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El nacimiento de Venus de Bouguereau

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El nacimiento de Venus (Bouguereau)

El nacimiento de Venus (Francés: La Naissance de Vénus) es una de las pinturas más famosas del pintor William-Adolphe Bouguereau del siglo XIX. No representa el nacimiento real de Venus del mar, sino su transporte en un caparazón como una mujer completamente madura desde el mar hasta Paphos en Chipre. Se la considera el epítome del ideal clásico griego y romano de la forma y la belleza femeninas, a la par con Venus de Milo.

El nacimiento de Venus
Francés: La Naissance de Vénus
ArtistaWilliam-Adolphe Bouguereau
Año1879 ( 1879 )
Medioóleo sobre lienzo
Dimensiones300 cm × 218 cm (120 pulgadas × 86 pulgadas)
LocalizaciónMuseo de Orsay

Para Bouguereau, se considera un proeza. El lienzo mide poco más de 300 centímetros (9 pies 10 pulgadas) de alto y 218 cm (7 pies 2 pulgadas) de ancho. El tema, así como la composición, se asemeja a una interpretación anterior de este tema, Sandro Botticelli El nacimiento de Venus, así como la de Rafael El triunfo de Galatea.

En el centro de la pintura, Venus está desnuda sobre una concha de peregrino [1] siendo tirada por un delfín, uno de sus símbolos. Quince putti, incluidos Cupido y su amante Psyche, y varias ninfas y centauros se han reunido para presenciar la llegada de Venus. La mayoría de las figuras la están mirando, y dos de los centauros están soplando caracolas y conchas de Tritón, lo que indica su llegada.

Se considera que Venus es la encarnación de la belleza y la forma femeninas, y estos rasgos se muestran en la pintura. [1] Su cabeza está inclinada hacia un lado y su expresión facial refleja que está tranquila y cómoda con su desnudez. Ella levanta los brazos, [2] arreglando su cabello castaño hasta los muslos, balanceándose elegantemente en una curva en "S" contrapposto, enfatizando las curvas de su cuerpo. [3]

La figura de Venus fue ampliada a partir de una ninfa de Bouguereau. El ninfeo, terminado en 1878, un año antes. [3] La ninfa es un poco más delgada y sus pechos son más llenos y redondeados. El contrapposto de Venus es más intenso, y su cabello también es más largo y más claro que el de la ninfa, pero lo arregla de manera casi idéntica.

En la parte superior izquierda de la pintura, hay una sombra en las nubes. Parece ser la silueta del artista, con cabeza, hombro, brazo y un puño levantado que parecería sostener un pincel. [1]


Contenido

Años de formación Editar

William-Adolphe Bouguereau nació en La Rochelle, Francia, el 30 de noviembre de 1825, en una familia de comerciantes de vino y aceite de oliva. [4] Hijo de Théodore Bouguereau (nacido en 1800) y Marie Bonnin (1804), conocido como Adeline, William fue educado como católico. Tenía un hermano mayor, Alfred, y una hermana menor, Marie (conocida como Hanna), que murió cuando ella tenía siete años. La familia se mudó a Saint-Martin-de-Ré en 1832. En 1834 nació otro hermano, Kitty. A la edad de 12 años, Bouguereau se fue a Mortagne para quedarse con su tío Eugène, un sacerdote y desarrolló un amor por la naturaleza, la religión y la literatura. En 1839, fue enviado a estudiar para el sacerdocio en un colegio católico en Pons. Aquí le enseñó a dibujar y pintar Louis Sage, que había estudiado con Ingres. Bouguereau abandonó a regañadientes sus estudios para volver con su familia, que ahora reside en Burdeos. Allí conoció a un artista local, Charles Marionneau, y se incorporó a la Escuela Municipal de Dibujo y Pintura en noviembre de 1841. Bouguereau también trabajó como dependiente de tienda, coloreando litografías a mano y realizando pequeñas pinturas que se reproducían mediante cromolitografía. Pronto se convirtió en el mejor alumno de su clase y decidió convertirse en artista en París. Para financiar la mudanza, vendió retratos: 33 óleos en tres meses. Todos estaban sin firmar y solo se ha rastreado uno. Llegó a París a los 20 años en marzo de 1846. [5]

Bouguereau se convirtió en estudiante en la École des Beaux-Arts. [4] Para complementar su formación formal en dibujo, asistió a disecciones anatómicas y estudió vestuario histórico y arqueología. Fue admitido en el estudio de François-Édouard Picot, donde estudió pintura en el estilo académico. Dante y Virgil en el infierno (1850) fue un ejemplo temprano de sus obras neoclásicas. La pintura académica otorgó el estatus más alto a los temas históricos y mitológicos, y Bouguereau decidió ganar el Prix de Rome, lo que le valdría una residencia de tres años en la Villa Medici en Roma, Italia, donde además de las lecciones formales podría estudiar primero. -a mano de los artistas del Renacimiento y sus obras maestras, así como de las antigüedades griegas, etruscas y romanas. [7]

Villa Medici, Roma 1851–1854 Editar

El joven artista participó en el concurso Prix de Rome en abril de 1848. Poco después de que comenzaran las obras, se produjeron disturbios en París y Bouguereau se inscribió en la Guardia Nacional. Después de un intento fallido de ganar el premio, ingresó nuevamente en 1849. Después de 106 días de competencia, nuevamente no pudo ganar. Su tercer intento comenzó sin éxito en abril de 1850 con Dante y Virgil pero cinco meses después, se enteró de que había ganado un primer premio conjunto por Los pastores encuentran a Zenobia a orillas del Araxes. [7]

Junto con otros ganadores de la categoría, partió hacia Roma en diciembre y finalmente llegó a Villa Medici en enero de 1851. Bouguereau exploró la ciudad, haciendo bocetos y acuarelas sobre la marcha. También estudió literatura clásica, lo que influyó en su elección de asignaturas durante el resto de su carrera. [7] Caminó a Nápoles y luego a Capri, Amalfi y Pompeya. Todavía radicado en Roma y trabajando duro en el trabajo del curso, hubo más exploraciones de Italia en 1852. Aunque tenía una gran admiración por todo el arte tradicional, reverenciaba particularmente la escultura griega, Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Rubens y Delacroix. . En abril de 1854, dejó Roma y regresó a La Rochelle. [5]

Altura de la carrera Editar

Bouguereau, pintura dentro del estilo académico tradicional, expuso en las exposiciones anuales del Salón de París durante toda su vida laboral. Uno de los primeros críticos afirmó: "M. Bouguereau tiene un instinto natural y un conocimiento del contorno. La euritmia del cuerpo humano le preocupa, y al recordar los felices resultados que, en este género, los antiguos y los artistas del siglo XVI llegaron a , sólo se puede felicitar al señor Bouguereau por intentar seguir sus pasos. Raphael se inspiró en los antiguos. Y nadie lo acusó de no ser original ". [8]

Rafael era uno de los favoritos de Bouguereau y tomó esta reseña como un gran cumplido. Había cumplido uno de los requisitos del Prix de Rome al completar una copia antigua del libro de Rafael. El triunfo de Galatea. En muchas de sus obras, siguió el mismo enfoque clásico de la composición, la forma y el tema. [9] Los elegantes retratos de mujeres de Bouguereau se consideraban muy encantadores, en parte porque podía embellecer a una modelo y al mismo tiempo conservar su semejanza.

Aunque Bouguereau pasó la mayor parte de su vida en París, regresó a La Rochelle una y otra vez a lo largo de su vida profesional. Fue venerado en la ciudad de su nacimiento y asumió encargos de decoración de ciudadanos locales. Desde principios de la década de 1870, él y su familia pasaban todos los veranos en La Rochelle. En 1882, decidió que en lugar de alquilar compraría una casa, así como edificios agrícolas locales. En agosto de ese año, la base de verano permanente de la familia estaba en la rue Verdière. El artista comenzó varias pinturas aquí y las completó en su estudio de París. [5]

Bouguereau floreció después de su residencia en Villa Medici. En 1854-1855 decoró un pabellón en la gran casa de un primo en Angoulins, incluyendo cuatro grandes pinturas de figuras que representan las estaciones. Estaba feliz de asumir otras comisiones para saldar las deudas acumuladas en Italia y ayudar a su madre sin un centavo. Decoró una mansión con nueve grandes cuadros de figuras alegóricas. En 1856, el Ministerio de Estado de Bellas Artes le encarga pintar El emperador Napoleón III visitando a las víctimas de la inundación de Tarascon. Había decoraciones para la capilla de Saint-Clotilde. Recibió la Legión de Honor el 12 de julio de 1859. Para entonces, Bouguereau se estaba alejando de la pintura de historia y de los largos encargos para trabajar en pinturas más personales, con temas realistas y rústicos. [5]

A fines de la década de 1850, había establecido fuertes conexiones con marchantes de arte, en particular Paul Durand-Ruel (más tarde el campeón de los impresionistas), quien ayudaba a los clientes a comprar pinturas de artistas que exhibían en los Salons. [10] Gracias a Durand-Ruel, Bouguereau conoció a Hugues Merle, quien más tarde fue comparado a menudo con Bouguereau. Los salones atraían anualmente a más de 300.000 personas, proporcionando una valiosa exposición a los artistas expuestos. [11] La fama de Bouguereau se extendió a Inglaterra en la década de 1860. [12] Se exhibieron tres pinturas en el Salón de 1863 y Sagrada Familia (Ahora en el Museo Chimei) fue vendido a Napoleón III, quien se lo presentó a su esposa, la emperatriz Eugenia, quien lo colgó en su apartamento de las Tullerías. [5]

Bañista (1864), un desnudo impactante, se presentó a una exposición en Gante, Bélgica. Fue un éxito espectacular y el museo lo compró a un gran costo. En este momento, William asumió el trabajo decorativo en el Grand Théâtre, Burdeos, que duró cuatro años. En 1875, con ayudantes, comenzó a trabajar en el techo de una capilla de La Rochelle, produciendo seis pinturas sobre cobre durante los siguientes seis años. Una vez instalado en la ciudad en el verano de 1875 comenzó Piedad, una de sus mayores pinturas religiosas y expuesta en el Salón de 1876, en homenaje a su hijo Georges. A instancias del rey Guillermo III de los Países Bajos, Bouguereau fue al Palacio Het Loo en mayo de 1876. El rey admiraba al artista y pasaron momentos íntimos juntos. En mayo de 1878 se inauguró la Exposición Universal de París para exhibir el trabajo francés. Bouguereau encontró y pidió prestados doce de sus cuadros a sus propietarios, incluido su nuevo trabajo. Ninfeo. [5]

Bouguereau fue un tradicionalista acérrimo cuyas pinturas de género y temas mitológicos eran interpretaciones modernas de temas clásicos, tanto paganos como cristianos, con una concentración en la forma femenina desnuda. El mundo idealizado de sus pinturas dio vida a diosas, ninfas, bañistas, pastoras y madonas de una manera que atrajo a los mecenas adinerados del arte de la época.

Bouguereau empleó métodos tradicionales de elaboración de una pintura, incluidos estudios detallados a lápiz y bocetos al óleo, y su método cuidadoso dio como resultado una representación agradable y precisa de la forma humana. Su pintura de piel, manos y pies fue particularmente admirada. [13] También usó algunos de los simbolismos religiosos y eróticos de los Antiguos Maestros, como el "cántaro roto" que connotaba la inocencia perdida. [14]

Bouguereau recibió muchos encargos para decorar casas particulares y edificios públicos, y, desde el principio, esto se sumó a su prestigio y fama. Como era típico de tales encargos, a veces pintaba con su propio estilo y en otras ocasiones se ajustaba a un estilo de grupo existente. También hizo reducciones de sus pinturas públicas para la venta a mecenas, de las cuales La Anunciación (1888) es un ejemplo. [15] También fue un exitoso retratista y muchas de sus pinturas de mecenas adinerados permanecen en manos privadas. [dieciséis]

Académie Julian Modificar

Desde la década de 1860, Bouguereau estuvo estrechamente asociado con la Académie Julian, donde dio lecciones y consejos a estudiantes de arte, hombres y mujeres, de todo el mundo. Durante varias décadas enseñó dibujo y pintura a cientos, si no miles, de estudiantes. Muchos de ellos lograron establecer carreras artísticas en sus propios países, a veces siguiendo su estilo académico, y en otros casos, rebelándose contra él, como Henri Matisse. Se casó con su alumna más famosa, Elizabeth Jane Gardner, después de la muerte de su primera esposa.

Bouguereau recibió muchos honores de la Academia: se convirtió en miembro vitalicio en 1876 recibió la Gran Medalla de Honor en 1885 [17] fue nombrado Comandante de la Legión de Honor en 1885 y fue nombrado Gran Oficial de la Legión de Honor en 1905. [ 18] Comenzó a enseñar dibujo en la Académie Julian [19] en 1875, una institución de arte mixto independiente de la École des Beaux-Arts, sin exámenes de ingreso y tarifas nominales. [20]

Esposas e hijos Editar

En 1856, William comenzó a vivir con una de sus modelos, Nelly Monchablon, una joven de 19 años de Lisle-en-Rigault. Viviendo juntos fuera del matrimonio, la pareja mantuvo su relación en secreto. Su primer hijo, Henriette, nació en abril de 1857. Georges nació en enero de 1859. Un tercer hijo, Jeanne, nació el 25 de diciembre de 1861. La pareja se casó tranquilamente (porque muchos suponían que ya estaban casados) el 24 de mayo de 1866. Ocho días más tarde, Jeanne murió de tuberculosis. De luto, la pareja se fue a La Rochelle, y Bouguereau hizo un cuadro de ella en 1868. Un cuarto hijo, Adolphe (conocido como Paul), nació en octubre de 1868. A los 15 años, la salud de Georges se resintió y su madre se lo llevó. lejos del mal aire de París. Sin embargo, murió el 19 de junio de 1875. Nelly tuvo un quinto hijo en 1876, Maurice, pero su salud empeoraba y los médicos sospechaban que había contraído tuberculosis. Murió el 3 de abril de 1877 y el bebé Maurice murió dos meses después. [21]

El artista planeaba casarse con Elizabeth Jane Gardner, una alumna a la que conocía desde hacía diez años, pero su madre se opuso a la idea. Poco después de la muerte de Nelly, hizo que Bouguereau jurara que no se volvería a casar durante su vida. Después de la muerte de su madre, y después de un compromiso de diecinueve años, él y Gardner se casaron en París en junio de 1896. [21] Su esposa continuó trabajando como su secretaria privada y ayudó a organizar el personal doméstico. Su hijo Paul contrajo tuberculosis a principios de 1899 Paul, su madrastra, y Bouguereau fue a Menton en el sur. Cuando se prolongó la estancia, el artista encontró una habitación en la que pintar. Paul murió en la casa de su padre en abril de 1900, a los 32 años. Bouguereau había sobrevivido a cuatro de sus cinco hijos, solo Henriette lo sobrevivió. Isabel, que estuvo con su marido hasta el final, murió en París en enero de 1922. [5]

Casas Editar

Cuando Bouguereau llegó a París en marzo de 1846, residió en el Hotel Corneille en 5 rue Corneille. En 1855, después de su estancia en Roma, vivió en 27 rue de Fleurus, y al año siguiente alquiló un estudio en el cuarto piso en 3 rue Carnot, cerca de su apartamento. En 1866, el año de su matrimonio con Nelly, compró una gran parcela de tierra en la rue Notre-Dame-des-Champs, y un arquitecto recibió el encargo de diseñar una gran casa con un estudio en el último piso. La familia se instaló en 1868, junto con cinco sirvientes y con su madre, Adeline, de visita diaria. Bouguereau pasó el resto de su vida aquí y en La Rochelle. [5]

Años posteriores y muerte Editar

Bouguereau fue un pintor asiduo, que a menudo completaba veinte o más pinturas de caballete en un solo año. Incluso durante los años crepusculares de su vida, se levantaba al amanecer para trabajar en sus cuadros seis días a la semana y seguía pintando hasta el anochecer. [5] A lo largo de su vida, se sabe que pintó al menos 822 pinturas. Muchas de estas pinturas se han perdido. [3] Cerca del final de su vida, describió su amor por su arte: "Cada día voy a mi estudio lleno de alegría por la noche cuando me veo obligado a detenerme debido a la oscuridad. Apenas puedo esperar a que llegue la mañana siguiente. No puedo entregarme a mi querida pintura, soy miserable ". [22]

En la primavera de 1905, la casa y el estudio de Bouguereau en París fueron asaltados. El 19 de agosto de 1905, a los 79 años, Bouguereau murió en La Rochelle a causa de una enfermedad cardíaca. Hubo un torrente de dolor en la ciudad de su nacimiento. Después de una misa en la catedral, su cuerpo fue colocado en un tren a París para una segunda ceremonia. Bouguereau fue enterrado con Nelly y sus hijos en la bóveda familiar en el cementerio de Montparnasse. [5]

Soir, Noche o Estado de ánimo vespertino (1882)

Psyche et L'Amour (1889)

El bañista o Baigneuse (1879)

Les Deux Baigneuses (1884)

En su época, Bouguereau fue considerado uno de los más grandes pintores del mundo por la comunidad artística académica, y simultáneamente fue vilipendiado por las vanguardias. También ganó gran fama en Bélgica, los Países Bajos, Portugal, España, Italia, Rumania y en los Estados Unidos, y alcanzó precios altos. [16] Sus obras a menudo se venden a los pocos días de su finalización. Algunos fueron vistos por coleccionistas internacionales y comprados antes de que el trabajo hubiera terminado. [5]

La carrera de Bouguereau fue casi un ascenso directo sin apenas un revés. [23] Para muchos, personificó el gusto y el refinamiento, y el respeto por la tradición. Para otros, era un técnico competente atrapado en el pasado. Degas y sus colaboradores utilizaron el término "Bouguereauté" de manera despectiva para describir cualquier estilo artístico que dependiera de "superficies lisas y artificiales", [23] también conocido como acabado lamido. En una carta de 1872, Degas escribió que se esforzó por emular el estilo de trabajo ordenado y productivo de Bouguereau, aunque con el famoso ingenio mordaz de Degas y las tendencias estéticas de los impresionistas, es posible que la declaración fuera irónica. [16] Paul Gauguin lo detestaba, calificándolo con un cero redondo en Racontars de Rapin y luego describiendo en Avant et après (Revistas íntimas) la única ocasión en que Bouguereau le hizo sonreír al toparse con un par de sus cuadros en un burdel de Arlés, "al que pertenecían". [24] [25]

Las obras de Bouguereau fueron compradas con entusiasmo por millonarios estadounidenses que lo consideraban el artista francés más importante de la época. [16] Por ejemplo, Ninfas y sátiro fue comprado primero por John Wolfe, luego vendido por su heredera Catharine Lorillard Wolfe al hotelero Edward Stokes, quien lo exhibió en el Hoffman House Hotel de la ciudad de Nueva York. [26] Dos pinturas de Bouguereau en la mansión Nob Hill de Leland Stanford fueron destruidas en el terremoto e incendio de San Francisco de 1906. [27] El magnate de la fiebre del oro James Ben Ali Haggin y su familia, que normalmente evitaban el desnudo, hicieron una excepción. para Bouguereau's Ninfeo.

Sin embargo, incluso durante su vida, hubo un desacuerdo crítico al evaluar su obra. El historiador del arte Richard Muther escribió en 1894 que Bouguereau era un hombre "desprovisto de sentimiento artístico pero que poseía un gusto culto [que] revela. decadencia de las viejas escuelas de convención ". En 1926, el historiador de arte estadounidense Frank Jewett Mather criticó la intención comercial de la obra de Bouguereau, escribiendo que el artista "multiplicó vagas efigies rosadas de ninfas, ocasionalmente las cubría, cuando se convertían en santas y madonas, pintadas a la gran escala que domina una exposición. , y ha tenido su recompensa. Estoy convencido de que el desnudo de Bouguereau fue arreglado de antemano para cumplir con los ideales de un corredor de bolsa de Nueva York de la generación del nogal negro ". Bouguereau confesó en 1891 que la dirección de su obra madura fue en gran parte una respuesta al mercado: "Qué esperas, tienes que seguir el gusto del público, y el público solo compra lo que le gusta. Por eso, con el tiempo, cambié mi forma de pintar ". [28]

Bouguereau cayó en descrédito después de 1920, debido en parte a los gustos cambiantes. [7] Comparando su trabajo con el de sus contemporáneos realistas e impresionistas, Kenneth Clark criticó la pintura de Bouguereau por "lubricidad" y caracterizó el arte del Salón como superficial, empleando la "convención de forma suavizada y superficie encerada". [29]

El Centro Cultural de Nueva York organizó una muestra del trabajo de Bouguereau en 1974, en parte como curiosidad, aunque el curador Robert Isaacson tenía el ojo puesto en la rehabilitación a largo plazo del legado y la reputación de Bouguereau. [30] En 1984, la Galería Borghi acogió una muestra comercial de 23 pinturas al óleo y un dibujo. Ese mismo año, el Museo de Bellas Artes de Montreal en Canadá organizó una importante exposición. La exposición se inauguró en el Musée du Petit-Palais, en París, viajó al Wadsworth Atheneum en Hartford y concluyó en Montreal. Más recientemente, el coleccionista estadounidense Fred Ross, que posee una serie de pinturas de Bouguereau, ha promovido el resurgimiento de la popularidad del artista y lo presenta en su sitio web en Art Renewal Center. [31] [32]

En 2019, el Museo de Arte de Milwaukee reunió más de 40 de las pinturas de Bouguereau para una gran retrospectiva de su trabajo, que según el Wall Street Journal, pidió a los lectores que "vieran a Bouguereau a través de los ojos de una época en la que fue enaltecido y el impresionismo fue descartado como" libertad francesa ". "[33] Posteriormente, la exposición estaba programada para viajar al Museo de Arte de Memphis Brooks en Memphis, Tennessee, y luego al Museo de Arte de San Diego. [34]

Los precios de las obras de Bouguereau han aumentado constantemente desde 1975, y las principales pinturas se venden a precios elevados: $ 1,500,000 en 1998 por El despertar del corazón, $ 2,600,000 en 1999 para La tierra madre y Caridad en una subasta en mayo de 2000 por $ 3,500,000. Las obras de Bouguereau se encuentran en muchas colecciones públicas.

Notre Dame des Anges ("Nuestra Señora de los Ángeles") se mostró por última vez públicamente en los Estados Unidos en la Exposición Mundial de Columbia en Chicago en 1893. Fue donada en 2002 a las Hijas de María, Madre de Nuestro Salvador, una orden de monjas afiliadas a Clarence Kelly. Sociedad Católica Tradicionalista de San Pío V. En 2009, las monjas lo vendieron por $ 450,000 a un comerciante de arte, quien pudo venderlo por más de $ 2 millones. Kelly fue posteriormente declarado culpable por un jurado en Albany, Nueva York, de difamar al comerciante en declaraciones hechas en una entrevista televisiva. [35]

Las fuentes de su nombre completo son contradictorias: a veces se da como William-Adolphe Bouguereau (nombre compuesto), William Adolphe Bouguereau (nombres habituales y sólo civiles según la tradición francesa), mientras que en otras ocasiones aparece como Adolfo William Bouguereau (con Adolphe como nombre habitual). Sin embargo, solía firmar sus obras simplemente como William Bouguereau (insinuando que "William" era su nombre de pila, cualquiera que fuera el orden), o más precisamente como "W.Bouguereau.date" (Alfabeto francés) y más tarde como "W-BOVGVEREAV-date" (Alfabeto latino).

  • 1848: Segundo Premio de Roma, por Saint Pierre après sa délivrance de prison, vient retrouver les fidèles chez Marie.
  • 1850: Premier Prix de Rome, para Zenobie retrouvée par les bergers sur les bords de l'Araxe.
  • 1859: Caballero de la Legión de Honor [18]
  • 1876: Oficial de la Legión de Honor [18]
  • 1881: Caballero de la Orden de Leopoldo [36]
  • 1885: Comandante de la Legión de Honor [18]
  • 1885: Gran Medalla de Honor [17]
  • 1890: Miembro de la Real Academia de Ciencias, Letras y Bellas Artes de Bélgica [37]
  • 1905: Gran Oficial de la Legión de Honor [18]

En El Rey de Amarillo, de Robert W. Chambers, se le menciona en varios cuentos como profesor en la École des Beaux-Arts.

En la novela de Sir Arthur Conan Doyle El signo de los cuatro (1890), comenta el personaje del Sr. Sholto, "no puede haber la menor duda sobre el Bouguereau. Soy partidario de la escuela francesa moderna". [38]


Dante y Virgilio en el infierno (1850)

El material fuente de esta pintura es el Canto XXX de la secuencia "Inferno" del poeta medieval Dante Alighieri. Divina Comedia (1308-20). En esta sección, el poeta Dante y su guía Virgilio descienden al octavo círculo del infierno, donde se encuentran con las almas atormentadas de los "falsificadores" (falsificadores y estafadores). Bouguereau probablemente se inspiró en los siguientes versos del poema: "Mientras contemplaba dos sombras pálidas y desnudas, / Quien, mordiendo, de la manera que corría / Lo que hace un jabalí, cuando se suelta de la pocilga". En primer plano, el iracundo Capocchio, un amigo de la época escolar de Dante, que fue quemado en la hoguera como alquimista, es atacado por Gianni Schicchi, otro de los contemporáneos de Dante, que se había hecho pasar por un hombre muerto para robar su herencia. Un demonio flota en el fondo, mientras otras almas malditas se retuercen en el paisaje ardiente.

Bouguereau presentó esta obra atípicamente macabra al Salón de 1850, en un momento en el que apenas se estaba consolidando como pintor académico. La obra obtuvo importantes elogios de la crítica, incluso del escritor Théophile Gautier, quien destacó la atención de Bouguereau a la musculatura y el drama narrativo. A través de sus estudios en la École des Beaux-Arts, Bouguereau conoció las obras de los grandes pintores neoclásicos y absorbió una moda contemporánea de temas oscuros de la literatura medieval. En este punto temprano de su carrera, también estaba preocupado por mostrar su destreza técnica, capturando poses desnudas inusualmente tensas.

Bouguereau no volvería a Dante, descubriendo pronto que -en sus propias palabras- "lo horrible, lo frenético, lo heroico no paga", y que el público prefería Venus y Cupidos. Sin embargo, conservó la exquisita habilidad en la pintura de figuras que se desprende de este trabajo. Compuesto el mismo año que su pintura revolucionaria. Zenobia encontrada por pastores a orillas del Arax (1850), que le valió el Gran Premio de Roma, esta pintura marca así el punto en la carrera de Bouguereau en el que se consagró como un campeón del estilo académico.

Piedad (1876)

Para esta ambiciosa obra religiosa, Bouguereau ideó una interpretación a gran escala del clásico Piedad tema, que muestra a la Virgen María de luto por el cuerpo de Cristo. En el centro de la composición, consumida por su velo negro, María acuna a su hijo, suplicando al espectador que se apiade con su mirada. Aureolas doradas, que se asemejan a los detalles en pan de oro de los íconos renacentistas y el trabajo del altar, rodean las cabezas de las dos figuras centrales, mientras que un grupo de ángeles de luto rodea la escena, haciéndose eco de las formas compositivas centrales.

Un año antes de completar el cuadro, Bouguereau había sufrido la traumática pérdida de su hijo adolescente George a causa de una enfermedad repentina. La correspondencia contemporánea revela el abrumador dolor del artista por la muerte, que también parecía haberlo movido a crear una serie de obras religiosas monumentales, siendo esta la más conmovedora. La urna dorada en primer plano tiene una débil inscripción en latín dedicada a George, incluida la fecha de su muerte. En términos estilísticos, el historiador del arte Gerald Ackerman ha comparado las obras religiosas de Bouguereau con "los maestros del alto Renacimiento [.] [Bouguereau] construye composiciones a partir del movimiento de cuerpos fuertes y redondos, cuya presencia autoritaria llena de energía los lienzos. " No es una coincidencia que la posición de la cabeza y los hombros de Cristo se haga eco de la del Vaticano de Miguel Ángel. Piedad (1498-99) escultura. Bouguereau también prestó mucha atención a los detalles a través de su uso del color: la sangre oxidada y seca en la tela blanca en primer plano, los ojos enrojecidos de la Virgen llorosa y los tonos verdes de las extremidades de Cristo en descomposición, todos realzan la precisión visual.

En la Francia de 1870, la pintura religiosa ya no era el género dominante que había sido medio siglo antes, y el estilo nítido y preciso del neoclasicismo también estaba amenazado, desde el avance del impresionismo cabe señalar que esta pintura fue compuesta cuatro años después. Monet Impresión, amanecer (1872). Sin embargo, Bouguereau no era un cautivo de la moda de vanguardia, y su identificación personal con la Piedad El tema le permitió crear una obra que trascendía el sentimentalismo empalagoso por el que a veces es criticado.

El nacimiento de Venus (1879)

En la interpretación de Bouguereau de una famosa narración de origen de la mitología romana, Venus, la diosa del amor y la belleza, emerge de la espuma del mar sobre una concha, atravesando el agua para llegar a la tierra. Una bandada de ninfas, tritones y putti la rodean de admiración mientras, en una versión del clásico contrapposto postura de Venus Anadyomene desde la antigüedad, la diosa acentúa las curvas de su cuerpo en direcciones alternas, mientras ajusta su cabello. Los colores pastel fríos evocan la atmósfera húmeda del mundo marino.

Para esta composición, Bouguereau se inspiró en obras maestras del Renacimiento como la de Rafael El triunfo de Galatea (c. 1514), con su halo envolvente de querubines, y el seductor de Sandro Botticelli Nacimiento de venus (1486), los cuales Bouguereau había estudiado en Italia durante su beca Prix de Rome. Sin embargo, a diferencia de los desnudos de Rafael y Botticelli, la Venus de Bouguereau se captura con un naturalismo refinado que indica los nuevos gustos artísticos de la década de 1870, sin por ello renunciar al artificio neoclásico. Como tal, la obra está a la altura del desafío del pintor de salón de finales del siglo XIX, tal como lo describe T.J. Clark: negociar la carne de una mujer moderna en estilo naturalista mientras se aferra al ideal académico de "el cuerpo como un signo, formal y generalizado, destinado a una muestra de compostura y plenitud". En su perfección técnica, la Venus de Bouguereau parece realista, pero permanece desplazada de la identidad individual, confinada con seguridad al papel de un ideal.

Esto resultó ser una combinación exitosa (y rentable), y Bouguereau recibió grandes elogios por esta pintura en el Salón de 1879. La tintura fuertemente erótica también insinúa algunos de los métodos más pragmáticos de Bouguereau para asegurar una audiencia compradora para su trabajo: mientras que la Venus de Botticelli oculta su pecho de manera tentadora, la de Bouguereau invita al espectador a inspeccionar cada sección de ella, sin avergonzarse de su desnudez y sensualidad.


Chico de oro

Sandro tenía un hermano mayor, al que supuestamente se le llamaba “barril” por su complexión rechoncha, y se cree que así fue como el joven Sandro recibió el sobrenombre de Botticelli. El nombre se le quedó grabado por el resto de su vida y se convirtió en sinónimo de algunas de las mejores obras de arte de Florencia. (Ver también: La Capilla Sixtina, la obra maestra de Miguel Ángel).

Los detalles de la vida temprana del artista son pocos. Sobre la infancia de Botticelli, el historiador del siglo XVI Giorgio Vasari escribió: “Aunque [Botticelli] encontró fácil aprender lo que quisiera, no obstante estaba inquieto. [y, entonces] cansado de los caprichos del cerebro de su hijo, desesperado, su padre lo aprendió como orfebre ". Esta experiencia emerge en las pinturas de Botticelli en forma de florituras meticulosas e intrincadas.

Durante la juventud de Botticelli, Florencia fue el centro de innovación del arte italiano. El escultor florentino Donatello utilizó su amplio conocimiento de obras clásicas para llevar su arte a nuevas alturas. La Basílica Dominicana de Santa Maria Novella albergaba el fresco de la “Santísima Trinidad” de Masaccio. Completado en 1427, se cree que es el primer trabajo en aplicar completamente las leyes de la perspectiva lineal. (Ver también: Encontrar la obra maestra 'perdida' de Donatello).

Los eruditos de Mayn creen que Vespuccis, ricos conocidos de la familia de Botticelli, le aseguraron un aprendizaje con Fra Filippo Lippi, uno de los más grandes pintores de la región. Lippi tenía un taller en la cercana ciudad de Prato, y el adolescente Botticelli estudió con él y pintó sus primeras obras bajo la tutela de Lippi.


10 hechos que quizás no conozcas sobre la obra maestra

1. Botticelli sentó un nuevo precedente con su pintura "El nacimiento de Venus". Rindió la obra sobre lienzo. Esto fue una desviación de las pinturas de tablones y frescos con los que trabajaron los otros maestros de su época. De hecho, debido a que el lienzo era un material más barato, muchos contemporáneos lo consideraban inferior. Botticelli fue el primer artista en Toscana en pintar sobre lienzo.

2. El artista italiano también estableció un nuevo estándar con el tamaño del cuadro. "El nacimiento de Venus" mide la friolera de seis por nueve pies. Antes de este trabajo, era la norma durante el Renacimiento pintar obras individuales en una escala más pequeña.

3. A diferencia de sus contemporáneos como Leonardo da Vinci, Botticelli optó por ahondar más en el pasado para su tema en el "Nacimiento de Venus". While da Vinci was sourcing the Christian tradition for his art, Botticelli tapped into ancient Greek mythology.

4. The artist did not achieve public acclaim until four centuries after his death. It is no surprise that more popular High Renaissance painters such as Michelangelo, who was working on high-profile frescos on the the Sistine Chapel Ceiling, claimed the contemporary imagination of the day.

5. Modern technological testing reveals some of the revisions the artist made on his way to the final artwork. The Hora, or Spring goddess, to the right of Venus once wore sandals. The hair of Venus, Zephyr to her left and the goddess in his embrace also underwent transformation.

6. Venus' hair can be seen blowing in the wind (personified by the beings surrounding her), with some locks gathering on her shoulder. Upon closer inspection, an observer can see that the hair on her right shoulder wraps into a beautiful spiral. But that is not just any spiral. It is a perfect logarithmic spiral, discovered decades later as a naturally-occurring natural spiral also known as "the marvelous spiral."

7. The title of the painting, "The Birth of Venus," is not wholly accurate. It actually depicts the mythical events following her birth. However, this title is not original to the painting. It was added in the 19th century when people began taking notice of Botticelli's work.

8. Botticelli added golden touches after the painting was finished and framed. He highlighted the wings of the wind deities, the hair of the figures, their robes, the shell and some of the landscape elements.

9. Some art experts consider the wind deities to be the shining stars of the painting. The flow of their robes and the fluidity of their embrace creates a lovely mini-tableau.

10. "Birth of Venus" was ordered as a wedding gift for the cousin of Giuliano Medici and his brother Lorenzo. Due to its intended purpose and its unconventional nudity, it did not enter the public domain until many years after its completion. Instead, it hung above the new couple's marriage bed.


The Birth of Venus (Bouguereau)

The Birth of Venus ( La Naissance de Vénus ) is the name of an oil painting by William Adolphe Bouguereau from 1879. The 3 × 2.15 meter picture shows the birth of the goddess Venus , which according to a variant in Greek mythology from the Foam before the island of Cyprus was born.

Bouguereau's The Birth of Venus was recorded at the Paris Salon of 1879 and won the Prix ​​de Rome . In the same year it was bought by the Musée du Luxembourg in Paris , where it was exhibited until 1920. It was then kept in the depot of the Musée des Beaux-Arts de Nantes before it returned to Paris in 1979 and has since been exhibited in the Musée d'Orsay .

The painting is a typical example of the academic art of its time, performed in a perfected naturalistic painting technique. Bouguereau relied on classic models, but always tried to bring the "original images" to life. During his “Birth of Venus” he increased the movements of the body and emphasized the curve of the hips a little more than was the case with the model - Aphrodite of Cyrene (Rome, thermal bath museum). The result of these small changes, which increased the erotic charisma of “Venus”, was well received by the audience. At the same time, thanks to the ancient model, he was above any moralizing criticism.


At the center of the painting, Venus stands nude on a scallop shell [3] being pulled by a dolphin, one of her symbols. Fifteen putti, including Cupid and Psyche, and several nymphs and centaurs have gathered to witness Venus' arrival. Most of the figures are gazing at her, and two of the centaurs are blowing into conch and Triton shells, signaling her arrival.

Venus is considered to be the embodiment of feminine beauty and sexuality, and these traits are shown in the painting. [3] Venus' head is tilted to one side, and her facial expression is calm, comfortable with her nudity. She raises her arms, [4] arranging her thigh-length, brilliantly red hair. She sways elegantly in an "S" curve contrapposto, emphasizing the feminine curves of her body. [5]

The model for Venus was Marie Georgine, princess of Ligne. In 1861, she was on a short holiday (séjours) in Paris with her twin flame (non-nobility). Together, they modeled for his "Abduction of Psyche" and "Flora and Zephyr". Bouguereau worked out other sketches and paintings later in life from photographs he took of the couple. Some of Bouguereau's other works, like La Nuit, are also based on her. Marie was also painted by Léon Bonnat. She has also been photographed by Antoine Samuel Adam-Salomon as madame de la Rochefoucauld. Another portrait with Marie Georgine can be seen in Chateau d'Esclimont, France.

Venus' figure was enlarged from a nymph from Bouguereau's The Nymphaeum, completed in 1878 (a year earlier). [5] The nymph is slightly thinner, and her breasts are fuller and more rounded. Venus' contrapposto is more intense, and her hair is also longer and lighter than the nymph's, but she arranges it almost identically.

To the upper-left of the painting, there is a shadow in the clouds. It appears to be the silhouette of the artist, with a head, shoulder, arm, and a raised fist that would seem to hold a paintbrush. [3]


The Birth of Venus

And there, bubbling in the shimmery blue waters of the cytheran sea, there arose a young woman, with twirling red hair and beauty unparalleled by any other. She rose through the foam as though she was a pearl emerging from a newly cracked oyster. Floating she walked gracefully toward the shore and the creatures of the sea and sky looked upon her in awe as they stood in the presence of the newly born Goddess of Love and Beauty.

The image of the birth of Venus, the Roman goddess Love and Beauty, has been renowned by artists and literary creators throughout the ages. The first telling of the birth of Aphrodite was in the Theogony, a poem by Hesiod created sometime between 730-700 b.c in Greece. Known as Aphrodite, she was a beacon of love and sexuality in Greco-Roman culture. The name Aphrodite comes from the word aphros in Greek, meaning “seafoam” or “risen from foam.” The Romans adopted her as their goddess Venus. The goddess has been depicted in multiple pieces and expressions of art, whether it be in forms of literature, sculptures, or paintings, the tales of her beauty and allure have made her the muse for various creators. Venus has been depicted in several statues such as the Aphrodite Ourania and the Venus de Milo. There have also been several painted pieces depicting the goddess, three of the most famous versions of the painted Birth of Venus come from the artists Sandro Botticelli, Alexandre Cabanel, and William Adolphe-Bouguereau. All three of the artists created compositions that have been widely appreciated since their creation, each carries their own air of grace and beauty when describing the creation of the goddess, but which offers the most impactful in modern times?

The Birth of Venus by Sandro Botticelli was commissioned during the Renaissance period between the years 1403-1485 by Pierfrancesco de’Medici, who was part of the influential Medici family. This work portrays an accurate expression of the Birth of Venus as she emerges from the foam of the sea on a shell blown to shore to one of the Horai who awaits her to cloth her. This piece is serene, full of textured detail and balance between the West Wind and the Horai on shore. By far the most influential piece and the most iconic, this painting was the staple of Renaissance creating a dreamlike sequence this painting is also one of the most accurate to the original story of Aphrodite’s birth with the Horai and surrounding scenery. The vast amount of details such as the roses and texture of the sea are appealing to many modern audiences, the color scheme which also incorporates many neutral but dashes of pastel color are as aesthetically pleasing. When asked, many recognize Botticelli’s piece to be “the most iconic” of the three. The birth of Venus by Sandro Botticelli is by far one of the most widely recognized art pieces in history and is ranked in the top ten most famous paintings in the world.

The Birth of Venus by Alexandre Cabenel is by far a softer and lower-key piece. It shows a simple depiction of a sleeping venus laying on top of the ocean while little Cherub’s celebrate around her. It was composed between 1823-1889, and unlike Botticelli’s, it is an oil on canvas piece, suggesting a thicker in-person composition and a less translucent piece. However the painting itself still keeps its dreamlike qualities with the color scheme that has heavy emphasis on Venus’s porcelain like skin and her hand daintily thrown across her face as is she has only just begun to awaken. Cabanel’s piece was bought by Napoleon III. Just like Botecelli’s, Cabanel’s work has status of influence, this specific piece being one of the staples of his era. Despite being an academic piece, Cabanel’s art steps away from the more conservative Botecelli piece and into a more erotic piece without offending the public. Despite the beauty in its composition some feel that the painting appears “washed out,” a friend of mine even said that Venus looks like a “dead body.” Cabanel’s piece incorporates many elements of his time into the piece which shows Aphrodite’s awakening and the serenity of her birth.

The final version of the Birth of Venus overlaps with the commission of Cabanel’s piece, being finished in 1879. William-Adolphe Bouguereau drew inspiration from the original birth of venus, shying away from a more “modest” piece like both Cabanel and Botticelli. Her illustrates Venus in a “sensual” and “erotic” way, putting emphasis on the ideal body type and beauty of the goddess. Bouguereau stepped away from the typical modesty of art and became of the first artists to depict women in a stylish and sensual way. The painting like those before depicts Venus in the middle as the center of attention–much like Botticelli’s piece. Venus is adored by many looking upon her except they appear to be more like Nymphs rather than actual minor gods such as the Horai and the Wind. Bouguereau plays around with placement of his characters, adding depth to the painting (which Botticelli’s lacks) and warmth to his subjects (by using various shades of peach and warm cream colors to illustrate her vivaciousness instead of emphasizing the porcelain-like quality of Aphrodite’s skin, which is what Cabanel did). Both of the foundational ideas of the paintings are expressed in Bouguereau’s piece: the display of Aphrodite’s nakedness as well as the layering effects of adding different spectators to the scene to admire Aphrodite. Despite being of the less well known pieces, this was sometimes seen as Bouguereau’s most influential piece, and modern audiences are awestruck by the angelic nature that Aphrodite posses.

Modern audiences are still heavily influenced by the works of artists past, but even with these three paintings alone, it is revealed how historical art influences later creators. Each piece holds foundational elements from their time period, and each was significant to their audience. The admiration for the Birth of Venus is one that rises and falls like the tides, but like the sea which Aphrodite was born, artists have always found a fascinating with the birth of the beautiful goddess.


Make Angel

‘And every one had four faces, and every one had four wings. And their feet were straight feet and the sole of their feet was like the sole of a calf’s foot: and they sparkled like the colour of burnished brass…. As for the likeness of their faces, they four had the face of a man, and the face of a lion, on the right side: and they four had the face of an ox on the left side they four also had the face of an eagle. Thus were their faces: and their wings were stretched upward two wings of every one were joined one to another, and two covered their bodies.’
— Ezekiel 1: 6-11

‘From as early as the second millennium B.C. humanity has created artifacts and pictures of winged creatures, messengers angels. The ferocious and capable creatures described in Ezekiel are far from commonplace in modern depictions of the angelic orders so, what are angels? ¿Quienes son? What is their enduring appeal, and why do we still appear to have a need for—representation by—them?

The project briefing will take off on Monday morning at 9.30 from Studio 3 — on the back of a winged human-headed bull (a lamassu) dating from the Neo-Assyrian Period (721-705 B.C.E.) We’ll then ‘walk a sky together’ (después Sweeney Reed ) where in flight training will be provided by Vanessa Bell, Trisha Brown, Paul Klee, Sheila Legge, A.R. Penck and others … landing, unscheduled, later in the morning at Nikola Tesla airport in Belgrade. Thereafter, your task is a straightforward one: learn about an object or aspect of the subject that interests you reflect on it and, make Angel.’ — from the Project Brief

What follows are pictures, and pictures of artworks I made reference to in my introductory talk pictures too above of my notes. After this there is a list of other references provided in the project brief (under the headings of writing, music, film, radio y web) and all other information (titles of work, artists names, dates, photography credits etc.) may be found in the ‘tags’ at the bottom of the post.


The Birth of Venus

The Birth of Venus (French: La Naissance de Vénus) is one of the most famous paintings by 19th-century painter William-Adolphe Bouguereau. It depicts not the actual birth of Venus from the sea, but her transportation in a shell as a fully mature woman from the sea to Paphos in Cyprus. She is considered the epitome of the Classical Greek and Roman ideal of the female form and beauty, on par with Venus de Milo.

For Bouguereau, it is considered a tour de force. The canvas stands at just over 9 ft 10 in (3.00 m) high, and 7 ft 2 in (2.18 m) wide. The subject matter, as well as the composition, resembles a previous rendition of this subject, Sandro Botticelli's The Birth of Venus, as well as Raphael's The Triumph of Galatea.

The Birth of Venus was created for the Paris Salon of 1879. It was awarded the Grand Prix de Rome,[1] and was purchased by the state for the Musée du Luxembourg.[2] The painting is now in the permanent collection of the Musée d'Orsay in Paris.

At the center of the painting, Venus stands nude on a scallop shell[3] being pulled by a dolphin, one of her symbols. Fifteen putti, including Cupid and Psyche, and several nymphs and centaurs have gathered to witness Venus' arrival. Most of the figures are gazing at her, and two of the centaurs are blowing into conch and Triton shells, signaling her arrival.

Venus is considered to be the embodiment of feminine beauty and form, and these traits are shown in the painting.[3] Her head is tilted to one side, and her facial expression reflects that she is calm and comfortable with her nudity. She raises her arms,[4] arranging her thigh-length, brown hair, swaying elegantly in an "S" curve contrapposto, emphasizing the curves of her body.[5]

The model for Venus was Marie Georgine, princess of Ligne. In 1861, she was on a short holiday in Paris with her lover. Together, they modeled for Bouguereau's "Abduction of Psyche" and "Flora and Zephyr". He worked out Venus and other sketches and paintings later from photographs he took of the couple. Some of Bouguereau's other works, like La Nuit, are also based on her. Marie was also painted by Léon Bonnat and photographed by Antoine Samuel Adam-Salomon.

Venus' figure was enlarged from a nymph from Bouguereau's The Nymphaeum, completed in 1878, a year earlier.[5] The nymph is slightly thinner, and her breasts are fuller and more rounded. Venus' contrapposto is more intense, and her hair is also longer and lighter than the nymph's, but she arranges it almost identically.

To the upper-left of the painting, there is a shadow in the clouds. It appears to be the silhouette of the artist, with a head, shoulder, arm, and a raised fist that would seem to hold a paintbrush.

The most common form of historicism that reused styles of past ages, often in eclectic combinations, was the sensual, seductive, stylish portrayal of beautiful women, the supposed subject could be taken from Christianity, or from Greek or Roman myth. Bouguereau, an academy member since 1876, was one of the foremost artists of this kind. A devout Catholic, he was out to oppose traditional ethical values to the materialism of the world about him, but all he managed was the frisson of superficial delights. There was an unbridgeable gap between his art and that of Renoir, or indeed Cézanne.
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Ver el vídeo: Toronto Workshop: In the Studios of William Bouguereau (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Rami

    Confirmo. Estoy de acuerdo con todo lo anterior. Discutamos este tema.

  2. Dibei

    Tienes toda la razón. Hay algo en esto y una buena idea, estoy de acuerdo contigo.

  3. Hawiovi

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  4. Zulkikinos

    ¿Permitir que te ayude?

  5. Beiste

    Bueno, So-So ...



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