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Estatua de bronce de un joven de Ziphteh

Estatua de bronce de un joven de Ziphteh


Si bien también impresiona con pinturas y dibujos, Auguste Rodin siempre será conocido como escultor, ante todo. Todo lo demás estaba en la periferia de cómo recordamos su carrera. El gran hombre es uno de los pocos escultores que ha construido una reputación que se extendió más allá de esta forma de arte, siendo reconocido como un artista famoso por derecho propio. Hay pocos otros que realmente puedan afirmar haber logrado eso, tal vez solo Miguel Ángel, Donatello, Constantin Brancusi y Gian Lorenzo Bernini. Otros artistas famosos como Edgar Degas, Salvador Dali, Joan Miro y Pablo Picasso han producido esculturas notables, pero no en la cantidad necesaria para ser mencionados al mismo tiempo que los otros enumerados aquí (ver también Antonio Canova).

Auguste Rodin era un apasionado, casi obsesivo por estudiar las grandes obras de la Antigua Grecia, pero, si bien inspiró gran parte de su carrera, su propio estilo escultórico era contemporáneo y estaba completamente en consonancia con el arte francés de ese período, que continuaba innovando y entusiasmando con nuevas ideas. y técnicas. Se sabía que había visitado el Museo Británico de Londres en varias ocasiones y lo calificó entre sus lugares favoritos debido a su colección de antigüedades. Lamentó no poder estudiar estas bellas piezas de escultura y arquitectura con mayor frecuencia. A Rodin también se le enseñó en técnicas tradicionales de escultura desde una edad temprana, además de ser presentado a los grandes nombres de los siglos pasados. Durante gran parte de su carrera, Rodin se consideró a sí mismo un artesano más que un artista, un sutil diferente pero significativo.

También le dio importancia a obtener la aceptación de la misma comunidad que lo había capacitado inicialmente, aunque a medida que su confianza crecía, esto se volvía menos importante para él. Las principales instituciones artísticas de Francia no reconocieron su trabajo tanto como él hubiera querido, pero esto no dañó su reputación internacional general, que sigue siendo particularmente fuerte incluso hoy. Este fue un artista que siguió su propio camino artísticamente y un enfoque que se consideró en general parte del movimiento del realismo que muchos críticos de arte tradicionales rechazaron. Sin embargo, con el tiempo, pudo obtener apoyo para su trabajo del gobierno francés y también de otros elementos de la comunidad artística. Pronto siguieron prestigiosos encargos y en 1900, alrededor del cambio de siglo, Rodin sería considerado como el mejor escultor francés de ese período. Esta sección del sitio web ofrece todas las esculturas de Auguste Rodin más famosas y ofrece una discusión detallada de cada pieza individual.

Rodin fue sin duda un pensador profundo, incluso para los estándares de un artista. Hizo todo lo posible para crear las esculturas más finas posibles, a menudo utilizando los mismos modelos durante días, si no semanas, antes de que comenzara a ocurrir algo adecuado. También sintió una gran conexión con la naturaleza, y sintió que comprenderla era esencial para cualquier escultor. No le gustaban los puntos de vista únicos cuando era estudiante, prefiriendo la oportunidad de trabajar desde diferentes ángulos al esculpir y, por lo tanto, se convirtió en su principal medio. Regularmente invitaba a una serie de modelos a visitar y los seleccionaba cuidadosamente para obtener el aspecto adecuado dentro de su trabajo. También entendió la complejidad del cuerpo humano y lo vio como algo natural con infinitas variaciones. Rodin también creía que todas las direcciones e intensidades de la luz deberían haber sido consideradas durante la creación de cada escultura y que la intrincada serie de golpes y agujeros podría manejar cualquier cosa en el entorno que la rodea. La mente extraordinaria de Rodin impulsó su estilo contemporáneo y también ayudó a causar controversias en la primera parte de su carrera.


¿Quién es Donatello?

Retrato de Donatello, c. 1500 (Foto: sailko a través de Wikimedia Commons [CC BY-SA 3.0, CC BY 2.5])

Según el historiador del arte Giorgio Vasari, Donatello viajó a Roma con su colega, Brunelleschi (1377-1446). Allí, los dos artistas estudiaron escultura clasica de la Antigua Roma y Grecia, y resultó formativo en el enfoque del arte de Donatello. A medida que continuó trabajando, se convirtió en una de las principales figuras del Renacimiento temprano para impulsar un regreso a la estética clásica, que incluía un énfasis en realismo anatómico, tridimensionalidad, y perspectiva.

Alrededor del año 1430 y mdash cuando Donatello estaba en la cima de su fama y mdashhe encontró un mecenas en Cosimo de 'Medici (1389-1464), cabeza de la familia más influyente de Florencia. Fue debajo de él que el escultor produjo su obra maestra, David.


Estatua de bronce de un niño aristocrático: análisis formal

La estatua de bronce de un niño aristocrático es una estatua de tamaño natural que se encontró en la isla de Rodas, en el este del Mediterráneo. Durante la era de Augusto, Rodas se consideraba un centro educativo para las familias nobles romanas, y era especialmente conocida por sus escuelas y profesores de filosofía y retórica. Mientras que la autoridad romana se desarrolló en todas las ciudades griegas de la isla, la cultura griega comenzó a influir lentamente en la civilización romana.1 La estatua de bronce de un niño aristocrático es una pieza importante de la escultura romana que hace referencia a esta riqueza, prosperidad y educación basada en sus influencias griegas. de artesanía, postura y vestimenta.

Destacada por la proporción y la forma, esta estatua no solo le da al espectador una clara indicación del estatus social del niño, sino que también es un buen ejemplo de cómo los romanos fueron influenciados por la cultura griega. En comparación con el Doríforo, es evidente que esta escultura probablemente se basó en el canon griego de proporciones. El cuerpo está bien equilibrado y la forma es la de un joven bien definido.

El torso musculoso indica que debe haber estado participando en actividades físicas rigurosas. Es muy posible que estas actividades pudieran haber sido ejercicios de entrenamiento que eran comunes para los niños romanos en ese momento. Por lo general, se preparaba para la batalla. Los hombres jóvenes fueron preparados para convertirse en soldados, por lo que era fundamental que estuvieran en buena forma física. Los rasgos faciales del niño también están idealizados. Su cara ancha y su cabello en particular podrían incluso compararse con los del emperador Augusto. Estas características sugieren que este niño era hijo del clan gobernante de la región o hijo de un rico funcionario romano estacionado en la isla.

La postura del niño es otro aspecto significativo de la estatua, y también se deriva del canon griego con su uso de contrapposto. Su pose de habla es casi idéntica a la escultura de Augusto de Prima Porta. La mano derecha se levanta en forma de discurso, mientras que la otra sostiene su himation griego (o manto). Esto implicaría que al niño se le enseñó a hablar en público, que era una habilidad solo disponible para los hijos de familias más ricas debido al costo de los tutores. Esta educación retórica fue admirada y popular entre las familias adineradas de la isla. Además, el hecho de que el niño lleve un & # 8220Cloak & # 8221 griego y no un & # 8220Toga & # 8221 romano es otra indicación de estatus social y representa la combinación de culturas. Es extremadamente lamentable que los pies se hayan roto de las piernas de la estatua de bronce, porque el calzado podría sugerir aún más su clase o clasificación.

El bronce era un material extremadamente caro y rico para usar en la escultura. Es impactante ver que una de estas estatuas ha sobrevivido durante tanto tiempo considerando que la mayoría de las esculturas hechas en bronce se fundieron más tarde para su uso durante tiempos de guerra. La mayoría de esas estatuas, incluida Doríforo, se fundieron originalmente en bronce, pero se reprodujeron varias veces en mármol o piedra. Debió estar muy bien conservado y probablemente fue pensado como un homenaje a la familia.

El uso de características como la forma, la postura, el material y la vestimenta ayudan al espectador a comprender las referencias hechas por el artista con respecto al período de tiempo y las tradiciones del lugar en el que se creó la estatua. Los romanos admiraban mucho la cultura griega. Esta estatua de bronce de un niño aristocrático de la era augusta es verdaderamente exitosa al encarnar las influencias y los ideales de ambos.


28 de las esculturas públicas más fascinantes

En algún momento durante los últimos siglos, se podría argumentar que el conocimiento y la apreciación del arte superaron al de la religión para las clases educadas. Claro, la gente todavía asocia y practica las muchas formas: catolicismo, judaísmo, islam, por nombrar algunas. Pero para muchos más, quizás, es el arte lo que miran religiosamente. Y aunque las obras de arte públicas encargadas han sido parte de nuestra cultura durante siglos, ahora parece más omnipresente que nunca. El significado y, por lo tanto, el impacto de una obra encargada puede cambiar el tejido de una esquina o ciudad (piense en el famoso Frijol o el icónico de Nueva York Arma anudada). Desde las bulliciosas calles de las principales ciudades de EE. UU. Hasta los rincones más tranquilos del mundo en Howick, Sudáfrica, y Las Colinas, Texas, Resumen arquitectónico examina 28 de las esculturas públicas más fascinantes del mundo. Cada uno responde a una curiosidad cultural, una pregunta que fue formulada por un grupo o funcionarios de la ciudad y respondida por los artistas.

Una vez ubicado en Waller Beach en Town Lake Metropolitan Park en Austin fue Ai Weiwei & # x27s Bicicletas para siempre. Esta escultura en 3D fue creada a partir de 1.200 bicicletas, un vehículo que el artista utilizó durante su infancia en Beijing para moverse por la ciudad. Este trabajo que representa la infancia y la libertad no estaba destinado a quedarse en Austin para siempre: finalmente fue retirado en mayo de 2017, ya que la ciudad ya no pudo financiar la amada instalación.


Figuras de bronce

Estás viendo una escultura de bronce de un golfista representado a punto de realizar un swing. Th.

Estatua Femenina Semi Desnuda De Bronce Francés Botero Erotica

Preciosa estatua francesa de bronce de un gran desnudo femenino. Una vez más, nos recuerda a uno de Bo.

Estatua de la dama de bronce francesa - Figura regordeta de Botero

Maravillosa estatua de bronce de una dama más grande Me recuerda el trabajo de Botero.

Estatua de Acuario firmada por doncella femenina de bronce antiguo francés

Hermosa doncella de bronce francés antiguo Firmado Acuario en la base, ver cl.

Escena de caza de bronce francés: perros sabuesos y cazador

Escena dramática del cazador de bronce francés Cazador rodeado por una jauría de perros A.

Estatua de bronce de niña - The Book Reader Garden Art

Encantadora niña sentada leyendo un libro Preciosa estatua, pátina en el bronce es s.

Estatua de duendecillo de bronce sentado - Garden Elph Fairey

Bonita estatua de duendecillo de bronce sentado Se muestra una estatua con mucho carácter con una hoja grande.

Estatua de bronce semidesnuda de la señora Botero

Maravillosa fundición de bronce de una mujer regordeta semidesnuda a la manera de Botero.

Par de estatuas de bronce de niña leyendo sentada - Escultura infantil de tamaño natural

Encantadora pareja de chicas sentadas, ambas leyendo un libro Preciosa estatua, pátina en el bronce.

Banco de jardín Winston Churchill de bronce - Asiento de tamaño natural Primer ministro británico

¿Quiere sentarse con el héroe británico de la Segunda Guerra Mundial, el Primer Ministro Winston Churchill? .

Característica del agua de la estatua del jardín de la muchacha del cubo femenino grande de bronce

Magnífica estatua de jardín de estatuilla femenina de bronce francés Mide casi cuatro pies de altura.

Estatua de bronce madre niño arte modernista firmado pompón

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Estatua de bronce del buscador del tesoro de Bergman Carl Kauba

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Preciosa estatua de bronce italiana que muestra a una vendedora de frutas de una belleza tan clásica.

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Par de jugadores de fútbol inglés de bronce, fútbol, ​​arte, deporte

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Estatua de David (1440-43) de Donatello

Sin duda una de las mayores esculturas del quattrocento, y una obra icónica de la escultura renacentista, la estatua de bronce de David, de Donatello (1386-1466), es una de las interpretaciones más atrevidas de un tema bíblico en la historia de la escultura. Se le atribuye ser la primera estatua desnuda masculina independiente desde la era de la escultura griega, la forma elegante y el naturalismo fluido de David. contrapposto pose, aliada a su comportamiento sereno pero provocativo y el brillo de la superficie sensual del bronce, se combinan para dar vida a la estatua. Esta capacidad de inyectar vitalidad humana en una imagen estándar del arte cristiano fue la mayor habilidad de Donatello. De hecho, la desnudez gratuita de la figura la transforma en una obra viva de belleza clásica, exactamente en línea con la estética del arte griego clásico. Para una ciudad joven como Florencia, amenazada por ciudades-estado rivales como Siena y Milán, el luchador guerrero David era un emblema ideal, y parece probable que Donatello le diera deliberadamente una arrogancia coqueta, para reflejar el sentido florentino de superioridad cultural. sobre sus rivales, una superioridad que se había demostrado claramente una década antes, en la batalla de Romano. Ahora en el Museo Bargello, Florencia, la estatua sigue siendo, junto con el David de Miguel Ángel (1504), una obra definitoria del arte renacentista de uno de los escultores renacentistas más influyentes de la época.

La mayoría de los estudiosos del arte creen que la escultura fue encargada por Cosimo de 'Medici (1389-1464), quien tenía una opinión particularmente alta de Donatello, pero no se sabe exactamente cuándo se hizo. La opinión mayoritaria parece favorecer la década de 1440, cuando el nuevo Palacio de los Medici fue diseñado y construido por el arquitecto florentino Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472). En cualquier caso, en el momento de la boda de Lorenzo el Magnífico en 1469, el bronce se encontraba en el centro del patio del palacio de los Medici en Florencia. Tras la toma del palacio Medici en 1495 y la expulsión de la familia Medici de la ciudad en 1496, el David fue colocado en el patio del Palazzo della Signoria, donde fue instalado sobre una columna de mármol. Fue visto aquí a mediados del siglo XVI por el biógrafo manierista Giorgio Vasari (1511-74) quien escribió: `` Esta figura es tan natural en su vivacidad y suavidad que los artistas apenas pueden creer que no fue moldeada en la forma viva. . & quot; Durante el siglo XVII se trasladó al Palacio Pitti, desde donde fue trasladado en 1777 a la Galería Uffizi. Finalmente, en 1865, fue trasladado al museo Bargello, donde se puede ver hoy.

La estatua, fundida en bronce, mide poco más de 5 pies de altura (159 cm). Una ilustración de la historia bíblica de cómo el joven combatiente judío David mató al gigante filisteo con armadura Goliat en combate singular, armado solo con una honda y unas pocas piedras, muestra a David con una sonrisa enigmática, de pie con su pie sobre la cabeza cortada de Goliat. El joven guerrero está desnudo, excepto por el sombrero y las botas, y sostiene la espada de Goliat en su mano derecha. Supuestamente inspirada en representaciones clásicas de la reconocida joven belleza Antinoo, una de las favoritas del emperador romano Adriano, la obra de Donatello fue la primera estatua de bronce de pie sin apoyo fundida durante el Renacimiento, y la primera de tres famosos David: los otros dos son el bronce más convencional. (1475) de Andrea del Verrochio (1436-88), y la famosa estatua de mármol del David (1501-4) de Miguel Ángel (1475-1564). Otras versiones incluyen el bronce (década de 1470) de Bartolomeo Bellano (1440-97) y el mármol (1623 & # 15024) de Bernini (1598-1680).

Donatello se apartó de las representaciones más convencionales y quoteroicas de David al presentarlo desnudo, a la manera de un niño delgado y prepúber. Esta descripción ha desconcertado a los estudiosos durante siglos. Es cierto que la Biblia dice que David era un joven hermoso y se suponía que iba a la batalla sin ropa. Pero si esto es cierto, ¿por qué lleva sombrero y botas? ¿Y por qué se le representa en una pose tan afeminada, con énfasis en la parte inferior del estómago? Estos atributos son bastante innecesarios en términos de narrativa bíblica o convenciones clásicas. Después de todo, Miguel Ángel también representó a David sin ropa, pero la suya era una figura mucho más masculina.

Algunos historiadores del arte han sugerido que Donatello expresaba un punto de vista alegre a través de su escultura, pero esto parece poco probable. En el momento en que se fundió la estatua, este vicio era ilegal y cerca de 15.000 personas habían sido procesadas por ello. Hacer alarde de tal desviación sería extremadamente arriesgado, tanto para el escultor como para el mecenas. Por el contrario, otros expertos creen que Donatello estaba señalando que solo con la ayuda de Dios podría el diminuto niño haber vencido a un enemigo tan terrible como Goliat. Sin embargo, otros creen que la estatua es una alegoría de las virtudes cívicas que superan la brutalidad y la irracionalidad. Lo único en lo que están de acuerdo los críticos de arte es en que Donatello creó uno de los desnudos masculinos más revolucionarios de la historia del arte.

No hay registro de ninguna reacción contemporánea a la estatua, aunque el hecho de que no se colocó dentro del ayuntamiento cívico, después del destierro de los Médicis, sugiere que podría haber sido considerada controvertida.

Vale la pena mencionar que algunos críticos han interpretado ciertos elementos de la estatua (pluma en el casco de Goliat, sombrero de David) en el sentido de que la figura representada no es David sino el dios griego Hermes (el Mercurio romano). Sin embargo, todas las referencias del Renacimiento temprano (1400-90) identifican claramente la escultura como David.

Estatua de David de mármol de Donatello

Cabe señalar que en 1408-9, a la edad de 23 años, Donatello esculpió una escultura de mármol convencional y suave de David de 6 pies de altura para la catedral de Florencia. Parte de una serie de 12 estatuas de profetas, que originalmente estaban destinadas a decorar los contrafuertes, esta obra de arte religioso de estilo gótico terminó en el Palazzo della Signoria y ahora se encuentra en el Bargello.

Escultura de Donatello

Se puede ver arte plástico de Donatello en el lugar por toda Italia - ver, por ejemplo, su bronce Estatua ecuestre de Gattamelata (Condottiere Erasmo da Narni) (1444-53) en la Piazza del Santo, Siena, y en varios de los mejores museos de arte del mundo, en particular el Museo Bargello y el Museo dell'Opera del Duomo (ambos en Florencia). Hay varias copias de Donatello's David: incluye una réplica en yeso en el Victoria & amp Albert Museum, Londres, una copia en mármol blanco en los Royal Botanic Gardens, Kew, Surrey y una copia en yeso en el Slater Museum en Norwich, Connecticut, Estados Unidos.

Para ver reseñas de otros célebres ejemplos de estatuas, de algunos de los mejores escultores del mundo, consulte los siguientes artículos:

- Venus de Milo (c.100 a. C.) Mármol, Louvre, París.
- Laocoonte y sus hijos (c. 42-20 a. C.) Mármol, Museo Pio Clementino, Vaticano.
- David de Miguel Ángel (1501-4) Mármol, Galería de la Academia de las Artes, Florencia.
- Violación de las Sabinas por Giambologna (1583) Mármol, Florencia.


Escultura de Auguste Moreau (Francia)

Estos artículos se han vendido y la descripción, la imagen y el precio son solo para fines de referencia.

Una figura de spelter de 'Cossette' de Auguste Moreau (1855-1919), alrededor de 1900, la figura del portador de agua con el cabello adornado con flores y sosteniendo flores en su delantal, levantada sobre una base integral con un par de palomas y un infierno.

Una figura de bronce de Dianna según la antigüedad de Hippolyte-Francois Moreau (1832-1927), francés de finales del siglo XIX inscrito en la base: cadera Moreau de 49 cm de alto

Después de Auguste Moreau, la figura del hechicero victoriano tardío 'Faneuse'. firma del artista y reverso del sello de fundición. Altura 40 cm

Después de Auguste Moreau (Francés, 1834-1917), escultura en bronce de una joven doncella, c. 1900 sentado sobre tocón de madera, sobre base circular de mármol, firmado

Lámpara spelter francesa de finales del siglo XIX, 'La Danse', de Auguste Louis Mathurin Moreau (1834-1917). En forma de doncella vestida con túnicas clásicas, sosteniendo una antorcha en alto. Sello y firma de fundición. Estate late Lily Mathieson, altura 97 cm

Impresionante figura de bronce de tamaño casi natural de una niña sosteniendo cestas, firmada por Hip Moreau por Castano 1? 9, todo de pie sobre un pedestal de piedra compuesta, 164 cm de alto

Una figura de spelter 'Premier Secret' de Francois Moreau, de finales del siglo XIX a principios del XX, una doncella rústica asistida por un cupido y sostenida por un árbol decorado con flores, tronco, en colores bronce pintados en frío, marca incisa de Francois Moreau & hellip

Estatua de bronce, clásica madre e hijo, firmada Moreau, 35 cm de altura sobre peana de mármol negro

Figura de spelter francés 'La Fortune' después de L y F Moreau, 40 cm de alto

Auguste Moreau Francia 1834-1917 'Flore' figura bronceada sobre base de mármol verde con título de placa de latón, altura 27 cm

Una estatuilla de spelter francés 'Reine De Pres' según el original de Auguste Moreau (Francés, 1861-1906) 65 cm de alto, 20 cm de diámetro

Figura de Speltre bronceada victoriana tardía 'Le Bois' después de Moreau, que representa a un niño de pie apoyado en su hacha junto al tronco de un roble, levantado sobre un pie de pedestal con cintura, altura 67 cm

Una figura de bronce de una joven clásica tocando la flauta de Moreau Aine (1740-1806) firmada 'Moreau Aine' en la base. Altura 25,5 cm

Un par complementario de lámparas figurativas de bronce Art Nouveau de Auguste Moreau (1834-1917), alrededor de 1900, con placas de título en las bases de los accesorios eléctricos europeos, el par de doncellas y el infierno.

Figura de Speltre bronceada victoriana tardía 'Le Bois' después de Moreau, que representa a un niño de pie apoyado en su hacha junto al tronco de un roble, levantado sobre un pie de pedestal con cintura, altura 67 cm

Según A. Moreau fundió la figura de una dama y un pájaro posiblemente de Fortuna con el brazo levantado y mirando hacia el cielo, con un pájaro descansando sobre el brazo y en la base, de pie sobre una base de mármol torneado, altura 71 cm.

Figura atribuida a Auguste Moreau 'Flore', figura bronceada, sobre peana de mármol verde. La placa de bronce para los atributos de la base funciona para Aug. Moreau. Altura 27 cm (total).

Figura de bronce de estilo Auguste Moreau de 'Cupido alado', sobre peana de mármol negro. Altura 38 cm

Una figura de spelter Art Nouveau de Auguste Moreau (1834-1917), finales del siglo XIX & hellip

Par de figuras 'Faneuse' y 'Faucheur de principios del siglo XX, según Auguste Moreau, firma del artista y marca de fundición en el dorso, 40 cm de altura

Crepúsculo, bronce francés c.1900 por Auguste Moreau Minorista: AUD

Figura francesa Auguste Moreau spelter 'Vendange', firmada en la base, altura 31 cm

La figura de la dama francesa Art Nouveau spelter, firmada Aug. Moreau y con marca de fundición, ha sido posteriormente pintada con pintura dorada, 40 cm de alto

Una figura de spelter 'Livre D'or' de Auguste Moreau (1834-1917), circa 1900, marcas incisas de maker to figure, una mujer Art Nouveau pintada en frío en tonos bronce, con un atuendo fluido con un bolígrafo en una mano y papel en su izquierda y hellip

Después de Mathurin Moreau (francés, 1822-1912), escultura de bronce, el manantial, que representa a una joven doncella sentada sobre una roca bebiendo agua de un manantial con la ayuda de una concha, firmada y numerada 12/100, sobre base de mármol, altura 52 cm & hellip

Un par de figuras francesas de putti de bronce, firmadas por Moreau, del siglo XIX, cada una levantada sobre una base circular de mármol, de 39 cm de altura.

Una figura de bronce de estilo Art Nouveau de doncella alada, después de Moreau bronce fundido de principios a mediados del siglo XX con base de mármol torneado, marca ilegible firmada en altura de fundición 48 cm

Una estatua de bronce clásica francesa de una señorita de la mano con Cupido, sobre una base de mármol verde. Firmado Auguste Moreau al frente de la base. 78 cm de altura.

Gran figura antigua de Cupido en bronce, firmada 'Auguste Moreau' y fechada en 1907, con marcas de fundición y sello separados, 92 cm de altura aprox.

Una lámpara figurativa spelter, fundida a partir de un modelo de Auguste Moreau, sobre una base de mármol con pantalla de vidrio original, con la inscripción Aug. Moreau, la placa en la base dice 'Enfant torchere per Aug. Moreau', fabricada en París, Francia, altura 94 cm.

Según Mathurin Moreau (francés, 1822-1912), escultura de Venus y Cupido en metal dorado fundido, firmada, sobre peana redonda de mármol, altura 93 cm

Una estatuilla de bronce de un trompetista ángel, después de Moreau, la figura alada de pie sobre una formación de nubes tocando una trompeta, levantada sobre una base de mármol negro graduado, firma facsímil. Altura 28 cm

Antigua figura clásica de bronce de una doncella, firmada por Paul DuBon, según Moreau, aproximadamente 44 cm de alto

Cuenco de bronce de múltiples caras firmado un Moreau con cinco caras serenas al exterior. Procedencia 'Los mundos interiores de Yuge & David Bromley' Lote 40, 24.07.16. Buen estado, menor desgaste de la base. Altura 15,5 cm

Águila Art Deco francesa posada sobre un muñón de madera simulada, sentada sobre una base de mármol, con un gran reloj de bolsillo colgando de su pico, (reloj marcado como regulateur) águila marcada en el lado L. F Moreau, 20 cm de altura

Una base de lámpara de figura de espectros franceses 'Genie de la Musique' según el original de matt (Mathurin) Moreau, que representa una figura clásica alada en una pose de serpentina con cortinas que fluyen sosteniendo una antorcha en alto, con una placa con el nombre en la base de mármol falso. Altura 60 y hellip

Un destacado grupo de figuras de bronce de una mujer joven que sostiene una corona de flores con un querubín alado adjunto, firmado H. Moreau, de pie sobre un pedestal circular ahusado alto con cañas de nogal. 214 cm de altura total

Spelter estatua de la flora, después de Moreau. Altura 26 cm

Figura francesa pintada en frío de un niño titulada 'Bonne Regette', con sello y firmada según L & J Moreau, 36 cm de altura aprox.

Una figura masculina deletreada de 'Le Triomphe' de Moreau, Louis Auguste (1855-1919), la heroica figura masculina en una postura clásica con ondulantes cortinas ceñidas, su mano izquierda sosteniendo en alto un par de guirnaldas de laurel doradas y en su derecha e infierno

Un busto de bronce de una mujer, después de Moreau, el busto de pedestal que representa a una joven elegante con una blusa con cuello y un alegre sombrero con plumas inscribe la firma de Moreau en la base extendida. Altura 39,5 cm

Moreau, Auguste (1834-1917), portador de agua, una fundición de espectros en tonos bronce de un joven jovial que lucha bajo el peso de una jarra de agua rota que derrama su contenido con la inscripción Aug Moreau en la base. Altura 30 cm

Figura de ortografía francesa 'Faucher' estampada y firmada al dorso Aug Moreau, 40 cm de alto aprox.

Un par de figuras deletreadas, después de Auguste Moreau, 'Le Torrent' y 'Galathee'. (2). un par de figuras deletreadas, después de Auguste Moreau, 'Le Torrent' y 'Galathee'. (2)

Una figura de metal blando del siglo XIX 'Tarquinerie', según Auguste Moreau, sobre pedestal redondo. Altura 36 cm

Moreau, un (después), 'Consolación', en bronce, dos mujeres jóvenes con un atuendo fluido, una sosteniendo una canasta de flores, y levantadas sobre una base de mármol cuadrada graduada con la firma inscrita en la base de bronce. Altura 36 cm. Ancho 13,5 cm. Profundidad 13,5 cm

Mathurin Moreau, bronce francés del siglo XIX, Diana la cazadora, firmado, dos piezas sobre zócalo giratorio (base) 51 cm

Augustus Moreau 'Le Charme' & L'hesitation 'figuras de spelter dorado firmadas y estampadas' Fabrication Francaise Paris made in France '

Figura de spelter pintada de principios del siglo XX 'Charmeuse' de L & F Moreau de 45 cm de alto

Una lámpara de poste de newel bronceada con espectros franceses, esculpida como un niño pequeño sosteniendo en alto una antorcha encendida, la lámpara de la antorcha de vidrio moldeado para simular llamas. Criado sobre una base de mármol verde con la etiqueta adherida, 'Enfant Torchere', después de August Moreau. Altura 93 cm

Auguste Moreau (B.1834 - D.1917) par de figuras de bronce finamente fundidas de un hombre y una mujer griegos clásicos de pie sobre una base escalonada de pizarra. 45 cm de alto cada uno

Una figura de ortografía Art Nouveau sobre base de mármol al estilo de Auguste Moreau que representa a una doncella llevando frutas. Altura 56 cm

Niño de bronce tocando flautas según Auguste Moreau, sobre peana de mármol, de 70 cm de altura

Auguste Moreau, grupo figurativo bronceado francés de Cupido y un niño, según un modelo de Auguste Moreau (francés 1834-1917), firmado Aug Moreau 62 cm de alto

Querubín de bronce francés de Moreau. Molde de un querubín alado con la inscripción Moreau sobre una base circular de mármol. 72 cm de alto

A Moreau, bronce, titulado Billet de Logement, 41,5 cm de altura

Moreau, Auguste (1834-1917), después, una bailarina exótica, bronce, modelada en movimiento, con túnicas sueltas y sosteniendo una pandereta sobre su cabeza, sobre una base integral con firma incisa y marca de fundición fundida, sobre un pedestal de piedra moldeada & hellip

Figura de bronce de pie de un niño con flauta, inscrito con la firma 'Aug Moreau'. (Francés 1834-1917) a la base. Altura 67 cm

Antigua figura francesa de metal dorado de un músico putto sobre base de mármol, firmada Aug. Moreau. De pie a 16 cm de altura

Figura francesa de metal dorado de una mujer clásica estampada 13750, grabada 'Gelot & Dit' y 'Moreau'

Una estatua francesa bronceada de finales del siglo XIX titulada Le Triomphe inscribe la firma Moreau. 87 cm.

Una figura bronceada de Le Pafum según el modelo de mujer de Augustus Moreau sobre una base circular. 53 cm

Una figura impresionante de la estatua de spelter titulada Le Triomphe France de principios del siglo XX, firma moldeada según Louis Auguste Moreau (francés de 1855 a 1919). Altura 76 cm

Auguste Moreau, (francés 1834-1917) par de urnas de bronce, con asas de putti aplicadas, impresa 'Auguste Moreau' y marca de fundición. Altura 30 cm

Un deletreador figurativo francés. Finales del siglo XIX, firmado Aug (agosto) Moreau, la figura representa a Cupido con un carcaj en su espalda sobre una base de mármol torneado con placa en la base 'Amour En voyage', firmado en la base. Altura 47 cm.

Escultura de bronce francesa 'Libellule' firmada Mathurin Moreau (francés 1822-1912), modelada como una ninfa semidesnuda sentada sobre un tocón de árbol, sobre zócalo circular, firmada y con placa de bronce 'Par Malthurin Moreau Medaille D'honneur du salon' & hellip

Una figura bronceada según el elenco de Moreau de un músico querubín con poca ropa que sostiene un violín y un arco sobre una base de mármol. Altura 26,5 cm

Una figura de metal francesa del siglo XIX moldeada según Moreau de una mujer joven y un niño sobre una base circular de mármol titulada Moreau. Altura 48,5 cm

Lámpara de mesa con figura de bronce alta Art Nouveau. En forma de doncella alada, según Auguste Moreau. Altura 72 cm (solo figura)

Figura de una doncella en bronce patinado de finales del siglo XIX montada en un pedestal de madera con la firma August Moreau total. Altura 70 cm

A patinated spelter figure of cupid raised on a marble base with a copper plaque inscribed 'Vici Par Aug. Moreau', 31 cm high

Spelter figure Charmeur, after Moreau with Brig (Parisian) Foundary mark

An Edwardian 'Le Zephyr' spelter figural lamp, entitled 'Le Zephyr, Par a Moreau', the classical figure with butterfly wings, mottled glass small shade. Height 54.5 cm


Statues: Freestanding Sculptures


Spring Temple Buddha (2002)
Lushan County, Henan, China.
Depicting Vairocana Buddha, this
is the world's tallest statue.
Height of Statue: 420 ft. 128m.
Under the sculpture is a Buddhist
monastery!! For more, see:
Chinese Buddhist Sculpture.

What is a Statue? Definition and Characteristics

A statue is a freestanding sculpture which depicts a person or group of people. An equestrian statue depicts a horse and rider, while an equine statue portrays only a horse. Essentially a work of representational art, a statue is typically made full-length or close to life-size: in contrast, a bust depicts only a head, or head and shoulders while a statuette or figurine is a small-scale work that can be held by hand. Lastly, unlike relief sculpture, a statue is capable of being viewed from all sides however, precisely because it es freestanding, a statue is considerably more restricted in the range of its subject matter than a relief. In particular, its weight must be carefully balanced, thus limiting, or at least restraining, its size and shape. As a result statues tend to depict single figures and limited groups, while reliefs are free to portray more complex pictorial subjects involving crowds, battle scenes, historical events, architectural backgrounds and so on.

The best sculptors of figurative statues include: Donatello (1386-1466), Veit Stoss (c.1447-1533), Tilman Riemenschneider (c.1460-1531), Michelangelo (1475-1564), Benvenuto Cellini (1500-71), Giambologna (1529-1608), Bernini (1598-1680), Jean-Antoine Houdon (1741-1828), Antonio Canova (1757-1822), Auguste Rodin (1840-1917), Duane Hanson (1925-96) and others.


Aphrodite of Cnidus (c.350 BCE)
The first life-size female nude.
Original by Praxiteles.


Ludovisi Gaul killing himself and
his wife. National Museum of Rome.
A Roman copy of a Hellenistic
era original commissioned by
Attalus I of Pergamon after his
victory over the Gauls (220 BCE).
A wonderful example of the
Pergamene School of Hellenistic
sculpture.

Being representational, a statue should not be wholly abstract, although it may be expressionist to the point of semi-abstraction (like Boccioni's Formas únicas de continuidad en el espacio). Statues may simply stand alone, or form part of an architectural structure (cathedral, altarpiece, tomb). Specific types of statue or statuette include:

Venus: type of prehistoric statuette.
Kouros: an early greek statue of a young man.
Kore: the female counterpart of the kouros.
Column statue: figure on architectural column.
Piedad: Virgin Mary mourning the dead Christ.
Madonna and Child: the Virgin Mary holding the infant Jesus.
Equestrian Statue: a sculpture of a person on a horse.
Monumental Statue: like The Statue of Liberty o Spring Temple Buddha.

Composition and Materials

The composition of statues varies enormously. They can be made from traditional materials like stone (Women's Titanic Memorial 1931), marble (The Marly Horse 1745), bronze (Burghers of Calais 1889), clay (Terracotta Army 208 BCE), wood (Holy Blood Altar 1504), or ivory (Hombre León de Hohlenstein Stadel), as well as from precious metals like gold (Broighter Boat 50 BCE), silver (Kneeling Bull with Vessel 3000 BCE), copper (Statue of Liberty 1886) or chryselephantine (Athena Parthenos 445 BCE). Other materials from which statues can be sculpted include: contemporary media such as scrap metal, plastic, aluminium, concrete or "found" items, although this latter form of junk art is usually limited to abstract rather than representational works.

As a general rule of thumb, stone sculpture is most popular for monumental works located outside and open to the elements. Marble sculpture along with bronze sculpture were the two favourite materials of Greek artists, while the Romans preferred marble. Wood carving was the favourite plastic art in Germany and Austria, especially during the era of Late Gothic sculpture, while ivory carving was especially popular in Byzantine art.

Before Christianity and Christian art, freestanding statues typically depicted gods or goddesses, but also secular fertility or totemic figures of various types. However, the vast majority of statues between the coming of Christ and the Age of Enlightenment (c.1700), were ecclesiastical in nature. Paid for by the Church, or by pious aristocrats, they illustrated figures from the Old/New Testaments of the Bible, or they commemorated Popes, Archbishops or other clerics. This type of religious art was especially common during the era of Romanesque sculpture (c.1000-1200) and Gothic sculpture (1150-1300), and can be seen in all the cathedrals of the time, notably Chartres, Notre Dame de Paris and Westminster Abbey. Renaissance sculpture (c.1250-1530) was also mostly Christian - see, for instance, David by Michelangelo - although, being a classical-based idiom, it also embraced secular works (Equestrian Statue of Bartolomeo Colleoni 1495), as did Mannerism (Rape of the Sabine Women 1583), Baroque sculpture (Pluto and Proserpina 1621), Neoclassicism (Voltaire 1781), and later types.

In the Far East, most statues were inspired by Buddhism. For more about the chronological evolution of sculpture and statues in China, see: Chinese Art Timeline (c.18,000 BCE - present).

Non-Religious Statuary

As societies became wealthier, they tended to create works of art (including statues) in order to appease their gods. In addition, as they became more confident, their leaders commissioned effigies of themselves - either as "living gods" (Egyptian Pharaohs, Alexander the Great, some Roman Emperors) (Statue of Claudius as Jupiter 41-54 CE) or simply as omnipotent Emperors (Emperor Augustus c.20-17 BCE). After the Dark Ages, this duality (Christian versus secular works) continued until about 1700, after which most statues were created to represent non-religious figures or themes. Post-1700 examples of non-religious statuary include: The Bronze Horseman 1778, Equestrian Statue of Joseph the Second 1806, Burghers of Calais 1889, End of the Trail 1915, The Destroyed City 1953 and the awesome Russian statue The Motherland Calls 1967.

The nature, size, expense and - above all - impact of statues, makes them highly suitable for public display. In addition, the fact that, throughout the long history of sculpture, statues have been visible embodiments of religious and social values, means that they have always had a functional role to play, in inspiring the population at large. In short, statues are a natural form of public art, and have been for millennia. Nowadays, with mass communication taking place via television, video film, Facebook y YouTube, this situation has changed somewhat, although contemporary statues are still created for public display, notably in the Third World. A postmodernist example is Virgin Mother (2005) sculpted by Damien Hirst, which stands in the plaza of Lever House, New York City. Another example is Angel of the North (1998) a large work erected by Antony Gormley which overlooks a main road in Northern England. However, probably the three greatest public statues are The Motherland Calls (1967, situated on the Mamayev Kurgan, the heroic blood-soaked mound of Stalingrad, now Volgagrad) The Ushiku Daibutsu, Amitabha Buddha (1995, Japan) and The Spring Temple Buddha (2002, China).

World's Tallest Statues

420 Feet (128m) - Spring Temple Buddha (2002) Copper cast, Henan, China.
381 Feet (116m) - The Laykyun Setkyar (2008) Monywa, Myanmar/Burma.
360 Feet (110m) - Ushiku Daibutsu, Amitabha Buddha (1995) Ibaraki, Japan.
354 Feet (108m) - Guan Yin of the South Sea of Sanya (2005) Hainan, China.
348 Feet (106m) - Emperors Yan and Huang (2007) Henan province, China.
328 Feet (100m) - Sendai Daikannon (1991) Sendai, Japan.
325 Feet (99m) - Guishan Guanyin of Thousand Hands & Eyes (2009) China.
305 Feet (94m) - Peter the Great Statue (1997) Moscow. By Zurab Tsereteli.
305 Feet (93m) - Statue of Liberty (inc. plinth) (1886) New York Harbour.
279 Feet (85m) - The Motherland Calls (inc. plinth) (1967) Volgagrad.

Greatest Figurative Statues

Here is a short selection of the world's most beautiful figurative statuary, in bronze, marble and stone. Please note that dates are approximate. For a longer list, see: Greatest Sculptures Ever (c.35,000 BCE-Present).

Greatest Ancient Statues/Statuettes

- Lion Man of Hohlenstein Stadel (30,000 BCE) Ivory, Ulmer Museum, Ulm.
- Thinker of Cernavoda (5000 BCE) Terracotta, National Museum of Romania.
- Kneeling Bull with Vessel (c.3000) Silver, Metropolitan Museum, NY.
- Gold Bull of Maikop (2500) Gold, Hermitage Museum, St Petersburg.
- Ram in a Thicket (c.2500) Gold leaf, copper, lapis, lazuli, British Museum.
- Dancing Girl of Mohenjo-Daro (Indus Valley Civilization) (2000 BCE) Delhi.
- Statue of Akhenaten (c.1350) Sandstone, Egyptian Museum, Cairo.
- Winged Bull & Lion (859 BCE) Nimrud, see: Assyrian art (c.1500-612 BCE).
- Terracotta Army (246-208 BCE) Emperor Qin Shi's Tomb, Shaanxi, China.
- Broighter Boat (1st century BCE) Gold, National Museum of Ireland.
- Giant Buddha (c.713-803 CE) Leshan, Sichuan province.
- Monolithic Moai of Easter Island (1200-1500 CE) Tuff.

Greatest Classical Statues

- "The Auxerre Kore" (c.630 BCE) Limestone, Louvre, Paris.
- The Farnese Heracles (5th Century) Marble, Archeological Museum, Naples.
- "The Apollo Parnopius" (450) Marble, State Museum, Kassel. By Phidias.
- Discobolus (450) Bronze originally, Museo Nazionale, Romano. By Myron.
- Athena Parthenos (c.447-5) Gold, Silver, Ivory. Parthenon. By Phidias.
- Doryphorus (440) National Museum, Naples. By Polykleitos.
- Aphrodite of Knidos (350-40) Marble, Museo Pio Clementino. By Praxiteles.
- Apollo Belvedere (330) Marble, Museo Pio Clementino. By Leochares.
- Colossus of Rhodes (280) one of the Seven Wonders of the World (280).
- Ludovisi Gaul killing himself and his wife (220 BCE) National Museum Rome.
- "The Farnese Bull" (2nd Century) Marble, Naples. By Apollonius of Tralles.
- The Three Graces (2nd Century) Marble, Louvre.
- "The Medici Venus" (150-100) Marble, Uffizi, Florence. By unknown artist.
- Venus de Milo (100) Marble, Louvre. By Andros of Antioch.
- Laocoon and His Sons (42-20 BCE) Vatican Museums, Rome.
- Emperor Augustus (20-17 BCE) Marble, Vatican Museums, Rome.
- Statue of Claudius as Jupiter (41-54 CE) Marble, Vatican Museums.
- The Tetrarchs: Diocletian, Maxentius, Chlorus, Galerius (350 CE) Porphyry.

Greatest Medieval Statues

Most statuary of the Middle Ages were produced in the form of column-statues decorating the exteriors of cathedrals (Chartres, Notre Dame de Paris, Reims, Cologne) during the Romanesque and Gothic eras.

Greatest Renaissance and Mannerist Statues

- Il Zuccone (1423㪻) Marble, Florence. By Donatello.
- David by Donatello (c.1440) Bronze, Bargello Museum, Florence.
- Equestrian Statue of the Gattamelata (1444-53) Bronze, Siena. Donatello.
- Equestrian Statue of Bartolomeo Colleoni (1480-95) Bronze, Del Verrocchio.
- Holy Blood Altar (1504) Linden-wood, Rothenburg. By Riemenschneider.
- Mary Magdalene (1500) Limewood, Louvre. By Gregor Erhart.
- David (1501-4) Marble, Galleria dell'Accademia, Florence. By Michelangelo.
- Perseus with Head of Medusa (1545-54) Florence. By Benvenuto Cellini.
- Rape of the Sabine Women (1581-3) Marble, Florence. By Giambologna.

Greatest Baroque Statues

- Pluto and Proserpina (1621-2) Marble, Galleria Borghese, Rome. By Bernini.
- Apollo and Daphne (1622-5) Marble, Galleria Borghese, Rome. By Bernini.
- The Ecstasy of St. Teresa (1645-52) Marble/bronze, Rome. By Bernini.
- Milo of Crotona (1671-82) Marble, Louvre. By Pierre Puget.
- Statue of Friedrick William The Great (1708) Berlin. By Andreas Schluter.

Greatest Neoclassical Statues

- Apollo (1715) Marble, State Art Collection, Dresden. By Balthasar Permoser.
- "The Marly Horse" (1739-45) Marble, Louvre. By Guillaume Coustou.
- "The Bronze Horseman" (1778) Bronze, St Petersburg. By Falconet.
- Apollo Crowning Himself (1781) Marble, Getty Museum. By Antonio Canova.
- Voltaire (Seated) (1781) Marble, Paris. By Jean-Antoine Houdon.
- Psyche Awakened by Eros (1787-93) Marble, Louvre. By Antonio Canova.
- Equestrian Statue of Joseph the Second (1806) Vienna. By F.A. von Zauner.

Greatest 19th-Century Statues

- Tarcisius, Christian Martyr (1868) Marble, Musee d'Orsay. By Falguiere.
- The Thinker (1881) Bronze, Paris. By Auguste Rodin.
- Statue of Liberty (1886) Copper, New York. By Frederic-Auguste Bartholdi.
- Burghers of Calais (1889) Bronze, Paris. By Rodin.
- Robert Burns (1892) Bronze, Aberdeen. By Henry Bain Smith.
- Monument to Balzac (1898) Bronze, Paris. By Rodin.

Greatest 20th Century Statues

- Standing Nude (1907) Stone, Pompidou Centre. By Andre Derain.
- Crouching Figure (1907) Museum of Modern Art, Vienna. Andre Derain.
- Kneeling Woman (1911) Museum of Modern Art, NY. By Wilhelm Lehmbruck.
- Red Stone Dancer (1913) Tate Gallery. By Henri Gaudier-Brzeska.
- Unique Forms of Continuity in Space (1913) Bronze, NYC. Umberto Boccioni.
- End of the Trail (1915) Bronze, Brookgreen Gardens. By James Earle Fraser.
- Seated Youth (1918) Stone, Frankfurt am Main. By Wilhelm Lehmbruck.
- Christ the Redeemer (1922-31) Soapstone, Rio de Janeiro. Paul Landowski.
- Women's Titanic Memorial (1931) Granite, Washington DC. By G. Whitney.
- Adam (1938) Alabaster, Harewood House, UK. By Jacob Epstein.
- Fighting Stallions (1950) Aluminium, S. Carolina. By Anna Hyatt Huntingdon.
- The Destroyed City (1953) Bronze, Rotterdam. By Ossip Zadkine.
- Walking Man (1960) Bronze, Various Museums. By Alberto Giacometti.
- The Motherland Calls (1967) Concrete, Volgagrad. By Yevgeny Vuchetich.
- Ushiku Daibutsu, Amitabha Buddha (1995) Stone/Bronze, Japan.
- The Famine (1996-7) Bronze, Custom House, Dublin. By Rowan Gillespie.
- Angel of the North (1998) Steel, Gateshead, UK. By Antony Gormley.
- Spring Temple Buddha (2002) Copper cast, Henan, China.
- Kailashnath Mahadev Statue (2004-11) Steel/Concrete, Bhaktapur, Nepal.

• For more about freestanding statuary, see: Visual Arts Encyclopedia.


It’s Raining Men! Art History’s 10 Best Alternative Male Nudes

From Ingres to Paul McCarthy, who has captured men's bodies best?

Charles Ray, Young Man (2012).

Ilse Haider, Mr. Big (2013).
Courtesy the Leopold Museum, Vienna.

Is the male body really so dull? La semana pasada guardián art critic Jonathan Jones published his latest in a series of listicles plundering art history for page-views, “The top 10 male nudes in art.” Aside from a couple of inspired picks—a Wolfgang Tillmans photo, Donatello’s David—it’s all very safe and predictable. Here, then, are artnet News’s 10 better male nudes.

Ilse Haider‘s Mr. Big (2013): The centerpiece of the Leopold Museum‘s controversial “Nude Men” exhibition—whose posters, featuring a Pierre & Gilles image of nude soccer players, were censored—became an improbable and irresistible photo op for visitors outside the Viennese institution.

Charles Ray, Young Man (2012).
Courtesy the artist and Matthew Marks Gallery.

Charles Ray‘s Young Man (2012): Though another of Ray’s full-scale male nudes met an ignomious end when Boy With Frog (2008) was removed from its canal-side perch in Venice, the artist has continued to develop his brand of hyperrealist statuary, most recently with a show of three solid stainless steel figures at Matthew Marks in late 2012. The most impressive of these, the nude and bearded Young Man, conjured the feeling of stumbling upon the “Hipster” display in a museum from the future.

David Altmejd, The Spiderman (2008).
Photo: j-No/Flickr.

David Altmejd‘s The Spiderman (2008): The fast-rising Canadian artist has been branching out into prismatic and fragmented mirror boxes filled with deconstructed figures and anthropomorphized objects, but his best-known works are still last decade’s exploding colossi. The partially decomposed Spiderman, with what looks like a portion of his nervous system jutting out of his torso, may be the most unsettling from that body of work.

Installation view of Paul McCarthy at SMAK, 2007.
Photo: lamazone/Flickr.

Most of Paul McCarthy‘s Work: More often than not, figures in McCarthy’s sculptures, videos, and labyrinthine installations are either nude or holding butt plugs. For his solo show at SMAK in 2007, he included two kinetic sculptures of male figures humping a tree and the floor, and in the next room both were laid out on tables, castrated.

Fernando Botero, Abu Ghraib 43 (2005).
Courtesy Marlborough Gallery.

Fernando Botero‘s Abu Ghraib Series (2005): The Columbian artist best known for his sculptures of endearingly curvy men, women, and animals tackled some uncharacteristically prickly subject matter in 2005 when he created a brutal series of paintings and drawings responding to the vile actions of US military offices at Iraq’s Abu Ghraib prison. “They may not be masterpieces, but that may not matter,” the New York Times‘s Roberta Smith wrote when Marlborough Gallery showed the works the following year. “They are among Mr. Botero’s best work, and in an art world where responses to the Iraq war have been scarce—literal or obscure—they stand out.

Nan Goldin, Joana dressing after the bath, Sag Harbor, NY (2001).
Courtesy the artist and Galería Javier López.

Nan Goldin‘s Joana dressing after the bath, Sag Harbor, NY (2001): Nudes of all genders abound in Goldin’s oeuvre, but few are as seemingly innocent and playful as this photo, which inverses the typical male-female power dynamic from art history.

Ron Mueck‘s Dead Dad (1996–97): The Australian hyperrealist sculptor knows his way around the male anatomy like few other contemporary artists, but Dead Dad may be his most provocative and moving nude.

Egon Schiele, Seated Male Nude (2010).
Via Wikimedia Commons.

Egon Schiele‘s Seated Male Nude (1910): The Austrian artist painted and sketched more than his share of skeletal male nudes, many of them self-portraits, but this work made when Schiele was just 20—8 years before his death—beautifully articulates the pain and anguish running throughout his oeuvre.

Auguste Rodin‘s La edad de bronce (1875/76): The patriarch of modern sculpture may be best-known for another, more pensive nude figure—The Thinker—but his personification of the bronze age is by far his most erotically charged portrayal of a solitary male figure.

Jean Auguste Dominique Ingres, Study of a Male Nude (1801).
Via Wikimedia Commons.

Jean Auguste Dominique Ingres’s Study of a Male Nude (1801): It may be a mere study técnicamente, but this strategically cropped half-length portrait of a young man is a testament to the diverse anatomical expertise of an artist best-known for painting nude women with very, very long backs.


Ver el vídeo: Esculturas En Bronce parte 3 - Horacio A. Cabrera (Enero 2022).