televisión en casa y verlos cuando lo desearan. [ cita necesaria ]

En 1924, Kodak inventó la película de 16 mm, que se hizo popular para uso doméstico, [3] y luego desarrolló una película de 8 mm. [5] Después de ese punto, los consumidores pueden comprar un proyector de película para uno de esos formatos de película y alquilar o comprar copias para uso doméstico de algunos dibujos animados, comedias cortas y breves carretes "destacados" editados de largometrajes. [ cita necesaria ] En el caso del formato de 16 mm, la mayoría de ellos estaban disponibles con banda sonora óptica, e incluso se podían alquilar o comprar algunos largometrajes completos en 16 mm. [ cita necesaria ] Las películas de 8 mm casi nunca duraban más de 10 minutos y solo unas pocas estaban disponibles con una banda sonora magnética al final de la vida del formato. [ cita necesaria ] El formato de película Super 8, introducido en 1965, [6] se comercializó para hacer películas caseras, pero también aumentó la popularidad de las películas para exhibir en casa. [ cita necesaria ] Con el tiempo, se publicaron versiones más largas y editadas de largometrajes, cada vez más en color y con una banda sonora magnética, [ cita necesaria ] pero en comparación con las tecnologías modernas, la proyección de películas seguía siendo bastante cara y difícil de usar. [5] Como resultado, ver películas en casa siguió siendo competencia de cinéfilos dedicados dispuestos y capaces de invertir miles de dólares en proyectores, pantallas e impresiones de películas, [5] y era solo una pequeña fracción de la industria cinematográfica. [3]

En 1956, Ampex fue pionera en el primer sistema de grabación de cintas de vídeo comercialmente práctico. [5] El sistema Ampex, sin embargo, usaba cinta de carrete a carrete y equipo físicamente voluminoso no apto para uso doméstico. [5]

A mediados de la década de 1970, la cinta de video se convirtió en el primer formato de video casero verdaderamente práctico con el desarrollo de cintas de video, que eran mucho más fáciles de usar que los carretes de cinta. Los formatos de casete de video doméstico Betamax y VHS se introdujeron, respectivamente, en 1975 y 1976 [7], pero se necesitaron varios años más y se necesitaron reducciones dramáticas en los precios de los equipos y casetes de video antes de que ambos formatos comenzaran a generalizarse en los hogares. [ cita necesaria ]

Inicialmente, los estudios de cine y los distribuidores de video asumieron que los consumidores no querrían comprar cintas de video pregrabadas, sino simplemente alquilarlas. También sintieron que prácticamente todas las ventas serían a tiendas de alquiler de videos y fijaron los precios en consecuencia. [ cita necesaria ] El cambio a la visualización en casa también cambió las fuentes de ingresos de la industria del cine, porque el alquiler de viviendas creó una ventana de tiempo adicional en la que una película podía generar ingresos. En algunos casos, las películas que tuvieron un desempeño modesto en sus estrenos de cine se vendieron fuertemente en el mercado de alquiler (por ejemplo, películas de culto). [ cita necesaria ]

Las tiendas de alquiler de videos se convirtieron en una forma popular de ver videos caseros. Las tiendas de alquiler de videos son negocios minoristas físicos que alquilan videos caseros como películas, programas de televisión pregrabados, discos de videojuegos y otros contenidos. Por lo general, una tienda de alquiler realiza negocios con los clientes bajo las condiciones y términos acordados en un contrato o contrato de alquiler, que puede ser implícito, explícito o escrito. Muchas tiendas de alquiler de videos también venden películas vistas anteriormente y / o películas nuevas sin abrir. [ cita necesaria ] En la década de 1980, las tiendas de alquiler de videos alquilaban películas en los formatos VHS y Betamax, aunque la mayoría de las tiendas abandonaron las cintas Betamax cuando VHS ganó la guerra de formatos a fines de la década. [ cita necesaria ]

Durante la década de 1980, los distribuidores de películas llegaron a comprender lentamente que muchas personas querían construir sus propias bibliotecas de videos, y no solo alquilar, si el precio era correcto y, a su vez, un título que había vendido unos cientos de copias a $ 99 podría venderse. decenas o incluso cientos de miles de copias a $ 19,99 o $ 9,99. [ cita necesaria ] La primera empresa en duplicar y distribuir videos domésticos fue Magnetic Video en 1977. [ cita necesaria ] Magnetic Video se estableció en 1968 como un servicio de duplicación de audio y video para corporaciones profesionales de audio y televisión en Farmington Hills, Michigan, Estados Unidos, aunque el sistema Cartrivision de 1972 de Avco precedió a la expansión de Magnetic Vision en video doméstico por algunos años. [8]

Producción de videos de interés especial Editar

Hasta mediados de la década de 1980, estrenos cinematográficos como El mago de Oz, Ciudadano Kane, y Casablanca eran el pilar del marketing de video y estaban dirigidos por grandes estudios como Universal, 20th Century Fox y Disney. [ cita necesaria ] En ese momento, no muchos consumidores poseían un VCR, y los que lo tenían tendían a alquilar videos en lugar de comprarlos. [ cita necesaria ] Hacia el final de esa década, un aumento de empresas más pequeñas comenzó a crear videos de interés especial, también conocidos como "programación no teatral" y "programación alternativa", y "venta directa" al consumidor. [ cita necesaria ] Se señaló en ese momento que:

"Es posible que mañana desaparezcan las imitaciones en el mercado del vídeo. Más personas están encontrando formas innovadoras de crear entretenimiento e información visualmente estimulantes para el reproductor de cintas de vídeo. Al igual que la publicación de libros contemporánea, puede producir y distribuir usted mismo en mercados muy reducidos o buscar distribuidores de amplia base para un atractivo orientado a las masas "[9]

El video de interés especial amplió la cantidad de temas y audiencias para incluir "videos de manejo de perros, videos de dolor de espalda y videos de cocina", que antes no se consideraban comercializables. Luego, incluso "cintas de golf y esquí * comenzaron a venderse. Fuentes contemporáneas señalaron que" la nueva tecnología ha cambiado el territorio "del mercado de videos domésticos. [10]

Disminución de las cintas de video y aumento de los discos Editar

A principios de la década de 2000, VHS comenzó a ser reemplazado por DVD. [ cita necesaria ] El formato DVD tiene varias ventajas sobre VHS. Un DVD consta de un solo disco, que se hace girar a alta velocidad, mientras que los videocasetes VHS tenían varias partes móviles que eran mucho más vulnerables a romperse con un desgaste intenso. Cada vez que se reproducía un casete de VHS, la cinta magnética del interior tenía que sacarse y envolverse alrededor del parche del tambor inclinado dentro del reproductor. Mientras que una cinta VHS se puede borrar si se expone a un campo magnético que cambia rápidamente y con suficiente fuerza, los DVD y otros discos ópticos no se ven afectados por los campos magnéticos. [ cita necesaria ] La relativa simplicidad mecánica y durabilidad del DVD en comparación con la fragilidad del VHS hizo que los DVD fueran un formato mucho mejor desde la perspectiva de una tienda de alquiler.

Aunque los DVD no tienen los problemas de los videocasetes, como la rotura de la cinta o el mecanismo del casete, aún pueden dañarse con rayones. Otra ventaja desde la perspectiva de las tiendas de alquiler de videos es que los DVD son físicamente mucho más pequeños, por lo que ocupan menos espacio para almacenar. Los DVD también ofrecen una serie de ventajas para el espectador. Los DVD pueden admitir relaciones de aspecto de pantalla estándar de 4x3 y de pantalla ancha de 16x9, y pueden proporcionar el doble de resolución de video que VHS. Avanzar hasta el final es mucho más fácil y rápido con un DVD que con una cinta VHS (que debe rebobinarse). [ cita necesaria ] Los DVD pueden tener menús interactivos, pistas en varios idiomas, comentarios de audio, subtítulos y subtítulos (con la opción de activar o desactivar los subtítulos, o seleccionar subtítulos en varios idiomas). Además, se puede reproducir un DVD en una computadora. [ cita necesaria ]

Debido a todas estas ventajas, a mediados de la década de 2000, los DVD se habían convertido en la forma dominante de películas de video pregrabadas tanto en el mercado de películas de alquiler como en el de películas nuevas. [ cita necesaria ] A finales de la década de 2000, las tiendas comenzaron a vender discos Blu-ray, un formato que admite alta definición. [ cita necesaria ]

Blu-ray es un formato de almacenamiento de datos de disco óptico digital, diseñado para reemplazar el formato de DVD, y es capaz de almacenar varias horas de video en alta definición (HDTV 720p y 1080p). La principal aplicación de Blu-ray es como medio para material de video como largometrajes y para la distribución física de videojuegos. El disco de plástico tiene el mismo tamaño que los DVD y los discos compactos. [11]

Blu-ray fue lanzado oficialmente el 20 de junio de 2006, comenzando la guerra de formatos de discos ópticos de alta definición, en la que Blu-ray Disc compitió contra el formato HD DVD. Toshiba, la principal empresa que apoya HD DVD, concedió en febrero de 2008. [12] Blu-ray se enfrenta a la competencia del vídeo a la carta (VOD) y la venta continua de DVD. [13] En particular, en enero de 2016, el 44% de los hogares de banda ancha de EE. UU. Tenían un reproductor de Blu-ray. [14]

Sin embargo, a fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, los consumidores continuaron usando videograbadoras para grabar programas de televisión por aire, porque los consumidores no podían hacer grabaciones caseras en DVD. [ cita necesaria ] Esta última barrera para el dominio del DVD se rompió a finales de la década de 2000, con la llegada de grabadoras de DVD y otras grabadoras de vídeo digitales (DVR) económicas. Los dispositivos DVR, que graban programas en un disco duro o almacenamiento flash, pueden comprarse en tiendas de electrónica o alquilarse a proveedores de televisión por cable o satélite. [ cita necesaria ]

A pesar del dominio generalizado del DVD, VHS continuó perdurando en la década de 2000 y se desvaneció gradualmente en la historia durante la década de 2010. El cambio a DVD inicialmente provocó que el mercado se inundara con videocasetes VHS usados, que estaban disponibles en casas de empeño y tiendas de segunda mano, por lo general a un precio mucho más bajo que la película equivalente en un DVD usado. [ cita necesaria ] En julio de 2016, el último fabricante conocido de VCR, Funai, anunció que dejaría de producir VCR. [15]

Transición de la visualización basada en disco a una cultura de transmisión Editar

Uno de los mayores impactos de la industria de la transmisión de películas fue en la industria del DVD, que efectivamente enfrentó su desaparición con la popularización masiva del contenido en línea. [ cita necesaria ] El aumento de la transmisión de medios provocó la caída de muchas empresas de alquiler de DVD como Blockbuster. En julio de 2015, Los New York Times publicó un artículo sobre los servicios de DVD por correo de Netflix. Afirmó que Netflix continuaba con sus servicios de DVD con 5.3 millones de suscriptores, lo que fue una caída significativa con respecto al año anterior, pero sus servicios de transmisión tenían 65 millones de miembros. [dieciséis]

El negocio principal de Netflix es su servicio de transmisión por suscripción, que ofrece transmisión en línea de una biblioteca de películas y programas de televisión, incluidos los producidos internamente. [17] En abril de 2019, Netflix tenía más de 148 millones de suscripciones pagas en todo el mundo, incluidos 60 millones en los Estados Unidos, y más de 154 millones de suscripciones en total, incluidas las pruebas gratuitas. [18] Está disponible en todo el mundo excepto en China continental (debido a restricciones locales), Siria, Corea del Norte y Crimea (debido a las sanciones de EE. UU.). La compañía también tiene oficinas en India, Holanda, Brasil, Japón y Corea del Sur. [19] Netflix es miembro de la Motion Picture Association. [20] Netflix ingresó a la industria de producción de contenido en 2012. Desde 2012, Netflix ha asumido un papel más activo como productor y distribuidor de películas y series de televisión. [ cita necesaria ]

Por lo general, se requiere que transcurra un período de tiempo entre el estreno en cines y la disponibilidad en el video doméstico para fomentar el patrocinio de las salas de cine y desalentar la piratería. Los lanzamientos de videos caseros originalmente se producían entre cinco y seis meses después del lanzamiento en cines, pero desde finales de la década de 2000, la mayoría de las películas han llegado en video después de tres o cuatro meses. A partir de 2019, la mayoría de las principales cadenas de cines exigen un período de exclusividad de 90 días antes del lanzamiento del video doméstico y de 74 a 76 días antes de la venta digital. [21] Las películas navideñas y otras películas relacionadas con las vacaciones a veces no se lanzan en videos caseros hasta el año siguiente, cuando las vacaciones se repiten. [22] Los principales estudios han puesto películas a disposición para alquiler durante su escaparate teatral en servicios de alta gama que cobran más de $ 500 por alquiler y utilizan hardware propietario. [23]

Las excepciones a la regla incluyen la película de Steven Soderbergh. Burbuja, que se estrenó en 2006 en cines, televisión por cable y DVD con solo unos días de diferencia. [24] Netflix ha lanzado algunas de sus películas, como Roma y El irlandés, en estreno limitado en cines seguido de disponibilidad de transmisión después de menos de 30 días. [21]

Muchos programas de televisión ahora también están disponibles en temporadas completas en DVD. [ cita necesaria ] Se ha convertido en una práctica popular que los programas de televisión descontinuados se publiquen en DVD una temporada a la vez cada pocos meses y que los programas activos se publiquen en DVD después del final de cada temporada. [ cita necesaria ] Antes de los DVD de televisión, la mayoría de los programas de televisión solo se podían ver en sindicación o en versiones limitadas de "lo mejor de" VHS de episodios seleccionados. Estas películas y programas protegidos por derechos de autor generalmente tienen restricciones legales que les impiden, entre otras cosas, mostrarse en lugares públicos, mostrarse a otras personas por dinero o copiarse para otros fines que no sean de uso justo (aunque tal capacidad está limitada por algunas jurisdicciones y formatos multimedia, ver más abajo). [ cita necesaria ]

Después de la aprobación de la Ley de Grabaciones de Video (Etiquetado) de 1985 en el Reino Unido, las cintas de video y otras grabaciones de video sin un símbolo de certificación de la Junta Británica de Clasificación de Películas en sus portadas, o en las cintas mismas, ya no podían ser vendidos o exhibidos por tiendas de alquiler. [25] Estas cintas se denominan "Precertificados"(por ejemplo, cintas de precertificación). Recientemente, estas cintas han generado un culto de seguidores debido a su capacidad de colección. [ cita necesaria ]

Cada año desde 2004, el festival de cine Il Cinema Ritrovato celebra los Premios DVD, donde premian los DVD (y más tarde Blu-ray) de la más alta calidad lanzados por empresas de medios domésticos de todo el mundo. [26] [27] [28] [29] [30] [31] [32]


Amy Adams como Susan

Amy Adams mostró por primera vez sus dotes dramáticas en su inspirador discurso a Ricky Bobby en Noches de Talladega, y desde entonces ha usado esas habilidades a su favor, pasando rápidamente de papeles pequeños en comedias y programas de televisión a ser nominada cinco veces al Oscar. Su primera nominación en realidad llegó el mismo año en que Noches de Talladega llegó a los cines, con la actriz ganando un guiño a la mejor actriz de reparto por Junebug.

Sin embargo, la verdadera ruptura de Adams se produjo cuando consiguió el papel principal en la película de Disney. Encantada, interpretando a la princesa cantante Giselle. Poco después del estreno de la película, Adams obtuvo su segunda nominación al Oscar por Duda, ganando un tercero, cuarto y quinto en los próximos años por El luchador, el maestro y Ajetreo americano. Sus otros papeles notables incluyen Animales nocturnos, Llegada, y Ella.

En 2013, Adams se unió a la DCEU como Lois Lane en Hombre de Acero, un papel que ella repitió en Batman v. Superman: Dawn of Justice and 2017's Liga de la Justicia. Her other upcoming projects include playing Lynne Cheney in a Dick Cheney biopic from Talladega Nights director Adam McKay and eventually reprising her Enchanted role for a long awaited sequel.


'Talladega Nights' alum Houston Tumlin dead at 28

March 24 (UPI) -- Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby actor Houston Tumlin has taken his own life, officials confirmed Wednesday. He was 28.

Shelby County Coroner Lina Evans told Deadline and People that Tumlin died of a self-inflicted gunshot wound to the head at his Alabama home on Tuesday night.

TMZ said the former child actor served in the Army's 101st Airborne Division at Fort Campbell and also worked repairing telephone lines.

Talladega Nights is his only screen credit. He played Walker Bobby, the son of Will Ferrell's character Ricky Bobby, in the 2006 comedy.

"Truly heartbroken and stunned at Houston's passing," tweeted the film's director Adam McKay.

"He was a joyful and talented person. Will never forget the laughs and good times we had. Sending love and prayers to his family and friends."


Editor's Picks

Scared or not, it was mighty heady cast for a racing flick, including Oscar nominee Michael Clarke Duncan ("The Green Mile") as crew chief Lucius Washington, future five-time Oscar nominee Amy Adams as PR girl/Ricky's love interest Susan, Emmy and Golden Globe winner Jane Lynch as Ricky's mother Lucy, and Sasha Baron Cohen as arch-enemy Jean Girard, who would be nominated for an Oscar and win a Golden Globe that very year for "Borat." But the real home run was landing recent Oscar nominee Reilly ("Chicago") as Bobby's best bud and teammate, Cal Naughton Jr. Landing Reilly was also a coup in that he'd also been part of the cast for "Days of Thunder," when, in just his third film role, he'd played Cole Trickle pit crew member Buck Bretherton.

John C. Reilly, aka Cal Naughton Jr.: "Yeah, my only advice to Adam and Will when it came to my "Days of Thunder" experience was to tell them to ignore my entire acting performance (laughs). Actually, the two experiences were both big for me. "Days of Thunder" was just bizarre because my first films had been these really serious epics and now I was on this action set and it was the '90s and there was all this partying going on. It was nuts. I met Will through my friend (SNL alum) Molly Shannon and "Talladega Nights" introduced me to this comedy improv style of making movies. Adam is behind the camera just rolling and watching Will crank out lines and I'm like, 'damn, this is fun.' The one scene from "Days of Thunder" that I wanted to recreate in Talladega Nights was when Robert Duvall (crew chief Harry Hogge) is alone with the car and talking to it at night like it's a person. It gets almost inappropriate. 'I'm gonna buff you out and pump you full of high octane, baby . ' We were going to shoot a scene where I was talking and rubbing and then getting way too intimate with the car, but it didn't make it. That was probably for the best."

Speaking of "Thunder," the mere mention of that 1990 film still draws groans and eye rolls from NASCAR racers who were around when that movie was shot. Those bad feelings led to a lot of reluctance among 2005's teams and drivers to participate, despite NASCAR's involvement.

Jeff Gordon: "I love Will Ferrell and I knew it would be funny. I wanted to be involved, but when we took the script to our sponsors they didn't feel like it was a great fit for them. I understood. I was disappointed, but I understood. We certainly weren't alone in that situation."

In the end, only two drivers made significant cameos. Dale Earnhardt Jr. appeared in one scene asking for Ricky's autograph (he also helped promote the film after its release). Jamie McMurray, then driving the No. 42 car for Chip Ganassi Racing, duels Ricky Bobby to the finish line, a showdown won by Bobby while driving backwards and flipping McMurray a middle finger. The scene wasn't shot on the track, but on a soundstage in uptown Charlotte. The actor and the driver were behind the wheel of half-finished race cars in front of green screens.

Jamie McMurray: "We did about 30 takes and every time Will would say something different. And the problem was that I kept laughing and we'd have to do it over. In the end, I was like, 'Well, they'll never use the stuff of him flipping me off.' So of course that's exactly what they used."

Ferrell: "The winning backwards scene was the one scene where we were like, 'OK, if the NASCAR fans are going to say, "hey now, this might be a little too much," that was it.' But I think that if Ricky was approached with any of those concerns then he would give them the same reaction that he gave Jamie McMurray."

Throughout fall 2005, it felt the entirety of Charlotte was a working set. A just-shuttered sports bar was revived as The Pit Stop where French F1 driver Jean Girard broke Bobby's arm over a pool table. More than a few citizens were angered when a stretch of just-finished highway was closed to shoot the Colombian Bam-Bam police car chase. And a local church was commandeered to stand in as the hospital where Ricky plays wheelchair basketball . even though he doesn't actually need a wheelchair. When the doctor explains to Lucius and Cal that it's all in Ricky's head, Cal replies, "When you say psychosomatic, you mean like he can start fires with his mind?"

Getting John C. Reilly to play Will Ferrell's sidekick Cal Naughton Jr. in "Talladega Nights" was a casting coup. L. Cohen/Getty Images

Robin Coira, Executive Minister, Myers Park Baptist Church: "They liked it so much here that they started renting it out to play games. On Sunday mornings we would be in our worship services upstairs and people had no idea that Anchorman was down here playing basketball with the crew. Every now and then we'll have someone here for an event and they'll look around like it feels familiar and they'll say, 'Hey, is this Ricky Bobby's gym?'"

The film's racing scenes were shot at three locations, Talladega Superspeedway, the abandoned North Carolina Motor Speedway in Rockingham and Charlotte Motor Speedway. The signature racing action was at Charlotte, most memorably when Ricky Bobby escapes his crashed car believing he is on fire, strips down to his underwear and begins crying to the heavens -- not to mention Oprah and Tom Cruise -- for help. The track safety crew member who yells one of the film's most enduring lines -- "You're not on fire, Ricky Bobby!" -- was Charlotte-based actor William Boyer.

William Boyer, aka Rescue Worker: "That night I jumped on a golf cart to ride out to set (Charlotte Motor Speedway's Turn 3) and I realize the other guy in the cart with me was Will. Nicest guy ever. He was at the height of his popularity and yet talked to nobodies like they were somebodies. When we got there, Adam McKay said, 'Just react to whatever Ricky does, as a safety worker would normally do in this situation' . but there was nothing normal about it! They didn't tell us what Will was going to do. So he starts running around screaming crazy talk. What's my job? To catch him. And if he swung at me, I tried to block him and I swung back. I ended up totally covered in Will Ferrell's sweat. We were out there for hours and between takes Will would just be standing there in his white underwear, like it was nothing. It was so gross and yet it was so awesome."

Ferrell: "It's in all of my contracts that I get a certain number of minutes of screen time in the same pair of tighty whities. The exact same pair."

But nothing, not even a man screaming in his skivvies, can hold a candle to the film's finale, a mano a mano showdown between Girard and Bobby at, naturally, Talladega. The two do an ultra-violent synchronized barrel roll down the front stretch, eventually emerging from their cars for a foot race to the finish line. When Bobby defeats Girard by a literal fingertip, the Frenchman rewards him with a full-on French kiss in front of NASCAR's longest grandstand.

Andy Hillenburg, owner, Fast Track Driving School: "When they started going over what they wanted to do with that final crash, it was like, 'whoa . NASCAR is cool with this?' And then someone with NASCAR came up with what I thought was a great idea. Fans are always complaining about commercials interrupting action during TV broadcasts, so why not do that in the middle of the crash?"

Nettinga: "Adam really wanted to do big car stunts. At this point in his career he'd never had that opportunity. We knew it would be cool and be big, but it was also scary and we didn't want the crowd to feel like the guys were hurt. That was kind of a downer. We wanted to give Adam what he wanted as a vision, this awesome car stunt, but not a nightmare. So maybe create some irony of the moment? Adam was the one who edited it. He made it work. That's how this whole experience was. People think these guys just show up and ad-lib everything, but not the actual filmmaking process. The days at the track, everything was so planned, a month in advance. There was a minute-by-minute. Everyone knew where they were supposed to be and how long they were supposed to be there. We did have a race going on at the same time."

Grant Lynch, chairman, Talladega Superspeedway: "People ask me all the time, why aren't you in the movie? Well, I was a little busy! They shot the finale in front of the crowd. That's for real, not added in later. So when those guys were running you heard the grandstand make this noise like, 'wait, what are we looking at, isn't this a racing movie?' Then came the kiss. That was funny."

Nettinga: The crowd actually sounded like they were OK with it. I think everyone by that point knew what we were dealing with and they were having fun with it, too."

Will Ferrell, left, and Sacha Baron Cohen get ready to recreate their kiss at the MTV Movie Awards in 2007. They won the award for "Best Kiss." John Shearer/Getty Images

Lynch: Honestly, there are people here in town who are still offended by it. Not a lot, but a few. I just always say to them, 'Hey you knew this was going to be a Will Ferrell movie, right?'

Ferrell: "You know we won an award for that kiss, right? An MTV Movie Award. That's an award-winning kiss. I would like very much for you to show me all of the awards you have received for kissing people."

"Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby" opened on a whopping 3,803 screens, raking in $47 million during the first three days. That's still Ferrell's second-best opening weekend, trailing only 2014's The Lego Movie. It's also his third-highest grossing non-animated film, earning $148 million, nearly twice that of the original Anchorman. It is also the second-biggest NASCAR film, trailing only Pixar's "Cars," released earlier that same summer. Nettinga's boss, Dick Glover, left NASCAR to run McKay and Ferrell's new venture, "Funny Or Die." And thanks to cable television, "Talladega Nights" will never die. Future generations will likely be declaring "If you ain't first, you're last" until the film's 20th anniversary in 2026. The sigh of relief that accompanied that '06 debut can still be heard around the racing world.

Humpy Wheeler, then-president, Charlotte Motor Speedway: "NASCAR wasn't really involved in "Cars." We were at the speedway [though]. We had a big red carpet premiere and everything. They had the same for Ricky Bobby, but out in Los Angeles. Here in Charlotte they did an advanced screening for people in the racing industry. I remember (NASCAR president) Mike Helton was sitting right in the middle of the theater. The first half-hour of the film no one would laugh because they were watching him to see if he was laughing. I think he was pretty nervous. You have to remember, NASCAR movie premieres have historically been a disaster. People booed "Days of Thunder." They got up and walked out of a terrible film in the 1960s called "Red Line 7000." But when Ricky Bobby's wife declared that Ricky had to get a job because "I am a driver's wife! I don't work!" That was what you call an ice breaker, a spot-on inside joke. Mike Helton cracked up. Then everyone did."

Nettinga: "It wasn't relief as much as it was a validating moment. The success of it proved the power of branded entertainment. I knew this could work, having cooperation between a studio and a sanctioning body, a sports league, and it still be entertaining and a hit."

Lynch: "I watched it with my family just last week. We were flipping channels and there it was. We giggled the whole way through it, even now, 10 years later."

Ferrell: "Those are the stories I like to hear. It means we got it right. I mean, as right as a movie like this can be. No one was too mad at us. I did have one driver show up at my house and threaten to drag me behind his car at Daytona, but just one. No, I'm kidding that didn't happen. Maybe. Or maybe I am blinking out "help me" in Morse code with my eyelids right now. This is over the phone, so I guess you'll never know."


10 years ago today: ‘Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby’ opened in theaters

One decade ago today, we first learned the story of American hero Ricky Bobby.

Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby opened in theaters 10 years ago today.

Audiences came out in droves that weekend for the comedy starring Will Ferrell as a winning-obsessed NASCAR driver. Detrás La película de Lego, Talladega Nights remains Ferrell”s second largest movie opening.

The movie reunited Ferrell with his Anchorman director Adam McKay. The two of them, along with John C. Reilly (who plays Ricky Bobby “s teammate Cal Naughton Jr. in Talladega Nights) would soon team up again for Step Brothers.

Other notable August 4 happenings in pop culture history:

&bull 1942: Bing Crosby-Fred Astaire film Holiday Inn premiered in New York. Crosby song “White Christmas&rdquo is featured in the movie musical.

&bull 1957: The Everly Brothers made their second appearance on The Ed Sullivan Show. They introduced their upcoming single, “Wake Up Little Susie&rdquo and the song “Bye Bye Love.&rdquo

&bull 1966: The Temptations” single “Beauty Is Only Skin Deep&rdquo hit record stores.

&bull 1972: Michael Jackson”s second solo album, Ben, was released.

&bull 1989: The final episode of Autopista hacia el cielo aired on NBC.

&bull 1990: The series finale of Linda Hamilton-Ron Perlman show Beauty and the Beast aired on CBS.

&bull 1995: Bebé opened in theaters.

&bull 2000: Piper Perabo-Tyra Banks movie Coyote Ugly opened in theaters.

&bull 2005: Apple launched its iTunes Music Store in Japan, with 1 million songs available.


People Longing for Movie Theaters During the 1918 Flu Pandemic Feels Very Familiar in 2021

A fter being closed for almost exactly a year, New York City plans to partially reopen movie theaters on Mar. 5. While many questions remain as theaters slowly reopen across the county, one thing is certain: people have missed going to the movies in the past year as much as they did during the 1918 pandemic.

Newspaper articles in the digital archive of the Influenza Encyclopedia,produced by the Center for the History of Medicine at the University of Michigan, reported elation about the reopening of theaters. Back then, if people weren’t watching movies in theaters, they weren’t watching them at all. Unlike film buffs in the early 20th century, most people in the COVID-19 pandemic have been able to watch movies the entire time, streaming them from home or even going to outdoor screenings. But just like today, there was trepidation about heading back to an enclosed theater, along with great excitement about seeing movies again.

From around 1905 and 1908, movies became the premiere form of entertainment for the masses. Dubbed the nickelodeon era because films usually cost a nickel, theaters ranged from a storefront to setting up chairs and a projector and a screen. Filmmaking itself was also more diverse, where virtually anyone with a camera and a couple of actors could make a movie, according to William J. Mann, author of 2014 book Tinseltown: Murder, Morphine, and Madness at the Dawn of Hollywood.

But from 1908 to 1917, movie palaces noted for their gilded and red velvet interiors opened to cater to a more affluent clientele, and the studio system started to emerge.

� to 1920 is a turning point for the industry,” says Mann. “There was already a move within the industry to consolidate and create a more structured production system and more efficient distribution and exhibition system, and the fact that the pandemic happened in the midst of that made those changes even more profound. Movies had been just novelties in 1910, but by 1918, they’re huge moneymakers, a vital part of the economy.”

As the deadliest wave of the 1918 flu pandemic hit in early fall on the East Coast, movie theaters closed for several weeks, and as the virus made its way West, pictures houses in those regions shut-down too.

On Oct. 9, 1918, the National Association of the Motion Picture Industry announced it would stop sending new releases to America’s 17,500 movie theaters from Oct. 13 to Nov. 9 until “the grip crisis” has “subsided”&mdasha move that impacted more than a million employees, the New York americano informó. About 60% of film production in California came to a halt. The movie industry worried it was “the beginning of the end,” Benjamin Hampton wrote in his 1931 A History of the Movies, and filmmaker and writer Lewis Jacobs said insiders feared “seemingly imminent ruin” in his 1939 The Rise of the American Film.

About a week after the Chicago health department closed picture houses, an editorial headlined “We Miss Our Movies” ran in the Oct. 22, 1918, edition of the Chicago Herald And Examiner:

Until the grip closed the movies, few persons of whatever age realized how important the pictures had become in their lives. In a few years, and so gradually as to be almost imperceptible, the custom of watching them has grown upon individuals of all mentalities to a greater extent than they realized until they suddenly were deprived of them.

Who would attempt to calculate the volume of light that has been shed upon humanity by the spinning film! ‘An hour to kill’ no longer exists in the scheme of things…

Before the ‘flu’ arrived some of us may have felt of the motion picture that we could ‘take it or leave it alone.’ Our belief is slipping…

Just like during the COVID-19 pandemic, people in the early 20th century found a variety of ways to still watch movies.

The Atlanta Constitution reported that people applauded Charlie Chaplin’s face as it was projected onto a large screen outdoors. In Nashville, prominent businessman Tony Sudekum introduced a mobile movie projector, mounting a moving picture machine onto a three-ton white truck, decking it out with Liberty Loan posters and hit the road to show patriotic films. One of his teammates on this venture boasted that the “moving movie getup” could have “the whole shootin’-match rigged up into the ding-bustedest traveling circus that ever bit the sawdust trail, by heck.”

Not all movie theaters closed, however. In Michigan and New York City, some were enlisted to fight the epidemic. A speaker would explain how influenza spreads and the dangers of the virus, and then show educational slides on good hygiene practices. “The moving-picture theatre was of great assistance to the Department of Health in furthering the work of public health education during the epidemic,” New York City Health Commissioner Royal Copeland wrote in a Dec. 17, 1918, letter to the National Association of the Motion Picture Industry.

The rationale behind keeping these movie theaters open was that that they were among the only ways to disseminate public health to mass audiences in the era before the golden age of radio and TV, according to Ben Strassfeld, film historian who wrote “Infectious Media: Debating the Role of Movie Theaters in Detroit during the Spanish Influenza of 1918” published online by the Revista histórica de cine, radio y televisión in 2017.

The movie industry also hoped the public health campaigns would improve public perceptions of movies. The educational use of movie theaters came at a time when “the industry has spent the last decade trying to achieve respectability, and appeal to middle class, upper class audiences and women,” says Strassfeld. “Part of the way that they did that was by building newer, safer theaters that obeyed fire safety codes and had better ventilation to distance the industry from its early roots in storefront Nickelodeon theaters.”

By the end of 1918 and early 1919, many cities thought they were over the worst of the pandemic, and thought they knew how to keep it under control. So when movie theaters did reopen, the precautions will sound familiar in the COVID-19 era. They ranged from spaced-out seating to mask requirements.

“The gauze guard must adorn countenances,” as the Nov. 14, 1918, Oakland Tribuna informó. In nearby San Francisco, moviegoers packed sold-out theaters “en masse and also en masque,” as the San Francisco Crónica put it. In Spokane, Wash., theaters opened at half-capacity, keeping every other row of seats vacant for social distancing. In San Antonio, Texas, the health department said anyone who coughs in a movie theater must immediately leave to “avoid the embarrassment of being requested by the ushers to do so,” and each theater was supposed to assign a man “who shall have as his sole business the spotting of any person in the audience who coughs,” reported the Jan. 15, 1919, San Antonio Express.

One man in Rochester, N.Y., took it upon himself to inspect the city’s motion picture houses and wrote a letter to the Rochester Times-Unión editor on the “abomination” of conditions, “bodies packed together, like sardines” in “muggy warm” theaters, observing that “half the audience was coughing and sneezing, spitting and hawking.” Running in the Dec. 31, 1918, edition, the watchdog called for ushers to patrol the showings every hour with “antiseptic loaded guns spraying the atmosphere,” otherwise, “there is not the slightest possibility of stamping out the epidemic of influenza in Rochester.”

Nationwide, many movie theaters opened to sold-out audiences, boosting not only morale, but local economies. In Portland, Ore., the reopening of movies “probably means more to more people than any other feature of the re-established order of things” because ticket buyers also hit up the “late lunch houses,” sweets shops, and “chocolate counters,” per the November 16, 1918, edition of the Oregon Daily Journal.

“Unmuzzled” movie lovers also flooded the theaters in Seattle the day they re-reopened, the Nov. 13, 1918, edition of the Seattle Post-Intelligencer reported, noting that excitement about theaters re-opening was boosted by with excitement over the end of the fighting on the Western Front. “The health commissioner must have realized what a martyrdom he had imposed on the people when he saw the joy with which they cast the six layers of medicated cheese cloth from their countenances and emerged from their disguises,” the paper reported.

But not all picture houses and production companies were able to restart so quickly. Smaller studios either went under or were bought by larger studios, according to Strassfeld. Mann points out that movie theater chains crop up, as mom-and-pop movie theaters had to shut down, enabling people like [Paramount co-founder] Adolph Zukor to swoop in, buy them up. Studios also began to control theaters. (The U.S. Supreme Court ruled this system of controlling the means of production, distribution and exhibition of films violated anti-trust laws in the late 1940s.)

The movie business has changed over the last century, but why people love films has stayed the same.

“That we never appreciate the things we have until we lose them was shown clearly yesterday when the theaters and movies of Atlanta opened their doors again at the regular hours after the long intermission due to the ‘flu’,” according to the Oct 29, 1918, edition of the Atlanta Constitution. “For years Atlantans had taken it for granted that the best amusements available would be furnished them, and a certain blasé feeling resulted. For the last few weeks, however, with all these good things barred, this feeling vanished quickly, and the patrons would have been glad to see the very poorest movie of the period of the two or three reelers, or the very worst vaudeville or miniature musical comedy now on the market.”

“Get out new masks for the whole family,“ wrote San Francisco Examiner columnist Annie Laurie, whose Nov. 16, 1918, column described seeing actors on the big screen again as “the sunshine after a day of hanging fog and gray mist it’s like a light in the room when the shadows begin to fall and sad memories lay their icy fingers upon the human heart.”


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