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¿Existe alguna influencia de la sinificación en los tiempos modernos?

¿Existe alguna influencia de la sinificación en los tiempos modernos?


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La sinificación es el proceso de cambiar una civilización a un estilo chino. Fue muy frecuente en la civilización coreana, un poco menos en Japón y muy poco en Vietnam.

¿Hay todavía algunos ejemplos de sinificación en los tiempos modernos?


El lugar que me viene a la mente es Singapur. Aunque físicamente es una isla en el extremo sur de la península malaya, casi una cuarta parte de la población es étnicamente china.

Esta mayoría no se logró hasta mediados de 1800, probablemente debido a los mismos factores que causaron una afluencia de chinos a los EE. UU. Aproximadamente al mismo tiempo.


Hay varios ejemplos en los que puedo pensar, pero admito que todos son de una sinificación muy leve.

  1. California del siglo XIX: hubo una gran afluencia de inmigrantes chinos, cuya cultura se ha infiltrado en la estadounidense. Los varios distritos grandes de ciudades de China en San Francisco y otras ciudades (incluso Nueva York) son un buen indicador, así como la prevalencia y popularidad de la comida china en la cultura estadounidense dominante.
  2. África oriental del siglo XXI: hay varias naciones en África oriental que actualmente participan en un comercio serio con China, principalmente en torno al suministro de materias primas, como la minería. Esto lo hacen principalmente empresas chinas, que traen su propio personal. Naturalmente, la cultura está siendo influenciada lentamente por todas las personas que la visitan, aunque, por supuesto, es demasiado pronto para saber qué tan profunda será la sinificación.
  3. Malasia: ha habido una gran influencia china en Malasia durante el último siglo. Tanto es así, que ha llevado (entre otras cosas) a la creación de Singapur, ya que la federación de Malasia trató de evadir esa influencia.

Eso es todo lo que se me ocurre en el tiempo disponible, editaré la respuesta si se me ocurre algo más.


Un par de puntos de datos:

primeramenteLa dinastía Song (960-1279) fue pionera en muchos métodos de finanzas, comercio y economía modernos. Después de Song, los mongoles gobernaron China y gran parte de Eurasia. Al administrar sus territorios civilizados, los mongoles utilizaron técnicas de administración y gestión económica que aprendieron de los Song. De hecho, emplearon a ingenieros y burócratas chinos en todo su imperio. Las clases de comerciantes del sur de Asia, Oriente Medio y Europa crecieron enormemente como resultado de este estilo de gestión, y las actividades comerciales (banca, acuerdos corporativos, gestión comercial) crecieron como resultado.

Asimismo, las manufacturas chinas como el té, la alfarería, la seda, etc., junto con las especias, se extendieron por Oriente Medio y Europa. La realeza y los ricos en estas áreas desarrollaron el gusto por estos bienes y empoderaron a los comerciantes para aumentar el comercio. (esto llevó directamente al colonialismo)

en segundo lugar, Matteo Ricci pasó cerca de 3 décadas (1582-1610) como asesor de los emperadores Ming. Hay mucho énfasis en la historia sobre su influencia en los tribunales Ming en relación con su introducción de la cultura europea allí y su conversión de muchos chinos al cristianismo. Se habla mucho menos del resultado de sus informes, y los informes de otros que siguieron sus pasos, sobre la estructura del estado chino, especialmente cómo estaba centralizado, y su burocracia meritocrática y exámenes de servicio civil, y su legalismo "estricto". .

Los estados europeos modernos a finales de los años 1700 y 1800 estructuraron sus estados centralizadores post-feudales de una manera inspirada en los métodos chinos.

¿Qué significa esto?

Gran parte de la sociedad moderna, con gobiernos seculares centralizados que gobiernan con métodos algo meritocráticos, con altas prioridades en el comercio y el nivel de vida, son el resultado de la influencia china en todo el mundo durante los últimos 1.000 años.

En resumen, el mundo entero está experimentando una "sinificación" en este mismo momento, ¡y ni siquiera te diste cuenta!

Una nota al margen: he tenido dificultades para construir una definición no racista de "sinificación" ya que China es un lugar realmente diverso. Las personas de la etnia Han en el sur de China y el norte de China son tan diferentes como Escandinavia y Egipto; ¿Significa esto que China aún no ha sido sinificada? ¿O significa que lo único en común es un estado secular centralizado con una organización económica administrada? Podría ser más fácil descartar el concepto de sinificación por completo y ver el mundo como un lugar donde las ideas fluyen en todas direcciones a la vez.


¿Integridad o influencia? Dentro del mundo de los masones modernos

Después de guardar de cerca sus secretos durante siglos, los masones británicos han pasado la última década tratando de abrir su organización y algunos de sus rituales al escrutinio externo.

Se han contratado consultores de relaciones públicas, se han abierto algunas puertas en el Freemasons 'Hall en el centro de Londres para el público y se ha permitido a los documentalistas entrar en las reuniones de la logia. Incluso hay feeds de Twitter de masones, y un hashtag, # ASK12B1.

El mensaje que se ha repetido a menudo ha sido que la masonería en el siglo XXI no debe verse como un asunto misterioso y clandestino. El mensaje tácito ha sido que el público en general no tiene nada que temer.

¿Qué es la masonería?

¿Cuándo comenzó la masonería?

La primera gran logia, establecida para gobernar la masonería en Inglaterra y Gales, se formó en 1717, durante una reunión en un pub de la ciudad de Londres llamado Goose and Gridiron. Pero en Escocia, una logia masónica en Edimburgo tiene registros que muestran que existe desde al menos 1599.

¿Por qué son tan reservados?

La masonería se basa en las fraternidades de canteros medievales que usarían palabras y símbolos secretos para reconocer la legitimidad de los demás. Durante algunos períodos de la historia, los masones han necesitado pasar a la clandestinidad para sobrevivir. Pero hay sospechas persistentes de que permanecen en secreto para ocultar la forma en que pueden ayudarse mutuamente en los negocios.

¿Hay algo de fundamento en estas afirmaciones?

Esos rumores rara vez se corroboran, y se espera que los albañiles juren que no participarán en "ningún acto que pueda tener una tendencia a subvertir la paz y el buen orden de la sociedad, al prestar la debida obediencia a las leyes de cualquier estado". ”.

¿Es la masonería una religión?

No, es un movimiento secular, aunque se espera que los nuevos miembros reconozcan la creencia en un ser superior parecido a Dios. Cualquiera que crea en una sola deidad puede ser admitido.

¿Se mantienen en secreto las identidades de todos los masones?

No, los albañiles individuales pueden declararse si lo desean, y los nombres de los oficiales superiores de la hermandad en Inglaterra y Gales se pueden encontrar en un anuario masónico. Sin embargo, muchos albañiles no revelan su membresía fuera de la hermandad.

Luego, en la víspera de Año Nuevo, el presidente saliente de la Federación de Policía, Steve White, arrojó una granada de mano a esta operación de gestión de reputación cuidadosamente elaborada, con una acusación de que los masones estaban bloqueando las reformas policiales y frustrando el progreso de las mujeres y los oficiales de negros y negros. comunidades étnicas minoritarias.

"Las personas que bloquearon el progreso en la Federación de Policía eran todos albañiles", dijo. "Y todos eran un dolor de cabeza".

Al leer la entrevista con White, muchas personas que no habían pensado en la masonería durante muchos años recordaron de inmediato la enorme sospecha que rodeaba a la organización durante los años 80 y 90.

Steve White alegó que los masones estaban bloqueando las reformas policiales. Fotografía: Teri Pengilley

Los oficiales de la Gran Logia Unida de Inglaterra (UGLE), el cuerpo gobernante de los masones en Inglaterra y Gales, estaban indignados. "La idea de que la reforma dentro de la Federación de Policía o en cualquier otro lugar esté siendo frustrada por un cuerpo organizado de masones es ridícula", dijo el director ejecutivo de UGLE, David Staples, en una carta a la prensa. Los agentes de policía y los albañiles disfrutaban de “valores organizativos compartidos de integridad y servicio a la comunidad”.

El problema de la masonería, sin embargo, es que existe un límite a su transparencia. Sigue siendo una sociedad secreta, o "una sociedad con secretos", como prefiere decirlo. Siempre habrá algunos en el exterior, incapaces de asomarse, que asumirán lo peor: que los lazos fraternos de la hermandad podrían alentar conductas indebidas en la vida pública.


1. Las luces sobre la autopista de peaje de Nueva Jersey (2001)

Los automovilistas necesitan mucho para detenerse junto a una carretera para mirar hacia el cielo, pero el 14 de julio de 2001, los conductores de la autopista de peaje de Nueva Jersey hicieron precisamente eso. Durante unos 15 minutos, justo después de la medianoche, se maravillaron al ver extrañas luces naranjas y amarillas en una formación en V sobre el Arthur Kill Waterway entre Staten Island, Nueva York y Carteret, Nueva Jersey. & # XA0Carteret Police Department & # x2019s El teniente Daniel Tarrant fue uno de los testigos, así como otros residentes del área metropolitana del puente Throgs Neck en Long Island y Fort Lee, Nueva Jersey, cerca del puente George Washington. & # XA0

Los controladores de tráfico aéreo inicialmente negaron que aviones, jets militares o vuelos espaciales pudieran haber causado las luces misteriosas, pero un grupo conocido como New York Strange Phenomena Investigators (NY-SPI) afirmó haber recibido datos de radar de la FAA que corroboraban los avistamientos de ovnis de esa noche.

LEE MAS: Historias de ovnis

Una imagen tomada de un video publicado por el Departamento de Defensa y el Programa de Identificación de Amenazas Aeroespaciales Avanzadas de un encuentro de 2004 cerca de San Diego entre dos aviones de combate F / A-18F de la Armada y un objeto desconocido. (Crédito: Departamento de Defensa de EE. UU. A través de The New York Times / Redux)

Departamento de Defensa de EE. UU. A través de The New York Times / Redux


Interiores modernos georgianos

Gran parte del diseño de papel tapiz tiende a seguir las tendencias actuales en textiles. El período de la Regencia no fue una excepción a esta costumbre. Los patrones de Trompe L’oeil (como arriba) eran muy populares y estaban bellamente ejecutados. Las columnas, las heladas y los pilares se utilizaron a menudo en un intento de engañar a la vista. Flores, figuras, frutas y urnas eran imágenes típicas que encontraría utilizadas.

Impresión de bandada

Las interpretaciones modernas han visto cómo los patrones de bandada de la era de la regencia han vuelto en los últimos años. A menudo se encuentran en dos colores llamativos, los patrones intrincados se han reutilizado en telas, papel tapiz y muebles blandos. Es difícil encontrar una casa moderna hoy en día que no haya tomado el papel tapiz de damasco flocado y haya hecho una declaración en la pared. El damasco y el papel tapiz impreso tienen la capacidad instantánea de animar cualquier habitación a un costo bastante bajo y bajo nivel de esfuerzo.

Muebles espejados

Los muebles con espejos se pusieron muy de moda hace unos años y siguen siendo populares hoy en día. En cuanto a la pieza de arriba, diseñada por William Yeoward e inspirada en el estilo Chinoiserie, encajaría maravillosamente en cualquier esquema moderno. Los muebles con espejos pueden ser un poco caros y necesitan una limpieza regular para mantener su apariencia impecable, pero realmente agregan el factor sorpresa a una habitación.

Sofás Chesterfield

Los sofás Chesterfield han sido un ejemplo clásico del diseño inglés popular durante muchos años. El origen de la palabra & # 8216chesterfield & # 8217 es un poco borroso, y algunos lo atribuyen al estilo que se hizo durante el reinado del conde de Chesterfield. El distintivo cuero abotonado es el diseño clásico que todos conocemos y amamos. Las adaptaciones posteriores han hecho que el diseño se haya simplificado un poco y se hayan utilizado otras telas. Los terciopelos de colores llamativos son muy populares en este momento y a menudo los verás usados ​​en Chesterfields, como este a continuación. ¡Son una verdadera pieza de inversión y tienen tanta demanda ahora como hace más de cien años!

El espejo del resplandor solar

El resurgimiento de la popularidad del espejo sunburst, que se remonta al siglo XVII con el reinado de Luis XIV de Francia, conocido en el mundo como el "Rey Sol", ha añadido un toque de glamour a nuestros interiores. Al parecer, al rey Luis le gustaba mirarse en un espejo con rayos de sol cuando se despertaba por la mañana para poder ver los rayos del sol que irradiaban desde su cabeza. El resplandor solar se encontró en espejos y otras obras de arte en todo el mundo durante el período del Renacimiento y hasta los tiempos modernos.

Las elaboradas cortinas y adornos todavía adornan algunas de nuestras propiedades más glamorosas. Si tiene la suerte de tener la gran escala de ventanas que se encuentran en muchas casas de estilo Regency y georgiano, ciertamente puede disfrutar de estos efectos. Hoy en día todavía hay una gran cantidad de diseños de remates, a juego con tanta grandeza, con un toque contemporáneo para actualizarlos.

Como diseñadora de interiores en Bath que trabaja en Etons of Bath, me especializo en tomar influencias de la historia y actualizarlas en los hogares modernos. Para obtener ayuda, llámenos al 01225 639002.


Perspectivas y amp Art

La dinastía Tang a menudo se consideraba la encarnación perfecta de la cultura y los valores chinos, elogiada por ser un período sofisticado e influyente de la historia china. Sin embargo, paradójicamente, la familia gobernante Tang tenía distintas conexiones con los nómadas de la pendiente y con culturas que se consideraban inferiores en contraste con los chinos basados ​​en la agricultura. La dinastía Tang fue un período en el que los cimientos de la identidad china se infundieron con influencias extranjeras, sin embargo, estos valores se convertirían en elementos básicos permanentes de la historia china.

Bajo la dinastía Tang, China dio pasos significativos hacia la adopción de la comercialización a medida que el comercio con países extranjeros se volvía cada vez más esencial para la prosperidad económica del imperio. La evolución del budismo de un dogma con raíces indias indiscutibles a un sistema de creencias que era inherentemente chino también ocurrió durante la dinastía Tang. Esto solidificaría la importancia y el legado de la fe en todos los aspectos de China durante muchos siglos después. El Tang fue significativo porque sentó el precedente para todas las dinastías chinas posteriores: significó la transición de la China medieval a la China moderna temprana, donde la nación se convirtió en la piedra angular del mundo de Asia oriental.

Bajo la dinastía Tang, las dicotomías de la identidad china comenzaron a cambiar hacia algo más inclusivo culturalmente. Si bien los chinos continuaron viéndose a sí mismos como culturalmente superiores a sus vecinos, las distinciones entre "bárbaros" y "chinos" comenzaron a difuminarse durante este período. Las raíces nómadas y turcas que la familia Tang había significado la infusión de creencias y prácticas externas fueron apoyadas por el gobierno.

En este período, el cambio de China hacia la mercantilización también resultó en un intercambio cultural entre naciones, aunque esto se explorará más adelante en el ensayo. Es importante comprender que los cambios y sus repercusiones a menudo estaban interrelacionados y no deberían considerarse intrínsecamente separados. Durante la primera mitad de la dinastía Tang, China comenzó a restablecer las conexiones políticas con los estados "bárbaros" a medida que fomentaban políticas de expansión. Esto incluyó casar a la princesa con familias nobles que vivían en el acantilado para crear la alianza sino-altaica con las naciones de Asia Central. Podría decirse que este progreso solo fue posible debido a una diplomacia similar, redes políticas e ideologías entre la familia gobernante Tang y otros aristócratas circundantes.

El Imperio Tang también lideró guerras de expansión en estados vecinos como Corea, Japón y Vietnam del Norte en un intento por recuperar el territorio de la dinastía Han. El deseo de los emperadores Tang de emular a la dinastía Han es un tema recurrente a lo largo de su gobierno combinado con el intento de solidificar su percepción como una auténtica & # 8216Chinness & # 8217. Esto también se refleja en el apoyo de Tang al taoísmo, un dogma inequívocamente chino. que recibió el título de la religión más alta del estado en 625 y 637. En esta etapa, el budismo aún no se había sometido a la sinificación y, por lo tanto, el estigma de ser culturalmente extranjero no había desvanecido un estigma que los Tang intentaron evitar. La decisión de los Tang de cambiar el nombre de su capital de Daxingcheng a Chang'an después de la capital del imperio Han, refleja aún más el deseo de los Tang de presentarse como el renacimiento de la nación china.

El Tang fue un período de transformación, la dinastía cerca del final de su reinado fue muy diferente a la dinastía fundada por Li Yuan en 618. A pesar de los intentos de Tang de reconstruir un imperio similar al Han en términos de tamaño y legado cultural, el Tang abandonó muchas políticas e instituciones cuyos orígenes se encuentran en los Han. El intercambio cultural es una relación que funciona en ambos sentidos y mientras el Imperio Tang exportaba valores chinos a sus vecinos, su sociedad también estaba siendo moldeada por fuerzas externas.

Algunos de estos cambios incluyeron la eliminación de la práctica de redistribuir periódicamente las tierras de propiedad estatal a las familias y, finalmente, frenar la prominencia y el poder de las familias de élite. En general, estas tendencias dieron como resultado una mayor libertad para las personas, las familias y las empresas, lo que abrió la posibilidad de un mayor comercio internacional, que fue en parte responsable del aumento de los niveles de urbanización. En menor escala, la equitación y la adopción del laúd en la cultura china reflejan la difuminación de las barreras entre los `` bárbaros '' y los `` chinos '' auténticos. A menudo se practicaba la matanza de parientes por el trono, para gran sorpresa de sus súbditos chinos 'Han'. A menudo se argumenta que las dinastías Sui y Tang fueron las procesadoras del Yuan, además de su herencia "bárbara" entre las tres dinastías, todas conducen a China a través de un período de capitalismo a través de políticas expansionistas como la guerra y el aumento del comercio.

Durante la dinastía Tang, la tierra del corazón cultural y económico de China se desplazó hacia el sur, lo que permitió que las eventuales percepciones de ser "Han" o "chino" se asociaran firmemente con la geografía bajo el río Amarillo. Esto es en parte responsable de la interpretación de los valores y creencias del sur de China como el fundamento por excelencia de la identidad "Han" incluso durante el Imperio Qing, cuando los manchúes eran la minoría gobernante. Parte del cambio se debió a que la dinastía Sui abrió la cuenca de drenaje del río Yangzi y, después de que se drenaron las tierras bajas pantanosas, la productividad agrícola del sur de China aumentó drásticamente. El prototipo de una capital del norte distante pero militarmente superior que controlaba el sur y utilizaba su producción agrícola para apoyar al gobierno y fomentar el comercio se convirtió posteriormente en el estándar para muchos imperios.

A medida que las rutas de la "seda" que permitían el comercio entre Asia Central y Asia Oriental se vieron interrumpidas por el surgimiento de un estado tibetano y la creciente influencia del Islam en las regiones occidentales de China, el gobierno de Tang se inclinó hacia el intercambio de mercancías a través del comercio marítimo. Debido a que muchas de las ciudades del sur estaban ubicadas a lo largo de la costa, pasar al comercio marítimo era un método de comercio natural y de esfuerzo. Estos vínculos comerciales reavivados llevan a muchos extranjeros a establecerse en China y viceversa, un paso importante para una mayor distorsión de la identidad tradicional china.

La urbanización y comercialización del Imperio Tang creó las condiciones perfectas para que China entrara en su era de la literatura más prestigiosa y respetada, ya que la producción artística se había alejado de la naturaleza estática de las cortes y se había convertido en ciudades urbanas cada vez más ricas. Los poemas e historias reflejaban su lugar de origen y generalmente se ubicaban dentro de un área metropolitana, con temas recurrentes como el ocio y la relajación que se encuentran dentro de los burdeles y otros establecimientos de placer. Irónicamente, muchos de los textos más importantes de China surgieron no durante un período de aislamiento en el que se permitió que los valores chinos se filtraran en la sociedad sin contaminación extranjera, sino durante un período en el que los límites y las distinciones de la sociedad fueron desafiados y alterados.

La dinastía Tang, más que cualquier gobierno chino anterior a ellos, logró difundir con éxito los cimientos de la cultura china a las naciones circundantes. Aunque el aumento del comercio internacional a países como India, Corea y Japón jugó un papel importante para este intercambio. Un rasgo definitorio de los Siu y Tang era su inclusión cultural, sin duda en parte debido a su linaje no chino. Si bien China todavía se consideraba el punto de referencia de la civilización y el centro del mundo, sus actitudes condescendientes hacia los bárbaros circundantes se habían suavizado. Muchos estados de Asia oriental a menudo buscaron alguna forma de reconocimiento dentro del arreglo del orden mundial de China, incluso si eso significaba que su país se colocaría en una posición de sumisión. Estados como Vietnam, Corea y Japón adoptaron la caligrafía china tradicional como su idioma oficial escrito y rindieron homenaje al gobierno Tang más poderoso como vasallos. De manera similar, la moda y la música de élite chinas se convirtieron en la norma para otras cortes asiáticas que se apresuraron a unir su nombre a la mística y la grandeza de la cultura china establecida. Los principios confucianos como el patriarcado y la piedad filial son solo algunos de los elementos persistentes que se encuentran en muchos países del este de Asia y se propagan a través del contacto con la dinastía Tang.

Fue durante el período del gobierno Tang cuando el budismo se convirtió en un sistema de creencias incrustado en las creencias tradicionales chinas, rompiendo así la etiqueta extranjera que lo había seguido desde su concepción en la India. Si bien el taoísmo era la religión respaldada por el estado, el budismo era posiblemente más influyente y popular y su importancia política, cultural y religiosa se consolidó durante la dinastía Tang. A diferencia del taoísmo, el budismo estaba muy entrelazado con los plebeyos y los monasterios desempeñaban un papel notable en la sociedad, a veces actuando como albergue, hospital u orfanato según su contexto. Se podría argumentar que el budismo prosperó en los siguientes capítulos de la historia de China porque, a diferencia del taoísmo, parecía más accesible y fácil de identificar para la mayoría de los ciudadanos chinos.

El budismo experimentó dos períodos de cambio donde sus enseñanzas y filosofías fueron reinterpretadas hasta que sufrió una intensa sinificación y así emergió como budismo chino. Desde el momento en que el budismo entró en China alrededor de la dinastía Han hasta el año 400, se enfatizaron elementos específicos del budismo solo si estaban sincronizados con las creencias chinas existentes. Desde 400-600, el budismo en China fue reinterpretado sin prejuicios culturales, los pensadores chinos buscaron comprender la fe desde sus orígenes, lo que a menudo significaba abrazar una perspectiva india o centroasiática. Este cambio de pensamiento coincidió con la entrada de la India en su "edad de oro" bajo el gobierno de Gupta, que vio a la India hacer avances en muchos campos como la ciencia, la filosofía y la ingeniería, lo que permitió que India se convirtiera en el corazón cultural e intelectual de Asia.

Sin embargo, a medida que la dinastía Tang saltó a la fama en el siglo VI, el desequilibrio de poder se inclinó a favor de China, creando la situación ideal para alimentar una interpretación china del budismo que rechazaba las lecturas externas. Los primeros signos de que la India perdió su control sobre el dogma budista se produjeron en 601 y 602 cuando el emperador Sui Wen ordenó un gran festival para celebrar las posesiones de China de los restos del Buda. Esta afirmación legitimó la influencia de China en la naturaleza cambiante de las enseñanzas budistas. El emperador Wen también ordenó que los textos que registran el festival se traduzcan al sánscrito, revirtiendo simbólicamente el movimiento de los escritos religiosos e inculcando una perspectiva exclusivamente china en el budismo.

A medida que el Imperio Tang comenzó a gobernar China, India comenzó a salir de su período dorado de descubrimiento e innovación y cada vez más Asia Central estaba experimentando la islamización. Esta afluencia de cultura extranjera a la India finalmente resultó en la conquista musulmana en el siglo IX que expulsó al budismo de su bastión en el Ganges. Reforzando la reubicación del budismo en China estaba la creencia de que en el siglo VI el budismo se estaba desvaneciendo lentamente en la oscuridad dentro de la India y el continente asiático en general. Así, cuando se restableció el budismo en la China Tang, existía la creencia de que la nueva era de la religión requería nuevos textos para difundir un enfoque moderno del dogma. Como se mencionó anteriormente, existen grandes diferencias entre las variantes más tradicionales del budismo tibetano e indio en contraste con la versión china: estas incluían un enfoque más fuerte en las deidades y la importancia de los linajes maestro-discípulo en este último. La sinificación del budismo es clara ya que el significado de los linajes maestro-discípulo es un vínculo directo con los ideales confucianos, como una sociedad jerárquica masculina-excéntrica y creencias como la piedad filial. Otros ejemplos de sinificación incluyen la asimilación de famosas figuras budistas indias como el rey Manjusri, que en el siglo XI fue ampliamente aceptado que nació en las regiones occidentales de China.

Esta sinificación del budismo es un elemento clave de la dinastía Tang que tuvo importantes repercusiones en los siguientes capítulos de la historia china. Incluso hoy en día persiste la percepción del budismo como un sistema de creencias que no se originó en la India, sino en el este de Asia. La ruptura de las rutas comerciales de China a Asia Central debido al surgimiento del Islam significó que China miró hacia el Este en busca de comercio y expansión, otro factor por el cual el budismo chino contiene muchos conceptos poco ortodoxos en comparación con las variantes indias o tibetanas.

El surgimiento del budismo en China fue en parte responsable de la eventual adopción de la creencia por parte de Mongolia y, por lo tanto, plantó las semillas de una relación muy complicada entre el Tíbet y China, que originalmente comenzó con la de un sacerdote y un maestro, respectivamente. Del mismo modo, a medida que la popularidad del taoísmo se desvaneció particularmente en la dinastía Yuan, el budismo gradualmente se entrelazó más con la política con gobernantes como la emperatriz Tang Wu, que afirmó que ella era la reencarnación de Maitrya, una acción que no era infrecuente.

La dinastía Tang fue un período de inmenso cambio en la cultura y la identidad chinas; sin embargo, detrás de esta transformación, los aspectos de la sociedad china se estaban volviendo cada vez más distintos, particularmente en la segunda mitad del imperio. Los tres elementos del cambio, el budismo, la comercialización y la adopción de prácticas nómadas, que se discuten en este ensayo, están muy entrelazados y su impacto en la sociedad debe reconocerse como un todo en lugar de analizarse como factores separados.

Sin que los Tang pusieran fin a algunas costumbres como la división anual de tierras de propiedad del gobierno o restringieran la influencia de las familias de élite, tendencias como el capitalismo o la urbanización no habrían sucedido. El intercambio de bienes y productos conduciría más tarde a la expansión de la filosofía china en el este de Asia y se argumenta que parte de la razón por la que el budismo apareció por primera vez en China se debió a la demanda de seda en la India. De manera similar, el surgimiento de los Tang y la adopción de la equitación y la asimilación del matrimonio levirato en la corte significaron la confusión de la identidad china. La dinastía Tang fue y es considerada como el modelo de un estado chino perfecto, que fue económica y militarmente exitoso sin dejar de ser fundamentalmente chino. Irónicamente, en un examen más detenido, la dinastía Tang también fue responsable de incorporar muchos valores culturales que se consideraban ajenos a muchos de sus temas, cambiando para siempre las dicotomías de la "china".


Cómo la genética está cambiando nuestra comprensión de la "raza"

En 1942, la antropóloga Ashley Montagu publicó "El mito más peligroso del hombre: la falacia de la raza,”Un libro influyente que argumentó que la raza es un concepto social sin base genética. Un ejemplo clásico que se cita a menudo es la definición inconsistente de "negro". En los Estados Unidos, históricamente, una persona es "negra" si tiene ascendencia africana subsahariana en Brasil, una persona no es "negra" si se sabe que tiene ascendencia europea. Si "negro" se refiere a diferentes personas en diferentes contextos, ¿cómo puede haber alguna base genética para ello?

A partir de 1972, los hallazgos genéticos comenzaron a incorporarse a este argumento. Ese año, el genetista Richard Lewontin publicó un importante estudio sobre la variación de los tipos de proteínas en la sangre. Agrupó las poblaciones humanas que analizó en siete "razas" (euroasiáticos occidentales, africanos, asiáticos orientales, sudasiáticos, nativos americanos, oceánicos y australianos) y descubrió que alrededor del 85 por ciento de la variación en los tipos de proteínas podría explicarse por la variación. dentro de poblaciones y "razas", y solo el 15 por ciento por variación a través de ellos. En la medida en que hubo variación entre los humanos, concluyó, la mayor parte se debió a "diferencias entre individuos".

De esta manera, se estableció un consenso de que entre las poblaciones humanas no existen diferencias lo suficientemente grandes como para sustentar el concepto de "raza biológica". En cambio, se argumentó, la raza es una “construcción social”, una forma de categorizar a las personas que cambia con el tiempo y entre países.

Es cierto que la raza es una construcción social. También es cierto, como escribió el Dr. Lewontin, que las poblaciones humanas "son notablemente similares entre sí" desde un punto de vista genético.

Pero a lo largo de los años, este consenso se ha transformado, aparentemente sin cuestionamientos, en una ortodoxia. La ortodoxia sostiene que las diferencias genéticas promedio entre las personas agrupadas de acuerdo con los términos raciales actuales son tan triviales cuando se trata de rasgos biológicos significativos que esas diferencias pueden ignorarse.

La ortodoxia va más allá, sosteniendo que deberíamos estar ansiosos por cualquier investigación sobre las diferencias genéticas entre poblaciones. La preocupación es que tal investigación, sin importar cuán bien intencionada sea, está ubicada en una pendiente resbaladiza que conduce a los tipos de argumentos pseudocientíficos sobre la diferencia biológica que se utilizaron en el pasado para tratar de justificar la trata de esclavos, el movimiento eugenésico y la Asesinato nazi de seis millones de judíos.

Siento una profunda simpatía por la preocupación de que los descubrimientos genéticos puedan utilizarse indebidamente para justificar el racismo. Pero como genetista también sé que simplemente ya no es posible ignorar las diferencias genéticas promedio entre "razas".

En las últimas dos décadas se han realizado avances revolucionarios en la tecnología de secuenciación de ADN. Estos avances nos permiten medir con una precisión exquisita qué fracción de la ascendencia genética de un individuo se remonta a, digamos, África Occidental hace 500 años, antes de la mezcla en las Américas de los acervos genéticos de África Occidental y Europa que estaban casi completamente aislados por última vez. 70.000 años. Con la ayuda de estas herramientas, estamos aprendiendo que, si bien la raza puede ser una construcción social, las diferencias en la ascendencia genética que se correlacionan con muchas de las construcciones raciales actuales son reales.

Estudios genéticos recientes han demostrado diferencias entre poblaciones no solo en los determinantes genéticos de rasgos simples como el color de la piel, sino también en rasgos más complejos como las dimensiones corporales y la susceptibilidad a enfermedades. Por ejemplo, ahora sabemos que los factores genéticos ayudan a explicar por qué los europeos del norte son en promedio más altos que los europeos del sur, por qué la esclerosis múltiple es más común en los estadounidenses de origen europeo que en los afroamericanos y por qué ocurre lo contrario en la enfermedad renal en etapa terminal. .

Me preocupa que personas bien intencionadas que niegan la posibilidad de diferencias biológicas sustanciales entre las poblaciones humanas se estén hundiendo en una posición indefendible, una que no sobrevivirá al ataque de la ciencia. También me preocupa que cualquier descubrimiento que se haga, y realmente no tenemos idea todavía de lo que será, se cite como una "prueba científica" de que los prejuicios y las agendas racistas han sido correctos todo el tiempo, y que esas personas bien intencionadas no lo harán. comprender la ciencia lo suficientemente bien como para rechazar estas afirmaciones.

Por eso es importante, incluso urgente, que desarrollemos una manera sincera y científicamente actualizada de discutir tales diferencias, en lugar de meter la cabeza en la arena y ser sorprendidos desprevenidos cuando se encuentran.

Para tener una idea de cómo se ve la investigación genética moderna sobre las diferencias biológicas promedio entre poblaciones, considere un ejemplo de mi propio trabajo. A partir de 2003, comencé a explorar si la mezcla de población que se ha producido en los últimos cientos de años en las Américas podría aprovecharse para encontrar factores de riesgo de cáncer de próstata, una enfermedad que ocurre 1,7 veces más a menudo en los afroamericanos autoidentificados que en en europeos-americanos autoidentificados. Esta disparidad no había sido posible de explicar basándose en las diferencias dietéticas y ambientales, lo que sugiere que los factores genéticos podrían influir.

Los afroamericanos autoidentificados derivan, en promedio, alrededor del 80 por ciento de su ascendencia genética de africanos esclavizados traídos a América entre los siglos XVI y XIX. Mis colegas y yo buscamos, en 1.597 hombres afroamericanos con cáncer de próstata, ubicaciones en el genoma donde la fracción de genes aportados por los antepasados ​​de África occidental era mayor que en otras partes del genoma. En 2006, encontramos exactamente lo que estábamos buscando: una ubicación en el genoma con aproximadamente un 2,8 por ciento más de ascendencia africana que el promedio.

Cuando analizamos con más detalle, encontramos que esta región contenía al menos siete factores de riesgo independientes para el cáncer de próstata, todos más comunes en los africanos occidentales. Nuestros hallazgos podrían explicar por completo la tasa más alta de cáncer de próstata en los afroamericanos que en los euroamericanos. Podríamos concluir esto porque los afroamericanos que tienen ascendencia completamente europea en esta pequeña sección de sus genomas tenían aproximadamente el mismo riesgo de cáncer de próstata que los europeos al azar.

¿Esta investigación se basó en términos como "afroamericano" y "europeo-americano" que están construidos socialmente, y etiquetó segmentos del genoma como probablemente de origen "africano occidental" o "europeo"? Si. ¿Esta investigación identificó factores de riesgo reales de enfermedad que difieren en frecuencia entre esas poblaciones, lo que condujo a descubrimientos con el potencial de mejorar la salud y salvar vidas? Si.

Si bien la mayoría de las personas estarán de acuerdo en que es importante encontrar una explicación genética para una tasa elevada de enfermedad, a menudo trazan la línea allí. Encontrar influencias genéticas en la propensión a la enfermedad es una cosa, argumentan, pero buscar tales influencias en el comportamiento y la cognición es otra.

Pero nos guste o no, esa línea ya se ha cruzado. Un estudio reciente dirigido por el economista Daniel Benjamin recopiló información sobre el número de años de educación de más de 400.000 personas, casi todas de ascendencia europea. Después de controlar las diferencias en los antecedentes socioeconómicos, él y sus colegas identificaron 74 variaciones genéticas que están sobrerrepresentadas en genes que se sabe que son importantes en el desarrollo neurológico, cada una de las cuales es indiscutiblemente más común en los europeos con más años de educación que en los europeos con menos Años de educación.

Aún no está claro cómo operan estas variaciones genéticas. Un estudio de seguimiento de islandeses dirigido por el genetista Augustine Kong mostró que estas variaciones genéticas también empujan a las personas que las portan a retrasar el tener hijos. Por lo tanto, estas variaciones pueden estar explicando tiempos más largos en la escuela al afectar un comportamiento que no tiene nada que ver con la inteligencia.

A este estudio se le han sumado otros que han encontrado predictores genéticos del comportamiento. Uno de ellos, dirigido por la genetista Danielle Posthuma, estudió a más de 70.000 personas y encontró variaciones genéticas en más de 20 genes que eran predictivos del rendimiento en pruebas de inteligencia.

¿El rendimiento en una prueba de inteligencia o el número de años de escuela a los que asiste una persona depende de la forma en que se cría? Por supuesto. Pero mide alguna cosa tener que ver con algunos aspecto de la conducta o la cognición? Casi seguro. Y dado que se espera que todos los rasgos influenciados por la genética difieran entre las poblaciones (porque las frecuencias de las variaciones genéticas rara vez son exactamente las mismas entre las poblaciones), las influencias genéticas en el comportamiento y la cognición también diferirán entre las poblaciones.

A veces escuchará que es probable que las diferencias biológicas entre las poblaciones sean pequeñas, porque los humanos se han separado demasiado recientemente de los ancestros comunes como para que hayan surgido diferencias sustanciales bajo la presión de la selección natural. Esto no es verdad. Los antepasados ​​de los asiáticos orientales, europeos, africanos occidentales y australianos estuvieron, hasta hace poco, casi completamente aislados unos de otros durante 40.000 años o más, tiempo más que suficiente para que las fuerzas de la evolución funcionen. De hecho, el estudio dirigido por el Dr. Kong mostró que en Islandia, ha habido una selección genética medible contra las variaciones genéticas que predicen más años de educación en esa población en los últimos años. siglo.

Para entender por qué es tan peligroso para los genetistas y antropólogos simplemente repetir el viejo consenso sobre las diferencias de la población humana, considere qué tipo de voces están llenando el vacío que está creando nuestro silencio.Nicholas Wade, periodista científico de The New York Times desde hace mucho tiempo, señala acertadamente en su libro de 2014, "Una herencia problemática: genes, raza e historia humana", que la investigación moderna está desafiando nuestro pensamiento sobre la naturaleza de las diferencias de la población humana. Pero continúa haciendo la afirmación infundada e irresponsable de que esta investigación sugiere que los factores genéticos explican los estereotipos tradicionales.

Una de las fuentes clave de Wade, por ejemplo, es el antropólogo Henry Harpending, quien ha afirmado que las personas de ascendencia africana subsahariana no tienen propensión a trabajar cuando no tienen que hacerlo porque, afirma, no pasaron por el tipo de selección natural para el trabajo duro en los últimos miles de años que hicieron algunos euroasiáticos. Simplemente no hay evidencia científica que respalde esta afirmación. De hecho, como señalamos 139 genetistas (incluyéndome a mí) en una carta al New York Times sobre el libro del Sr. Wade, no hay evidencia genética que respalde ninguno de los estereotipos racistas que promueve.

Otro ejemplo de alto perfil es James Watson, el científico que en 1953 co-descubrió la estructura del ADN y que se vio obligado a retirarse como director de los Laboratorios Cold Spring Harbor en 2007 después de que declaró en una entrevista, sin ninguna evidencia científica, Esa investigación ha sugerido que los factores genéticos contribuyen a una menor inteligencia en los africanos que en los europeos.

En una reunión unos años después, el Dr. Watson nos dijo a mí y a mi compañera genetista Beth Shapiro algo como: "¿Cuándo van a descubrir por qué ustedes los judíos son mucho más inteligentes que todos los demás?" Afirmó que los judíos eran grandes triunfadores debido a las ventajas genéticas conferidas por miles de años de selección natural para ser eruditos, y que los estudiantes de Asia oriental tendían a ser conformistas debido a la selección para la conformidad en la antigua sociedad china. (Contactado recientemente, el Dr. Watson negó haber hecho estas declaraciones, sosteniendo que no representan sus puntos de vista, el Dr. Shapiro dijo que su recuerdo coincidía con el mío).

Lo que hace que las declaraciones del Dr. Watson y del Sr.Wade sean tan insidiosas es que comienzan con la observación precisa de que muchos académicos están negando de manera inverosímil la posibilidad de diferencias genéticas promedio entre las poblaciones humanas, y luego terminan con una afirmación, respaldada por ninguna evidencia, de que saber cuáles son esas diferencias y que corresponden a estereotipos racistas. Utilizan la renuencia de la comunidad académica para discutir abiertamente estos temas tensos para proporcionar una cobertura retórica para ideas llenas de odio y viejas patrañas racistas.

Es por eso que los científicos expertos deben hablar. Si nos abstenemos de establecer un marco racional para discutir las diferencias entre las poblaciones, corremos el riesgo de perder la confianza del público y contribuimos activamente a la desconfianza en la experiencia que ahora prevalece tanto. Dejamos un vacío que se llena con la pseudociencia, un resultado que es mucho peor que cualquier cosa que pudiéramos lograr hablando abiertamente.

Si los científicos pueden estar seguros de algo, es que lo que sea que creemos actualmente sobre la naturaleza genética de las diferencias entre poblaciones, probablemente sea incorrecto. Por ejemplo, mi laboratorio descubrió en 2016, basado en nuestra secuenciación de genomas humanos antiguos, que los "blancos" no se derivan de una población que existió desde tiempos inmemoriales, como algunas personas creen. En cambio, los "blancos" representan una mezcla de cuatro poblaciones antiguas que vivieron hace 10.000 años y que eran tan diferentes entre sí como lo son hoy los europeos y los asiáticos orientales.

Entonces, ¿cómo debemos prepararnos para la probabilidad de que en los próximos años, los estudios genéticos muestren que muchos rasgos están influenciados por variaciones genéticas y que estos rasgos diferirán en promedio entre las poblaciones humanas? Será imposible, de hecho, anticientífico, tonto y absurdo, negar esas diferencias.

Para mí, una respuesta natural al desafío es aprender del ejemplo de las diferencias biológicas que existen entre hombres y mujeres. Las diferencias entre los sexos son mucho más profundas que las que existen entre las poblaciones humanas, reflejando más de 100 millones de años de evolución y adaptación. Los machos y las hembras se diferencian por grandes extensiones de material genético: un cromosoma Y que tienen los machos y que las hembras no, y un segundo cromosoma X que las hembras tienen y los machos no.

Casi todo el mundo acepta que las diferencias biológicas entre hombres y mujeres son profundas. Además de las diferencias anatómicas, los hombres y las mujeres presentan diferencias medias en tamaño y fuerza física. (También hay diferencias promedio en el temperamento y el comportamiento, aunque hay importantes preguntas sin resolver sobre hasta qué punto estas diferencias están influenciadas por las expectativas sociales y la educación).

¿Cómo acomodamos las diferencias biológicas entre hombres y mujeres? Creo que la respuesta es obvia: ambos debemos reconocer que existen diferencias genéticas entre hombres y mujeres y debemos otorgar a cada sexo las mismas libertades y oportunidades independientemente de esas diferencias.

De las desigualdades que persisten entre mujeres y hombres en nuestra sociedad se desprende claramente que cumplir estas aspiraciones en la práctica es un desafío. Sin embargo, conceptualmente es sencillo. Y si este es el caso de hombres y mujeres, entonces seguramente será el caso de las diferencias que podamos encontrar entre las poblaciones humanas, la gran mayoría de las cuales serán mucho menos profundas.

Un desafío permanente para nuestra civilización es tratar a cada ser humano como un individuo y empoderar a todas las personas, independientemente de la mano que se les reparta desde la baraja de la vida. En comparación con las enormes diferencias que existen entre los individuos, las diferencias entre las poblaciones son en promedio muchas veces más pequeñas, por lo que debería ser solo un desafío modesto adaptarse a una realidad en la que las contribuciones genéticas promedio a los rasgos humanos difieren.

Es importante afrontar todo lo que la ciencia nos revele sin prejuzgar el resultado y con la confianza de que podemos ser lo suficientemente maduros para manejar cualquier hallazgo. Argumentar que no son posibles diferencias sustanciales entre las poblaciones humanas solo invitará al uso racista y abusivo de la genética que deseamos evitar.


Los uigures y el destino de China

Se cree que más de un millón de musulmanes uigures en su provincia natal de Xinjiang, China, han sido internados en "campos de reeducación" por las autoridades chinas. Otros 2 millones que aún viven en el exterior viven en uno de los regímenes de vigilancia más rigurosos del mundo. Los uigures en China viven con el temor constante de ser detenidos arbitrariamente y pueden esperar una rápida retribución por cualquier expresión de identidad turca o musulmana, hasta el extremo absurdo de que darle a su hijo un nombre musulmán tradicional es ilegal.

Naturalmente, esto ha causado una gran preocupación en la comunidad internacional de trabajadores humanitarios por el destino de los uigures. Afortunadamente, parece que la política de China no es la matanza masiva de este pueblo, pero ciertamente está tratando de borrar su identidad distintiva. Los uigures pueden vivir, pero solo si dejan de ser tan… uigures.

He escrito extensamente en otra parte sobre la dimensión humanitaria de la crisis, sobre el fracaso de los países musulmanes en suplicar a China en nombre de sus compañeros musulmanes y sobre el preocupante precedente que esto sienta para los grupos minoritarios en toda la creciente esfera de influencia de China. Pero vale la pena tomarse un minuto para considerar lo que esto dice sobre China y el futuro del Partido Comunista Chino.

La política de China en Xinjiang, una política de sinificación, es un intento descarado de "construir una nación" en un área donde las autoridades chinas aparentemente creen que no tienen una autoridad moral clara para gobernar, muy similar a su enfoque en el Tíbet. Sin embargo, a diferencia del Tíbet, sí, hay un pequeño movimiento separatista uigur en Xinjiang, pero esto nunca supuso una amenaza realista de secesión. Irónicamente, al elevar la retórica suelta de una minoría de activistas políticos al estado de amenaza existencial a la autoridad de Beijing, el estado chino está amplificando su mensaje y dándole el peso que nunca antes pudo haber tenido.

Pero para ambos lados, los separatistas uigures o los de línea dura de Beijing, afirmar que los uigures de Xinjiang son de alguna manera incompatibles o una amenaza para la idea misma de China tal como existe hoy es un absurdo ahistórico. La gente de la moderna Xinjiang, la gente que eventualmente cristalizaría en la identidad uigur, ha sido durante milenios los guardianes de China a lo largo de la antigua Ruta de la Seda. Kashgar, la ciudad más importante al oeste de Xinjiang, ha servido como puerta al este, a las tierras de la civilización china, desde antes de la Era Actual.

Si el Partido Comunista de Beijing siente que necesita recurrir a este tipo de vandalismo cultural para borrar la cultura e historia únicas de Xinjiang, por muy musulmana que sea, para mantener la "armonía social", esto presagia muy mal la armonía en el estado chino. . Porque la historia y la cultura de Xinjiang han sido fundamentales para el desarrollo histórico de la cultura china "adecuada" y el surgimiento de China como un "Estado de civilización". Al tratar de borrar el legado cultural de Xinjiang, el Partido Comunista de Beijing busca borrar su propia historia. Y en un país como China, eso es tanto imposible como extremadamente peligroso de intentar y hacer. Un Estado de civilización como China se basa en una historia compartida y la capacidad de absorber la diversidad cultural para producir una civilización mayor que la suma de sus partes.

Esto es algo que las sucesivas dinastías chinas han hecho con cierto éxito durante más de 22 siglos, de acuerdo con los principios confucianos. Si esta última dinastía china, el Partido Comunista, se siente incapaz de hacer lo mismo, no es señal de fuerza. Es un signo de alarmante debilidad.

Pero para entender por qué, también hay que entender la mentalidad china. El estado chino, el "Mandato del Cielo" no es un arreglo institucional naturalmente estable. Ha surgido de una larga historia de guerras intestinas. El estado imperial emergió periódicamente de amargas guerras regionales y dinásticas, como un medio para imponer la paz en la tierra bajo una autoridad unificada con derecho al monopolio de la fuerza. Sin el Emperador, o su versión secularizada de la administración estatal central bajo el Partido Comunista, los diferentes grupos culturales, regionales, lingüísticos y étnicos en China han sido históricamente tan propensos a participar en la guerra entre sí como lo han hecho los países de Europa. Y cada vez que la tierra cae en una guerra civil total, que ocurre cada 200-300 años aproximadamente, esas guerras han matado a más personas que cualquier conflicto en la historia hasta ese momento.

La obsesión de Pekín por la armonía social se basa en esta historia y, de hecho, en su deber moral. Si el estado pierde el control del orden social, deberíamos esperar que la guerra civil subsiguiente sea la mayor tragedia humana en la historia del mundo, ahora con armas nucleares.

Y esta es precisamente la razón por la que este enfoque de mano dura hacia Xinjiang es tan alarmante. Con su política de sinificación forzada de los uigures, Pekín está demostrando su propia obsesión por la armonía social, sí, pero también demuestra que no tiene la confianza en su propia autoridad para permitir ningún grado de crítica, ni tampoco la confianza en la suya propia. 'Mandato del cielo' para permitir el tipo de diversidad cultural que es inevitable en un país de 1.400 millones de personas. Al utilizar los métodos de "reeducación" estalinista en contraposición a los métodos de liderazgo cultural con el ejemplo propio de las civilizaciones ascendentes, Pekín está demostrando su creencia de que se están acercando al límite mismo de su poder para gobernar a nivel nacional.

Para empeorar las cosas, este enfoque de mano dura del control interno no está ayudando a detener las mareas de resistencia social. Puede suprimir las manifestaciones superficiales de la misma, como máximo. Pero en el fondo, esas tensiones hierven a fuego lento, las preguntas sobre la autoridad moral de Pekín para gobernar se amplifican y, en el mediano y largo plazo, el Partido Comunista está agravando sus problemas internos.

En un sentido muy real, al tratar de aplastar y destruir la cultura uigur, China está destruyendo parte de su historia y parte de su alma como civilización. Pero al seguir tal política, el Partido Comunista también puede poner en peligro su propio futuro. Esto no es algo para celebrar. No es seguro que el resto del mundo pueda hacer frente a un colapso del Estado chino, especialmente teniendo en cuenta lo importante que se ha vuelto Beijing para el sistema global. Por lo tanto, como amigos de China, del pueblo de China y como socios bien intencionados de Beijing, debemos expresar nuestras preocupaciones sobre su acercamiento a Xinjiang y los uigures, de hecho su acercamiento al Tíbet, e instarlos a construir su Estado, y la necesaria armonía social, no sobre el supremacismo han excluyente, sino sobre la base sólida del pluralismo cultural y la fuerza que se deriva de la diversidad.

El Dr. Azeem Ibrahim es director del Center for Global Policy en Washington DC y autor de Rohingyas: Inside Myanmar’s Genocide (Hurst: 2016)


¡Gracias!

A principios de la década de 1920, los dos estados con el mayor número de miembros del Klan per cápita eran Indiana y Oregon. Aunque Portland, Oregon, tiene una reputación de inclusión liberal en la actualidad, esa fue una de las ciudades donde el KKK era más poderoso. Uno de los principales focos del resentimiento del Klan en Oregon fueron las escuelas parroquiales, que fueron pintadas como parte del complot del Papa para apoderarse de Estados Unidos. (Los progresistas modernos también pueden sorprenderse al saber que el Klan pidió un departamento federal de educación en este momento, porque querían poder controlar los planes de estudio, señala Gordon).

Vale la pena señalar que a pesar de la retórica antiinmigrante que atrajo a los oregonianos de la década de 1920 al KKK, el estado era abrumadoramente blanco y protestante y un 87% de nativos a principios de la década de 1920. Los pocos católicos y japoneses que vivían en la zona fueron encuadrados como poblaciones amenazadoras que potencialmente podrían crecer más y apoderarse del mercado laboral si su presencia no se frenaba rápidamente. & # 8220Había muy, muy pocos católicos en Oregon, muy pocos judíos y casi ningún afroamericano, & # 8221, dice Gordon. & # 8220 Puede acelerar la hostilidad y el miedo incluso cuando no hay evidencia local de ese miedo. Mi corazonada es que muchas personas en el Klan nunca habían conocido a un católico. & # 8221

La Segunda Guerra Mundial cambió drásticamente la demografía de Portland, ya que se convirtió en un importante puerto comercial y un centro para la construcción naval de defensa. Con tantos de los residentes de los estados & # 8217 enviándose con el Ejército, & # 8220 las industrias de defensa se volvieron desesperadas por obtener mano de obra y pagaron para traer gente de otras partes del país & # 8221, dice Gordon. & # 8220 Eso es lo que compró a los afroamericanos a Oregon. Entonces Portland se convirtió por primera vez en un lugar diverso, que no había sido en absoluto. & # 8221

Se volvió aún más diverso y cosmopolita después de la guerra, especialmente después de que Japón se convirtió en un importante fabricante y comenzó a enviar más de sus productos a los EE. UU. A través de Portland, atrayendo a una clase empresarial global.

La mayor victoria del Klan fue su exitoso cabildeo por las cuotas de inmigración, que se promulgaron como ley en 1924. El grupo consiguió que dieciséis miembros fueran elegidos para el Senado de los EE. UU., Afirmó haber elegido 75 para la Cámara de Representantes de los EE. UU. Y al menos 11 gobernadores demócratas y republicanos. a las cámaras estatales. (Gordon señala que nadie ha podido contar a todos los candidatos del Klan elegidos para cargos estatales y locales, ya que muchos no miembros pueden haber compartido algunos puntos de la ideología del Klan). Pero su nuevo impulso duró poco. En 1925, Indiana Grand Dragon D.C. Stephenson fue condenado por secuestrar, violar y asesinar a su secretaria, y la prensa nacional tuvo un día de campo sobre la hipocresía en un grupo que afirmaba representar una ideología cristiana. La membresía cayó de varios millones a principios de la década de 1920 a aproximadamente 350,000 en 1927, y las luchas de poder entre los líderes llevaron a algunos a separarse y formar grupos rivales.

Después de los enfrentamientos mortales en Charlottesville, los grupos de odio en el noroeste del Pacífico han recibido una atención renovada, ya que el Southern Poverty Law Center cuenta lo que considera 21 grupos de odio solo en el estado de Washington, concentrados especialmente en el área de Seattle.

& # 8220El Klan ha sido flexible sobre a quién [su resentimiento] estaba dirigido, & # 8221, dice Gordon. & # 8220 En cierto sentido, todo el fanatismo es de una pieza, todo proviene de las mismas fuentes de miedo e ira. & # 8221


Mientras suena en el verano, no olvide recordar la importancia de lo que tenemos fuera.

Hogar de los libres gracias a los valientes.

"La bandera estadounidense no ondea porque el viento la mueve. Vuela desde el último aliento de cada soldado que murió protegiéndola".

En el día de hoy en Estados Unidos, actualmente tenemos más de 1.4 millones de hombres y mujeres valientes enlistados activamente en las fuerzas armadas para proteger y servir a nuestro país.

Actualmente hay una tasa aumentada de 2,4 millones de jubilados del ejército de EE. UU.

Aproximadamente, ha habido más de 3.4 millones de muertes de soldados que luchan en guerras.

Todos los años, todos esperan el fin de semana del Día de los Caídos, un fin de semana en el que las playas se abarrotan, la gente enciende las parrillas para una divertida barbacoa soleada, simplemente un aumento de las actividades de verano, como un "juego previo" antes de que comience el verano.

Muchos estadounidenses han olvidado la verdadera definición de por qué tenemos el privilegio de celebrar el Día de los Caídos.

En términos simples, el Día de los Caídos es un día para hacer una pausa, recordar, reflexionar y honrar a los caídos que murieron protegiendo y sirviendo por todo lo que somos libres de hacer hoy.

Gracias por dar un paso adelante, cuando la mayoría habría dado un paso atrás.

Gracias por los momentos que se perdieron con sus familias para proteger a la mía.

Gracias por involucrarse, sabiendo que tenía que confiar en la fe y las oraciones de otros para su propia protección.

Gracias por ser tan desinteresado y arriesgar su vida para proteger a los demás, aunque no los conocía en absoluto.

Gracias por resistir y ser un voluntario para representarnos.

Gracias por su dedicación y diligencia.

Sin ti, no tendríamos la libertad que se nos concede ahora.

Rezo para que nunca te entreguen esa bandera doblada. La bandera está doblada para representar las trece colonias originales de los Estados Unidos. Cada pliegue tiene su propio significado.Según la descripción, algunos pliegues simbolizan la libertad, la vida o rinden homenaje a las madres, padres e hijos de quienes sirven en las Fuerzas Armadas.

Mientras viva, ore continuamente por aquellas familias a las que se les entrega esa bandera porque alguien acaba de perder a una madre, esposo, hija, hijo, padre, esposa o un amigo. Cada persona significa algo para alguien.

La mayoría de los estadounidenses nunca han luchado en una guerra. Nunca se amarraron las botas y entraron en combate. No tenían que preocuparse por sobrevivir hasta el día siguiente cuando se dispararon disparos a su alrededor. La mayoría de los estadounidenses no saben cómo es esa experiencia.

Sin embargo, algunos estadounidenses lo hacen mientras luchan por nuestro país todos los días. Necesitamos agradecer y recordar a estos estadounidenses porque luchan por nuestro país mientras el resto de nosotros permanecemos a salvo en casa y lejos de la zona de guerra.

Nunca des por sentado que estás aquí porque alguien luchó para que estuvieras aquí y nunca olvides a las personas que murieron porque te dieron ese derecho.

Por lo tanto, mientras está celebrando este fin de semana, beba por aquellos que no están con nosotros hoy y no olvide la verdadera definición de por qué celebramos el Día de los Caídos todos los años.

"... Y si las palabras no pueden pagar la deuda que tenemos con estos hombres, seguramente con nuestras acciones debemos esforzarnos por mantener la fe en ellos y en la visión que los llevó a la batalla y al sacrificio final".


Las 100 personas más importantes de la historia del teatro musical moderno

Recientemente tuve una conversación con un amigo mío sobre los mejores letristas de la historia del teatro musical, sí, esto es de lo que hablamos los geeks del teatro mientras tomamos un café. Mientras estábamos construyendo nuestra lista, se me ocurrió pensar, ¿quiénes han sido los mayores contribuyentes a la evolución y el éxito del teatro musical moderno? ¿Quiénes han sido los mejores en adornar el escenario de Broadway? ¿Quién se siente influenciado todavía hoy?

Ya que han pasado poco más de 100 años desde que los artistas de "Tin Pan Alley" comenzaron a construir lo que hoy conocemos como teatro musical moderno, qué mejor momento para sentarse y enumerar a los artistas más importantes de la historia del teatro musical moderno, que consideramos los años veinte y veinte. hasta. Esta lista estará compuesta por compositores, letristas, escritores de libros, intérpretes, coreógrafos, directores e incluso un par de productores. Tenga en cuenta que la palabra clave aquí es "importante".

Celebremos la increíble historia del teatro musical destacando lo más brillante.

100. Maury Yeston

Es conocido por escribir la música y la letra de Nueve en 1982, y Titánico en 1997, ambos ganaron premios Tony al mejor musical y al mejor puntaje. También ganó un premio Drama Desk por Nine. Yeston también escribió una cantidad significativa de la música y la mayoría de las letras del musical nominado al Tony. gran Hotel en 1989, que fue nominada a mejor puntuación. Su versión musical de El fantasma de la ópera titulada Fantasma (muy superior a Andrew Lloyd Webber) ha disfrutado de numerosas producciones en todo el mundo. Según la revista Show Music, Yeston "ha escrito parte de la música estructurada más formalmente en el teatro musical reciente. Pero también tiene el don de crear melodías deslumbrantes, una vez que escuchas 'Love Can't Happen' de gran Hotel, o 'Una forma inusual' de Nueve, o 'Inicio' desde Fantasma, o cualquier otra canción de Yeston, te engancharás ".

99. Diahann Carroll

Patina Miller, LaChanze y Audra McDonald han tenido carreras increíbles y numerosos elogios. Pero estoy seguro de que si le preguntaras a cada uno de ellos, le darían un gesto de respeto a Dihann Carroll. Fue la primera mujer negra en ganar el Tony a la Mejor Actriz en un Musical por Sin cadenas. Su victoria en Tony sería una de las múltiples puertas que rompería en su carrera. Hizo su debut en Broadway en Casa de las flores en 1959 y en las versiones cinematográficas de Carmen Jones y Porgy y amp Bess. En 1995, regresó a los musicales protagonizando el elenco canadiense original de Sunset Boulevard.

98. Trevor Nunn

Al lado de Harold Prince, ¿hubo un director musical de Broadway más grande que Trevor Nunn? El dirigió Gatos, anteriormente el musical de mayor duración en la historia de Broadway, y la primera producción inglesa de Los Miserables en 1985. Nunn también dirigió el poco conocido musical Webber-Rice de 1986 Grillo, en el Castillo de Windsor. Otros créditos musicales incluyenStarlight Express y Sunset Boulevard. Los créditos posteriores de Londres incluyen My Fair Lady, Pacífico Sur y La mujer de blanco. Nunn ha ganado tres premios Tonys, tres premios Olivier y tres premios Drama Desk. En 2012, fue incluido en el American Theatre Hall of Fame.

97. Tom Kitt y Brian Yorkey

En 2008, Kitt y Yorkey le dieron al mundo un musical que exploraba la enfermedad mental paralizante, el trastorno bipolar, como ningún otro musical lo había hecho antes. No solo eso, Junto a Normal abordó temas como el duelo por una pérdida, el suicidio, el abuso de drogas, la ética en la psiquiatría moderna y la parte más vulnerable de la vida suburbana. Es un trabajo audaz y brillante. La pareja ganó el Tony a la mejor puntuación y Kitt también ganó el premio a las mejores orquestaciones. Junto a Normal perdería el premio al Mejor Musical por Billy Elliot, uno de los mayores desaires en la historia de Tony, pero ganarían el premio Pulitzer. El Pulitzer Board lo llamó "un poderoso musical de rock que lidia con las enfermedades mentales en una familia suburbana y amplía el alcance del tema de los musicales". Y con su continuo éxito con Si / Entonces (enormemente subestimado), tengo la sensación de que su clasificación será mucho más alta la próxima vez que hagamos una lista como esta.

96. Brian Stokes Mitchell

Cuando pienso en las grandes voces masculinas de mi vida, Brian Stokes Mitchell ocupa un lugar muy alto en esa lista. Si no me cree, escuche la grabación del elenco de Rag-time. Conocido por estar en los grandes barítonos para adornar el escenario de Broadway, Mitchell ha aparecido en producciones de Correo (1988), un renacimiento completamente negro de George e Ira Gershwin ¡Oh, Kay! (1990), La última mermelada de Jelly (1992) basado en las obras del artista de jazz Jelly Roll Morton, Kander and Ebb's Beso de la mujer araña (1993), Rag-time (1998) (nominación al Tony), el renacimiento de 1999 de Cole Porter Bésame, Kate (Premio Tony) y Hombre de La Mancha (2002) (nominación Tony) y Mujeres al borde de un ataque de nervios (2012).

95. Jerry Mitchell

Si los 60 tuvieron a Gower Champion y los 80 tuvieron a Tommy Tune, esta generación tiene a Jerry Mitchell. Ningún otro coreógrafo de Broadway conoce mejor lo que depara el futuro de la danza en los musicales que Mitchell. Desde 2001, ha tenido ocho nominaciones al Tony con dos victorias por la reactivación de La Cage aux Folles y Botas rizadas. Más allá de estos dos, ha coreografiado algunos de los musicales de baile más conocidos durante los últimos 20 años, como The Fully Monty, Dirty Rotten Scoundrels, Gypsy, Hairspray, Atrápame si puedes y Legalmente Rubia. Su próximo proyecto es ¡Tengo que bailar! que se basa en el documental del mismo nombre. Contará con la última música compuesta por Marvin Hamlisch.

94. Lea Salonga

Para asiáticos como yo, nuestra lista de íconos del teatro musical comienza y termina con Lea Salonga. Ella irrumpió en la escena como Kim en Señorita saigón por lo que logró la rara hazaña de ganar los premios Olivier, Tony, Drama Desk, Outer Critics y Theatre World. Después Señorita saigón ella se convertiría posiblemente en la mejor en interpretar el papel de Eponine en los Miserables en Broadway. Como la voz cantante de Jasmine en Disney Aladino, decir que su grabación de "A Whole New World" tuvo un impacto en muchos futuros artistas podría ser un eufemismo. Entre eso y su regreso a Broadway en Canción de tambor de flores Salonga ha pasado la mayor parte de su tiempo desarrollando talento musical en Filipinas.

Cuando se trata de analizar su carrera en Broadway, hay un gran "¿y si?" apegado a ella. No por nada relacionado con su talento, sino por las actitudes raciales y las tendencias de casting de Broadway. La historia de los asiáticos que protagonizan Broadway es una farsa, pero SERÁ una columna diferente para una época diferente. Sin embargo, Salonga es un ícono y merece un lugar en esta lista.

93. Julie Taymor

Hay una discusión intensa que veo suceder de vez en cuando en varias fiestas de teatro, "Julie Taymor: ¿Brillante o sobrevalorada?" No hace falta decir que conduce a debates apasionantes.Para mí, aunque siempre respetaré su trabajo de diseño sobre su dirección real, no puedo negar sus contribuciones al teatro musical al crear uno de los musicales más taquilleros de todos los tiempos. El rey León. Taymor tiene la distinción de ser la primera mujer en recibir el premio Tony a la mejor dirección de un musical. Seamos honestos, no había nada como El rey León en Broadway antes de que Taymor lo pusiera en sus manos. Con este espectáculo, Taymor se convirtió en un visionario en lo que respecta al concepto artístico del teatro musical.

Y luego ella lo hizo Spider Man: Apaga la oscuridad.

92. Len Cariou

Con el debido respeto a todos los que han desempeñado el papel, Len Cariou es el definitivo Sweeney Todd. Si bien George Hearn pudo haber tenido la suerte de que su actuación se grabara para que todos la vieran, si escuchas a Cariou en la grabación original, ni siquiera está cerca. Es aterrador e impresionante escucharlo. También aparecen las producciones originales de Aplausos y un poco de música nocturna, Cariou fue uno de los protagonistas más importantes del teatro musical en la década de 1970. En 2004, Cariou fue incluido en el Salón de la Fama del Teatro Americano.

91. Jerry Bock y Sheldon Harnick

Simplemente podría decir El violinista en el tejado y seguir adelante. Pero estos dos le dieron al teatro musical algunas obras fantásticas durante sus carreras. Algunas de sus otras increíbles creaciones fueron Fiorello !, Ella me ama, el manzanoy Los Rothschild. Si dudas del impacto de El violinista en el tejado, por favor búscame un musical más conocido que celebre a las familias judías. Esperaré.

90. William Shakespeare

Bien, sé que esto puede parecer una tontería, pero escúchame. Si no hubiera sido por los escritos de William Shakespeare, no habríamos Bésame Kate, Los muchachos de Siracusa, Dos caballeros de Verona, El Rey León, ¡Oh hermano !, ¡Todos conmocionados, sigan jugando! y solo el mejor musical de todos los tiempos, West Side Story. Así que tengo que darle apoyo al Bardo por sus contribuciones indirectas a la historia del teatro musical.

89. Rosie O'Donnell

Independientemente de su opinión sobre ella, no puede negar que Broadway le debe un gran agradecimiento a Rosie O'Donnell. No solo presentó una gran cantidad de musicales de Broadway en su programa, sino que después de los ataques del 11 de septiembre, fue una de las voces principales en alentar a la gente a regresar a la ciudad de Nueva York. Sin embargo, quizás su mayor contribución fue básicamente salvar la transmisión de los Premios Tony. Con su participación, los Tony se trasladaron al Radio City Music Hall y se convirtieron en un evento televisivo. El primer año que fue anfitriona, más de 11 millones sintonizaron.

88. Richard Kiley

Durante la década de 1960, es posible que no haya habido un protagonista más importante en Broadway que Richard Kiley. Durante la década ganaría dos premios Tony y sería nominado a un tercero. Su primero vino por Pelirrojo pero será mejor recordado por originar el papel de Miguel de Cervantes / Don Quijote en Hombre de La Mancha. También protagonizó producciones originales de Kismet y Sin cadenas(Tony asiente). A su muerte, Kiley fue descrito como "uno de los actores más distinguidos y versátiles del teatro" y como "un actor indispensable, el tipo de intérprete que podría ser llamado para interpretar a reyes y plebeyos y una diversidad de personajes en el medio".

87. Oliver Smith

Escenografía de Oliver Smith para "My Fair Lady"

Si se pregunta por qué un diseñador escénico figuraría en esta lista, en primer lugar fue nominado a 25 premios Tony, ganando 10 de ellos. En 1958 fue nominado por seis producciones diferentes. Pero si todavía tiene dudas de por qué el hombre es el único diseñador escénico en esta lista, solo voy a enumerar algunas de las producciones originales que este hombre diseñó: En la ciudad, ¡Hola, Dolly !, My Fair Lady, Camelot, The Sound of Music, West Side Story, ¡lo hago! ¡Acepto !, Cándido y tía Mame.

86. Rob Marshall

El legado de Rob Marshall es difícil de identificar. Por un lado, ha coreografiado algunas de las mejores producciones de avivamientos en los últimos 20 años impares (Cabaret, malditos Yankees, ella me ama) y también es responsable de una de las mejores adaptaciones cinematográficas musicales de todos los tiempos (Chicago). Pero también es responsable de uno de los peores (Nueve) y entregó un visualmente impresionante pero vacío Hacia el bosque. Y con la noticia de su interés en traer Locuras a la pantalla, no puedo decidir si debo estar lleno de emoción o pavor. Sin embargo, no puedo negar las contribuciones de este hombre al teatro musical moderno y las legiones de personas que se han inspirado en su trabajo.

85. Betty Buckley

Betty Buckley podría haber tenido solo una contribución significativa a la historia del teatro musical moderno, pero qué contribución fue. Su grabación de "Memory", una de las melodías de programas más reconocibles de todos los tiempos, todavía me pone la piel de gallina. Nadie se ha acercado a igualarlo (siéntense fanáticos de Elaine Page). Además de su icónica Grizabella, también apareció en producciones originales de 1776, El misterio de Edwin Drood, Triunfo del amor(Tony Nod) y el infame Carrie. En 2012 se convirtió en miembro del American Theatre Hall of Fame.

84. Robert Lopez

Tengo la sensación de que dentro de unos años, podríamos ver a López entre los veinte primeros de esta lista. López, uno de los raros ganadores de EGOT (Emmy, Grammy, Oscar, Tony) en la historia, no solo ha superado los límites de la comedia en Broadway, sino que también ha puesto en marcha el nuevo Renacimiento de musicales animados de Disney. Avenida Q fue brillante, Libro de Mormón(junto con Trey Parker y Matt Stone), fue la prueba de que López no fue una casualidad y Congelado será la raíz de innumerables futuros intérpretes musicales tal como lo hizo Alan Menken con los niños de los 90.

83. Joel Gray

Joel Gray creó uno de los personajes más icónicos de la historia musical con su actuación como Maestro de Ceremonias en Cabaret, un papel por el que ganó el Tony y el Oscar. Un protagonista poco convencional, también fue nominado para Tonys por sus actuaciones en George M !, Buen tiempo Charley y El Gran Tour. Él era el mago original en Malvado y protagonizó las producciones de avivamiento de Chicago y Todo vale.

82. Harvey Fierstein

Harvey Fierstein podría haber hecho esta lista en función de sus actuaciones o créditos de escritura solo, pero el hecho de que haya hecho ambas cosas, definitivamente merece estar aquí. En 1982, su obra Trilogía de la canción de la antorcha ganó Tonys no solo como Mejor Obra sino también como Mejor Actor en una Obra. Fierstein también escribió el libro para La Cage aux Folles, ganando otro premio Tony, esta vez al Mejor Libro de un Musical. También ha escrito libros recientemente para Botas rizadasy Newsies. Su Edna Turnblad en Laca para el cabello, le valió un premio Tony al mejor actor principal en un musical. Una figura destacada en Broadway hoy en día, fue incluido en el American Theatre Hall of Fame en 2007.

81. Robert Wise

Si esta lista fuera estrictamente relacionada con el teatro en sí, Wise no estaría aquí. Pero cuando dirija posiblemente las dos mejores películas musicales de todos los tiempos (Sound of Music, West Side Story), estará en esta lista. Ambas películas han creado millones de fanáticos del teatro musical desde sus estrenos y ambas ganaron los Oscar a la Mejor Película.

80. Sutton Foster

La mejor "triple amenaza" en Broadway desde Chita Rivera, Foster ha tenido un comienzo increíble en lo que será una carrera prolífica. Ha recibido dos premios Tony a la mejor interpretación de una actriz principal en un musical en 2002 por el papel de Millie Dillmount en THoroughly Modern Millie y en 2011 por su interpretación de Reno Sweeney (podría haber sido la mejor en interpretar el papel) en Todo vale. Sus otros créditos en Broadway incluyen Pequeña mujer(Tony Nod), El acompañante somnoliento (Tony Nod), Joven Frankenstein, Shrek el Musical (Tony Nod), y Violeta. Con su nuevo programa de televisión Mas joven saldrá pronto, se desconoce cuándo la veremos en 42nd St, pero espero que sea más temprano que tarde porque Broadway es mejor cuando ella está en él.

79. Jerry Herman

La opinión sobre el lugar de Jerry Herman en la historia del teatro musical es siempre un tema de discusión interesante. Para algunos, su trabajo representó un homenaje a la edad de oro de los musicales de los años 30 y 40, para otros, como yo, está sobrevalorado. Sus composiciones eran elementales, sus letras eran normales, no podía escribir para la voz masculina (incluso en La Cage aux Folles), y su trabajo realmente no tenía mucha sustancia. En una era en la que algunos querían más del teatro musical, Herman estaba tratando de hacer retroceder el reloj. Sin embargo, no puedo negar que tuvo una serie de éxitos memorables no solo en el escenario sino también en la pantalla, de ahí su lugar en esta lista.

78. Matthew Broderick

Matthew Broderick es una especie de comodín cuando se trata de su lugar en esta lista. Por un lado, ha tenido algunas actuaciones maravillosamente carismáticas que lo colocan en el nivel de los protagonistas más fuertes de la historia del teatro musical. Por otro lado, también puede ser uno de los actores con más madera en el escenario actual. Cuando lo vi recientemente en Es solo una obra de teatro, No podía creer que este hombre alguna vez tuvo suficiente carisma como para dominar a J. Pierrepont Finch o Leo Bloom. Vimos una astilla de eso en Buen trabajo si puedes conseguirlo pero ni siquiera se acercaba a lo que alguna vez fue. Si Broderick puede encontrar esa personalidad nuevamente, cuidado.

77. Gwen Verdon

Una de las grandes amenazas triples de su época, Gwen Verdon era una raza rara. Una bailarina increíble, fue la musa y esposa de Bob Fosse durante varios años, perfeccionando su estilo de coreografía. Si bien tienes que darle crédito por hacer el papel ganador de Tony de Lola en Malditos Yankees tan icónico como es, algunos olvidan que ella también ganó otros tres por Can-Can, nueva chica en la ciudad y Pelirrojo. Ella también originó los papeles de Roxie Hart y Charity. Gwen Verdon fue incluida en el American Theatre Hall of Fame en 1981.

76. Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil

Cuando escribes (junto con algunos otros), dos de los musicales más icónicos de todos los tiempos, no es una decisión difícil ponerte en esta lista. los Miserables y Señorita saigón fueron dos de los musicales más taquilleros que vimos dominar Broadway en los años 80 y 90.Si bien su trabajo desde entonces no ha sido tan bueno, la cantidad de personas que se inspiraron para involucrarse en el teatro musical porque escucharon "Por mi cuenta" o "La última noche del mundo" es incontable.

75. Idina Menzel

Una de las voces principales y más escuchadas del teatro musical en el nuevo siglo, el lugar de Menzel en esta lista está a punto de aumentar dramáticamente. Su trabajo en ALQUILAR inspiró a la gente de mi edad a entrar en el teatro musical. Con Malvado, hay mujeres a punto de comenzar a interpretar el papel de Elphaba que lo escucharon por primera vez con Menzel. Pero Congelado es donde Menzel tendrá el mayor impacto. "Let It Go" es "Over the Rainbow" del siglo XXI, y todos sabemos cuántos inspiraron a empezar a cantar. No hay límite para el impacto de las actuaciones de Menzel.

74. Jason Robert Brown

Recientemente escribí que nadie que trabaja hoy hace un mejor trabajo al poner música al alma humana que Jason Robert Brown. También me pregunté si fue una inversión digna.Pero no hay duda de que Brown es uno de los mejores compositores que Broadway tiene para ofrecer. Ganador Tony en dos ocasiones por Desfile y los puentes del condado de Madison, él también está detrás de la impresionante Canciones para un mundo nuevo y los últimos cinco años, que recientemente se convirtió en el las mejores películas musicales de todos los tiempos. Es uno de los compositores más ocupados de Broadway y ahora está trabajando en una adaptación de Una liga propia.

73. Ben Vereen

A finales de los 60 y principios de los 70, era raro ver a un protagonista afroamericano en Broadway. Pero el talento de Ben Vereen le impidió ser otra cosa. Como jugador principal original, la suya sigue siendo una de las actuaciones más carismáticas y versátiles documentadas. En 2011, fue incluido en el American Theatre Hall of Fame.

72. Bubsy Berkeley

Es extraño pero cierto que Busby Berkeley nunca tuvo una lección de baile y, en sus primeros días, tenía mucho miedo de que la gente se enterara. A menudo, distraía a sus colegas por su hábito de sentarse frente a un nuevo televisor durante días a la vez pensando en formas de usarlo para sacar el máximo provecho.

71. Michael Kidd

La influencia de Kidd en la coreografía es icónica. No solo en Broadway, donde ganó cinco Tonys, sino también en cine. Quizás su trabajo cinematográfico más conocido fue en 1954 en "Seven Brides for Seven Brothers", un musical de la frontera estadounidense cuyos bailes fueron creados por Mr. Kidd para bailarines de ballet que se suponía que no debían parecer de ballet. En cambio, hizo que realizaran lo que él llamó "movimientos de trabajo", como empuñar hachas. Kidd definió su coreografía como "el comportamiento humano y los modales de las personas, estilizados en formas rítmicas musicales".

Añadió: "Siempre uso gestos de la vida real y la mayor parte de mi baile se basa en la vida real".

Anna Kisselgoff, la ex crítica de danza en jefe de The New York Times, escribió que la firma de Kidd fue "la caracterización a través de la energía, personificada por un clan masculino enamorado que corteja con un baile de desafío acrobático" en "Seven Brides".

70. David Merrick

Otra entrada discutible, no puedo decidir si Broadway estaba mejor con o sin Merrick. Pero Broadway nunca ha visto un productor más inteligente y despiadado. Su don para crear éxitos de Broadway solo fue igualado por su genio para atraer publicidad y hacerse enemigos. Los éxitos de Merrick fueron algunos de los musicales más populares de su época, incluyendo Gypsy, ¡Hola, Dolly! y Promesas promesas, al igual que Calle 42, su espectáculo de mayor duración y una de las producciones de mayor duración en la historia de Broadway. Sus producciones también dieron papeles característicos a Ethel Merman, Barbra Streisand y Carol Channing, y trabajó con casi todos los compositores importantes del último apogeo del musical de Broadway: Jule Styne, Harold Arlen, Stephen Sondheim, Jerry Herman, Harold Rome, Bob Merrill y el equipos de John Kander y Fred Ebb y Harvey Schmidt y Tom Jones.

69. Charlie Smalls

No se necesita una carrera larga para tener un impacto gigantesco en la historia del teatro musical, a veces solo se necesita un espectáculo. Charlie Smalls hizo precisamente eso al componer El mago. Si bien fue idea del productor Ken Harper, fue la música de Smalls lo que hace que esta pieza no solo sea tan buena, sino también innovadora en la introducción del teatro musical a nuevas audiencias. Nunca antes y no hasta En las alturas tendría un alcance demográfico musical que normalmente no se vería yendo a un espectáculo de Broadway. Desde entonces, El mago se ha convertido en uno de los musicales más populares interpretados por las escuelas secundarias, especialmente por las escuelas urbanas. Smalls es un caso trágico de "Lo que podría haber sido", murió a la edad de 43 años mientras estaba en una cirugía para reparar un apéndice reventado.

68. Susan Stroman

En el nuevo siglo, ¿ha habido un coreógrafo más exitoso? Con cinco Tonys, creo que no. Ha estado involucrada en 21 producciones teatrales, sus mayores éxitos fueron Loco por ti, Show Boat, y ¡Oklahoma!. Ella ganó elogios de la crítica por coreografiar y dirigir dos producciones innovadoras, Contacto y Los productores.Contacto fue un musical que exploró nuevas formas de hacer teatro con poco canto y en su lugar consistió en tres cuentos contados mayoritariamente a través de la danza. Con la comedia Tlos productores, Stroman ganó premios Tony a la mejor coreografía y mejor director, así como dos premios Drama Desk. Las obras de Stroman reflejan su capacidad para ser una verdadera "narradora". Una vez dijo que siente que su papel es "hacer creíble cuando alguien se lanza a cantar y bailar" y "impulsar la trama hacia adelante". Stroman se ha sumergido en el arte de la danza y el espectáculo y, sin duda, ha cumplido este legado.

67. Terrence McNally

McNally fácilmente podría estar en una lista mucho mayor de las personas más importantes en la historia del teatro moderno, pero sus contribuciones al teatro musical ciertamente lo colocaron en esta lista. Ha escrito en los libros algunos de los mejores musicales de esta generación, Beso de la mujer araña y Rag-time por lo que ambos ganó a Tonys. También ha estado involucrado en algunos de los musicales más subestimados, como El mes completo, un hombre sin importancia y Atrápame si puedes. Si bien no es un musical, también podrías argumentar que esta es su obra. Clase maestra es una de las mejores obras de teatro sobre música del siglo XX. McNally regresa a Broadway esta primavera con su participación en Anastasia.

66. Dick Van Dyke

Van Dyke era una raza rara. Tenía las habilidades para la comedia de personajes como Donald O'Connor y Danny Kaye, pero el encanto de protagonista de Gene Kelly, sin mencionar también algunas habilidades de baile excelentes y poderosas. Con ese tipo de habilidad, no sorprende que sus actuaciones como Albert Peterson en Adiós Birdie (por el que ganó un Tony) y Bert en Mary Poppins son tan icónicos. Con otro actor, dudo mucho que esos personajes hubieran sido tan entrañables o memorables.

65. Elton John

Simplemente podría decir que compuso las canciones del musical de Broadway más taquillero de todos los tiempos y terminarlo ahí. Pero John también compuso Aida y Billy Elliot que también fueron éxitos. Era muy raro ver a una estrella del pop de su intento de nivel o incluso lograrlo en Broadway, pero John realmente ha dejado su huella.

64. Lynn Ahrens y Stephen Flaherty

En la historia del teatro musical ha habido pocas asociaciones de escritura más sólidas y consistentes que Lynn Ahrens y Stephen Flaherty. Desde 1988 Suerte rígido, sus contribuciones al teatro musical han sido enormes. Si no me cree, permítame hacerle un par de preguntas. Cuantas veces has visto Rag-time realizado por empresas locales o regionales? ¿Cuántas compañías de teatro infantil has visto hacer? Suessical ? ¿Cuántas escuelas secundarias has visto hacer Una vez en esta isla ? Exactamente.

63. Kelli O'Hara

Actualmente la protagonista de Broadway, O'Hara es una de las actrices más ocupadas del mundo. Ha sido nominada para seis Tonys, ganó uno y debería tener dos más, lo siento LaChanze y Jessie Mueller. Pero O'Hara rompió a otro nivel con su actuación en Los puentes del condado de Madison mostrando algunas de las mejores voces que he escuchado. Dada su carrera relativamente joven, espero que dentro de unos años clasifiquemos a O'Hara como una de las mejores vocalistas de la historia.

62. John Travolta y Olivia Newton John

Por tonto que parezca, no puedo negar la popularidad de la Grasa película en la cultura popular. Permítanme decirlo de esta manera, en los bailes de mi escuela a finales de los 90, se tocaron "Noches de verano", todos se volvieron locos y cantaron mucho. Esta fue una melodía de espectáculo tocada en un baile escolar. Basta de charla.

61. La tribu original de Cabello

Nunca antes, un espectáculo y un elenco cambiarían el espectro del teatro musical tanto como Cabello hizo. El "Rock Musical" original desafió al sistema y obligó al público a abrir su mente a problemas más importantes del mundo. Cabellotuvo un efecto profundo no solo en lo que era aceptable en Broadway, sino como parte de los mismos movimientos sociales que celebró. Cabello fue el primer concepto musical de Broadway, una forma que dominó el teatro musical de los años setenta, incluyendo espectáculos como Compañía, Locuras, Oberturas del Pacífico y Una línea de coro. El New York Times señaló, en 2007, que "Hair fue uno de los últimos musicales de Broadway en saturar la cultura como lo hacían con regularidad los programas de la época dorada". Pasarían casi 30 años hasta que otro musical de rock recogiera esta antorcha.

60. Alan Jay Lerner y Frederick Loewe

Alan Jay Lerner y Frederick Loewe, se conocieron en 1942 en el Lambs Club en la ciudad de Nueva York donde, según Loewe, tomó un giro equivocado hacia el baño de hombres y pasó junto a la mesa de Lerner. Habiéndolo reconocido, preguntó si Lerner escribía letras y Lerner confirmó que sí.

Lerner afirmó ser el miembro más dominante de la asociación, que se apoya en entrevistas con sus amigos cercanos, diciendo que descartaría las dos primeras melodías que Loewe escribiría en cualquier canción, incluso si ambas fueran perfectas. Dijo que siempre supo, con un poco de empujoncito, que Loewe era capaz de hacer un mayor trabajo. Loewe también funcionó a la perfección con Lerner, que agonizaba durante semanas con una letra. A diferencia de otros colaboradores con los que trabajaría Lerner, Loewe fue el más comprensivo del tiempo que Lerner necesitaba para sus letras y nunca lo presionaría para completar el trabajo. Su asociación creó algunos de los teatros musicales con producciones más épicas, como Camelot, Brigadoon, Gigi y por supuesto, Mi Bella Dama.

59. Donna Murphy

Para alguien que solo ha estado en ocho producciones de Broadway, es posible que se pregunte por qué está en una posición tan alta. En primer lugar, ella interpretó algunos papeles bastante memorables, por ejemplo, Ruth en Maravillosa ciudad y Anna en El rey y yo, posiblemente uno de los mejores para interpretar el papel. Pero lo que pone a Murphy en esta lista es el hecho de que de sus ocho producciones, ha sido nominada a un Tony por cinco de ellas, ganando dos veces. También ha respirado aire raro al interpretar a una villana de Disney en Enredado, cuya canción "Mother Knows Best" fue la mejor de toda la película. Pero su mayor contribución es su interpretación de Fosca en Pasión lo que le valió un Tony, que en mi opinión es una de las mejores actuaciones dramáticas en un musical que jamás hayamos visto.

58. Charles Strouse y Martin Charnin

Te guste o te guste, no puedes negar el impacto que Annie ha tenido en la historia del teatro musical. Strouse también es el compositor detrás de clásicos como Bye Bye Birdie, Aplausos y Harapos. Pero Annie fue un fenómeno, sin contar la última versión de la película, por supuesto. El programa lanzó las carreras de artistas como Andrea McArdle, Sarah Jessica Parker y, más recientemente, Lilla Crawford y "Tomorrow" es fácilmente una de las melodías de programas más reconocibles de todos los tiempos. Ahora pasemos al siguiente punto antes de que se me quede atascado en la cabeza.

57. Jerry Orbach

Adoro a Jerry Orbach. No solo por sus contribuciones a Broadway, sino también por Det. Lenny Briscoe sigue siendo uno de mis personajes de televisión favoritos de mi vida. Pero sin Ley y orden, Orbach sigue siendo uno de los grandes protagonistas de la historia del teatro musical. Si bien no tenía la buena apariencia convencional, tenía carisma saliendo de sus oídos. Su lista de papeles originales es icónica, desde El Gallo y Paul the Puppeteer hasta Billy Flynn y Julian Marsh, Orbach fue uno de los mejores. La mayoría de la gente de mi generación lo conocerá como la voz de Lumière de Disney's La Bella y la Bestia, No puedo pensar en nadie que hubiera hecho mejor ese papel.

56. Shirley Jones

Puede parecer extraño poner a alguien tan alto en la lista que apenas apareció en Broadway, pero las contribuciones de Shirley Jones al teatro musical son enormes. No solo protagonizó tres de las mejores películas musicales de todos los tiempos, Oklahoma !, carrusel y El hombre de la música, pero su papel en La familia Partridge inspiró a innumerables niños a interesarse por la música.

55. Gregory Hines

Puede que Hines no haya sido el showman en general que fue Sammy Davis Jr., pero llevó el arte del claqué a un nivel completamente diferente, influenciando a toda una generación de artistas para que siguieran sus increíbles pasos. Cinco veces nominado al Tony, Hines ganaría uno por su actuación en La última mermelada de Jelly. En una entrevista con The New York Times en 1988, Hines dijo que todo lo que hacía estaba influenciado por su baile: "mi canto, mi actuación, mis relaciones sexuales, mi ser padre".

54. Harvey Schmidt y Tom Jones

Posiblemente el mejor equipo de redacción que nunca ganó un Tony. El compositor Harvey Schmidt y el letrista Tom Jones son más conocidos por su éxito de 1960, Los Fantasticks. El espectáculo, que recibió el Tony Honors for Excellence in Theatre en 1991, es el musical de mayor duración de la historia, y lamentablemente cierra este año. En 1963 escribieron 110 en la sombra, lo que le valió al dúo una nominación al premio Tony. ¡Hago! ¡Hago!, su musical de Broadway de dos personajes, seguido en 1967, también les valió un reconocimiento Tony. En 1998, el dúo fue incluido en el American Theatre Hall of Fame. También escribieron una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, "Orphan in the Storm".

53. Kristin Chenoweth

¿Hay una voz más versátil en Broadway en este momento? ¿Ha habido alguna vez una voz más versátil? Escucha su interpretación de "The Girl in 14G" y dime. Una de las pocas artistas de Broadway a las que puede referirse simplemente por su primer nombre, su lugar en la historia del teatro musical aún no está determinado, pero solo está subiendo. Si crear estándares de audición como "My New Philospphy" o "Taylor the Latte Boy" no fuera suficiente, ella ha Malvado debajo de su cinturón. Mientras Idina es dueña de la grabación del elenco, Chenoweth arruina el papel de todos los que la han sucedido.

52. Tommy Tune

¿Alguien exuda Broadway más que Tommy Tune? Tune, nueve veces ganador del premio Tony, es un ícono de la coreografía sin un estilo característico en particular. Pero tiene algunos créditos increíbles en su haber, que incluyen gran Hotel y Nueve. Con 6'6, Tune ciertamente ha tenido una carrera increíble, inspirando a una legión de bailarines. Pero no me hagas empezar Las locuras de Will Rogers cuya victoria Tony es uno de los mayores errores del American Theatre Wing. Eso es una perorata para otro día.

51. Mickey Rooney

Ni siquiera puedo imaginar lo que pensaron los jóvenes aspirantes a intérpretes cuando vieron a Rooney como Andy Hardy y dijeron: "Eso es lo que quiero hacer". Chicas en brazos sigue siendo uno de los grandes musicales cinematográficos de todos los tiempos. , Nancy Jo Sales relató en Vanity Fair que "sabía cantar, podía actuar, podía bailar. Aprendió a tocar el banjo, terriblemente bien, en un día. Tocaba la batería como un profesional. Era un golfista experto, un jugador campeón de ping-pong. Compuso una sinfonía, Melodante, que interpretó al piano en la Gala de Inauguración de Franklin Roosevelt en 1941. Mickey era una especie de monstruo hermoso y talentoso ".

50. Stanley Donen

Si bien sus películas más famosas son Cantando en la lluvia y En la ciudad, ambos codirigidos con el actor y bailarín Gene Kelly. Sus otras películas dignas de mención incluyen Royal Wedding, Siete novias para siete hermanos, cara divertida y ¡Malditos Yankees!. Recibió un Premio de la Academia Honorario en 1998, uno de los discursos de gran aceptación de todos los tiempos. Fue aclamado por el crítico de cine David Quinlan como "el rey de los musicales de Hollywood".

49. Ethel Merman

Una de las voces más reconocidas en la historia de la música, Merman fue toda personalidad en sus actuaciones. Hizo más de un papel icónico, increíblemente siendo una de las únicas actrices que no ganó un Tony por interpretar a Rose en gitano. Merman era conocida por su poderosa voz de mezzosoprano, su enunciación precisa y su tono. Debido a que los cantantes de teatro actuaban sin micrófonos cuando Merman comenzó a cantar profesionalmente, ella tenía una gran ventaja, a pesar de que nunca tomó lecciones de canto. De hecho, la tradición de Broadway sostiene que George Gershwin le aconsejó que nunca tomara una lección de canto después de que ella abrió en su Chica loca.

48. Robert Preston

Uno de los artistas más carismáticos en la historia del teatro musical, fue el encanto de Preston lo que hizo que sus actuaciones fueran tan icónicas. En lo que a mí respecta, la interpretación perfecta de Harold Hill comenzó y terminó con Preston. También aparecería en producciones de Mack & amp Mabel, ¡lo hago! ¡Hago! y Benjamin Franklin en París. Por no hablar de las versiones cinematográficas de Mame y Victor / Victoria.

Curiosamente, posiblemente su trabajo más influyente no estaba en el escenario. En 1961, el Consejo Presidencial de Aptitud Física le pidió a Preston que hiciera una grabación como parte de un programa para que los escolares hicieran más ejercicio diario. La canción "Chicken Fat", que fue escrita y compuesta por Meredith Wilson e interpretada por Preston con acompañamiento orquestal completo, se distribuyó a las escuelas de todo el país y se tocó para los estudiantes de calistenia todas las mañanas. Más tarde, la canción se convirtió en una novedad sorpresa y en parte de los recuerdos de la infancia de muchos baby-boomers.

47. Lorenz Hart

Uno de los grandes letristas de todos los tiempos, Hart, junto con Richard Rodgers, creó algunas de las músicas más icónicas del siglo XX. Sus cuatro grandes incluidos Chicas en armas, Los chicos de Syracuse, Pal Joey, y En tus dedos de los pies. Algunas de sus canciones clásicas, que han sido cantadas por innumerables artistas desde Billie Holiday hasta Frank Sinatra, son "Blue Moon", "Mountain Greenery", "The Lady Is a Tramp", "Manhattan", "Where or When", "Embrujada, molesta y desconcertada", "Enamorarse del amor", "Mi divertido San Valentín", "Podría escribir un libro", "Esto no puede ser amor", "Con una canción en mi corazón", " Nunca entró en mi mente "y" ¿No es romántico? "

46. ​​Barbara Cook

Si nunca has visto a Barbara Cook cantar en vivo, realmente te lo perdiste. Llegó por primera vez en la década de 1950 después de protagonizar los musicales originales de Broadway. Sencillo y elegante, Cándido y El hombre de la música entre otros, ganando un premio Tony por el último. Una voz ágil por decir lo menos, Cook es ampliamente conocido como uno de los mejores intérpretes de canciones de teatro musical. Un crítico del New York Times escribió que Cook es "una intérprete que difunde el evangelio de la simplicidad, la autosuficiencia y la verdad" que "nunca es simplista" y que evoca adjetivos como "asombroso" y "trascendente", y concluye que canta con "un ternura y honestidad que podrían romper tu corazón y repararlo todo de una vez ".

45. James Lapine

James Lapine no solo ha dirigido algunas de las mejores producciones de los últimos 40 años, sino que también ha escrito muchas de ellas. Pero lo que realmente siempre respeté de Lapine fue su capacidad para realizar trabajos audaces y tomar decisiones atrevidas. Sus créditos son una fila de asesinos de pesos pesados ​​como Marcha de los Falsettos, Into the Woods, Domingo en el parque con George, Passion y El 25 ° Concurso Anual de Ortografía del Condado de Putnam Sólo para nombrar unos pocos. Si Lapine no hubiera superado los límites tanto como lo hizo, Broadway sería un lugar mucho más "seguro" de lo que es hoy.

44. Debbie Allen

Antes de que hubiera Alegría había Fama. Y Fama era Debbie Allen. Más que eso, Allen ha sido una figura central en la coreografía desde la década de 1980. Tuvo su debut en Broadway en el coro de Purlie. Allen también creó el papel de Beneatha en el musical ganador del premio Tony. Pasa. Comenzó a recibir atención crítica en 1980 por su aparición en el papel de Anita en el renacimiento de Broadway de West Side Story que le valió una nominación al premio Tony y un premio Drama Desk, recibiría una segunda nominación al premio Tony en 1986 por su actuación en el papel principal en Dulce caridad. Pero fue Fama donde Allen tuvo el mayor impacto. Su línea de apertura de, "¿Tienes grandes sueños? ¿Quieres fama? Bueno, la fama cuesta. Y aquí es donde empiezas a pagar. Sudado". es un mantra por el que viven todos los artistas.

43. George Sidney

George Sidney fue uno de los primeros cineastas maestros de musicales. Su lista incluye Anchors Aweigh, Ziegfeld Follies, Annie Get Your Gun, Kiss Me Kate, Show Boat, Pal Joey, Bye Bye Birdie y Half A Sixpence. Dato interesante: Sidney se hizo muy amigo de los directores de animación de MGM William Hanna y Joseph Barbera. Jerry Mouse de Hanna y Barbera apareció junto a Gene Kelly en la película de Sidney Leven anclas. Después de que MGM cerró su estudio de animación en 1957, Sidney ayudó a Hanna y Barbera a cerrar un trato con Screen Gems, la división de televisión de Columbia Pictures, para formar el exitoso estudio de animación televisiva Hanna-Barbera Productions, y fue accionista de la empresa. Sidney más tarde presentó a Fred Flintstone, Huckleberry Hound y Yogi Bear de Hanna-Barbera en Bye Bye Birdie.

42. Abe Borrows

Burrows escribió, manipuló o dirigió programas como Pide un deseo, Dos en el pasillo, Tres deseos para Jamie, Say, Darling, Chicos y muñecas, Cómo tener éxito en los negocios sin intentarlo, Flor de cactus, Cuatro en un jardín, Can-Can, Medias de seda, Desayuno en Tiffany's, Buenas noticias (Avivamiento de 1974), y muchos otros. Con su colaborador Frank Loesser, Burrows ganó un premio Pulitzer por Cómo tener éxito en los negocios sin realmente intentarlo. Burrows atribuyó su éxito en el teatro a su trabajo bajo la leyenda del teatro George S. Kaufman. En la biografía de Kaufman de Howard Teichmann, se cita a Burrows diciendo que lo que dijo (como director, a su elenco), fue lo que escuchó decir a Kaufman en su colaboración en Chicos y muñecas. Burrows también se convirtió en un famoso doctor de guiones, lo suficiente como para que la desesperada llamada de un productor, "¡Consígame Abe Burrows!"

41. Cyd Charisse

Pregúntame quién es la mejor bailarina de la historia del cine. Responderé muy rápidamente con Cyd Charisse. La mujer era una maravilla de ver. Sus dúos con Gene Kelly no solo son hermosos sino también atemporales. Si el Broadway Melody Ballet de cantando en la lluvia no te mueve, no eres humano. Ella también apareció en números legendarios en Medias de seda y El carro de la banda. La mujer tuvo piernas durante días y se recuperó increíblemente de la polio cuando era niña. En 1992 hizo su esperado debut en Broadway en gran Hotel.

40. Cameron Mackintosh

Otra figura discutible en la historia del teatro musical. Pero no importa cómo se sienta acerca de Mackintosh, no puede negar su importancia a la hora de remodelar el papel del productor. Él solo revitalizó cómodamente 42nd St en la década de 1980 y principios de los 90 con una serie de éxitos gracias a Andrew Lloyd Webber y Claude-Michel Schönberg. Diré que sin Mackintosh, Los Miserables, Miss Saigon y Gatos cerrar dentro de un año.

39. Carol Channing

¿Ha habido alguna vez un embajador mejor y más positivo para el teatro musical? Aunque ciertamente es conocida por esa sonrisa y por la popularización de Broadway a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, la gente parece olvidar lo buena que era. Channing fue nominada a su primer premio Tony en 1956 por The Vamp. Su segunda nominación llegó en 1961 por Mostrar chica. En 1964 originó el papel de Dolly Gallagher Levi en ¡Hola muñequita!, ganando el premio Tony a la mejor actriz en un musical. Recibió su cuarta nominación al premio Tony por el musical Lorelei en 1974. Lorelei fue una reinvención de Los caballeros las prefieren rubias, un musical de 1949 que también protagonizó a Channing en el papel principal de Lorelei Lee, lo que la convirtió en una estrella. También fue nominada a un Oscar por Totalmente moderno Millie. También fue la primera mujer en actuar en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl. Todos estos logros con su inconfundible voz, definitivamente le valieron la inducción al American Theatre Hall of Fame en 1981, y un Lifetime Achievement Tony Award en 1995.

38. William Finn

Uno de los compositores más subestimados de nuestro tiempo, las canciones de William Finn son personales, identificables e íntimas. Hay algo más profundo en el trabajo al ver un musical de William FInn. Falsettos es una obra brillante que le valió a Finn su único premio Tony a la mejor puntuación, es cierto que debería haberlo superado Loco por ti por el premio mayor. Un nuevo Brian está lleno de canciones sobre la reflexión personal, el arrepentimiento y la esperanza. Parcialmente basado en sus propias experiencias, es, con mucho, el mejor trabajo de Finn con melodías increíbles y letras inteligentes.

Con 25 ° Concurso Anual de Ortografía del Condado de Putnam, Finn creó una pieza que es divertida, hilarante y, en última instancia, conmovedora. Mejor aún, es un espectáculo que cualquier teatro, desde la escuela secundaria hasta el profesional, puede producir. Cuando creas teatro para todos, eso te coloca en otro nivel de importancia.

37. Nathan Lane

La carrera de Nathan Lane siempre estará lista para una discusión interesante. ¿Es un icono del teatro musical? Si. ¿Obtuvo 4 nominaciones al Tony con 2 victorias? Si. ¿Es una de las estrellas de Broadway más reconocidas de nuestra generación? Absolutamente. ¿Es uno de los pocos intérpretes que puede llevar una obra de teatro y un musical? Curiosamente, sí. ¿Ha hecho tanto trabajo con la mitad de lo menos estelar que diluye un poco su carrera? No puedo discutir con eso. Pero ha creado algunos de los personajes más memorables de su carrera.

36. Jerome Kern

Uno de los compositores de teatro estadounidenses más importantes de principios del siglo XX, escribió más de 700 canciones, utilizadas en más de 100 obras teatrales, incluidos clásicos como "Ol 'Man River", "Can't Help Lovin' Dat Man", "Un buen romance", "El humo entra en tus ojos", "Todas las cosas que eres", "La forma en que te ves esta noche", "Hace mucho tiempo (y muy lejos)" y "¿Quién?". Colaboró ​​con muchos de los principales libretistas y letristas de su época, incluidos George Grossmith Jr., Guy Bolton, P. G. Wodehouse, Otto Harbach, Oscar Hammerstein II, Dorothy Fields, Johnny Mercer, Ira Gershwin y E. Y. Harburg.

Si bien la mayoría de los musicales de Kern se han olvidado en gran medida, excepto por sus canciones, Show Boat sigue siendo muy recordado y visto con frecuencia. Es un elemento básico de las producciones de valores y ha sido revivido en numerosas ocasiones en Broadway y en Londres. Un resurgimiento de 1946 integró la coreografía en el espectáculo, a la manera de una producción de Rodgers y Hammerstein, al igual que el resurgimiento de Harold Prince-Susan Stroman de 1994, que fue nominado a 10 premios Tony, ganando 5.

35. Vincente Minnelli

¿Es el mejor director musical de películas de todos los tiempos? No. ¿Es el segundo mejor? Definitivamente. Minnelli llevó algunas piezas icónicas de arte musical a la pantalla grande, como Gigi y Un estadounidense en París. Sus películas también hicieron que incluso algunos de los materiales más comunes se vean fantásticos, como Encuéntrame en St. Louis y Kismet.

34. Chita Rivera

Las mejores triples amenazas de nuestro tiempo, Rivera no podía equivocarse, todavía no puede equivocarse. Si estaba originando algunos de los papeles más importantes en la historia musical de Anita en West Side Story a Rosie en Bye Bye Birdie a Velma Kelly en Chicago. 8 nominaciones al Tony con 2 victorias, la carrera de Rivera terminó casi abruptamente. En 1986, mientras actuaba en el musical de Jerry Herman, "Jerry's Girls", Rivera sufrió un grave accidente cuando su automóvil chocó con un taxi en West 86th Street en Manhattan. Las lesiones sufridas incluyeron la rotura de su pierna izquierda en doce lugares, requiriendo dieciocho tornillos y dos aparatos ortopédicos para reparar. Después de la rehabilitación, Rivera continuó actuando en el escenario. Ahora ella está de vuelta en Broadway en La visita que abre esta semana oficialmente.

33. Zero Mostel

Mostel fue uno de los mejores intérpretes de todos los tiempos. Pero siempre pienso en "¿y si?" con él. ¿Qué pasa si no estuvo en la lista negra durante la mayor parte de la década de 1950? ¿Qué papeles podría haber desempeñado? Gran parte de su éxito icónico se produjo más tarde en su vida, como El violinista en el tejado, una cosa divertida. y por supuesto, Los productores.

32. Michael Bennett

Incluso sin Una línea de coro, Bennett todavía aparecería en algún lugar de esta lista. Bennett, con mucho uno de los mejores coreógrafos y directores de la década de 1970-80, fue nominado a 17 premios Tony, ganando 7. Fue coreografiado o dirigido producciones de Locuras, Dreamgirls, Coco, Seasaw, Promises Promises y Empresa.

Pero su mayor contribución fue Una línea de coro, en mi opinión, el segundo mejor musical de todos los tiempos detrás West Side Story. Por primera vez, Bennett nos llevó dentro de la mente del bailarín del coro y mostró la belleza y la lucha de sus vidas. El musical se formó a partir de cientos de horas de sesiones grabadas con bailarines de Broadway. Bennett fue invitado a las sesiones originalmente como observador, pero pronto se hizo cargo. Con la ayuda de Ed Kleban y Marvin Hamlisch, Una línea de coro incluyó algunas de las canciones más emblemáticas de la historia del teatro musical. Bennett, que nunca fue amigo de Hollywood, dejó la adaptación cinematográfica de Una línea de coro debido a diferencias creativas. Lamentablemente, Bennett moriría de SIDA a la edad de 44 años.

31. Lin Manuel Miranda

Los más grandes de Broadway no solo serán aquellos que eleven el listón en términos de calidad, sino también aquellos que rompan barreras y lleven el teatro musical a nuevas audiencias, lo que a su vez, inspirará a toda una generación de artistas. Si crees que eso no describe el trabajo de Lin-Manuel Miranda, entonces te estás engañando. En 2008, Lin-Manuel Miranda lanzó In The Heights sobre nosotros. Desde RENT no había habido una descripción tan brutalmente honesta de la socioeconomía y la lucha de un grupo demográfico en Broadway. Pero los logros de la producción de Broadway de En las alturas palidece en comparación con el impacto que hace lejos de la calle 42. Se ha convertido en uno de los musicales más interpretados por las escuelas secundarias desde que los derechos estuvieron disponibles.

Con Hamilton, Miranda hizo algo genial. Hamilton es el hito del teatro musical de su tiempo. Públicos que no reconocerían a Alexander Hamilton por su imagen o su nombre. ¿Pero mostrarles un musical con infusión de hip hop sobre un hombre que fue asesinado a tiros por el vicepresidente de los Estados Unidos? Ahora estás en algo. Ahora, si tan solo pudiera escribir un programa sobre matemáticas y ciencias, diría que le daría el premio Nobel.

30. Patti Lupone

Una de las mejores actrices de la historia del teatro musical, siempre se puede sentir una actuación de Patti Lupone. Puede que no tenga la voz más bonita o poderosa, pero la aporta cada vez y su mejor trabajo se encuentra entre algunos de los mejores que jamás hayan aparecido en el escenario de Nueva York. Su interpretación de Eva Perón te rompe el corazón al escucharla, la suya es la mejor interpretación de Fantine en Los Miserables y ni siquiera me hagas hablar de lo bien que estaba engitano. Patti Lupone, que sigue abriendo nuevos caminos y probando nuevos roles, sigue siendo una de las intérpretes más intrépidas en la historia del teatro musical.

29. Irving Berlin

Ampliamente considerado uno de los más grandes compositores de la historia de Estados Unidos, su música forma una gran parte del Great American Songbook. Escribió cientos de canciones, muchas de las cuales se convirtieron en grandes éxitos, lo que lo convirtió en "una leyenda" antes de cumplir los treinta. Durante su carrera de 60 años, escribió aproximadamente 1.500 canciones, incluidas las partituras de 19 espectáculos de Broadway y 18 películas de Hollywood, con sus canciones nominadas ocho veces a los Premios de la Academia. Muchas canciones se convirtieron en temas e himnos populares, como "Easter Parade", "White Christmas", "Happy Holiday". Después de que Jerome Kern, quien fuera el compositor de "Annie Get Your Gun", murió repentinamente de una hemorragia cerebral. Los productores Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II persuadieron a Berlin para que se hiciera cargo de la composición de la partitura. Sería la mayor contribución de Berlín al teatro musical. Lleno de canciones icónicas de "Anything You Can Do" y "No hay negocios como el mundo del espectáculo".

28. Mandy Patinkin

Con solo cinco musicales en su haber, Mandy Patinkin se ha convertido en el actor de teatro musical más icónico de todos los tiempos. Su debut como Che en Evita es una de las grandes actuaciones individuales de los últimos 50 años. Su trabajo en Domingo en el parque con George es una obra maestra para ver. El hecho de que no ganó el Tony por esto fue uno de los muchos crímenes de los premios Tony de 1984. La voz de Patinkin tiene una convicción y un sentimiento incomparables. Tiene una cualidad de todos los hombres. Si no has escuchado su álbum de 1995, Oscar y amp Steve entonces te estás perdiendo.

27. Frank Sinatra

Ningún hombre ha hecho un mejor trabajo para popularizar el teatro musical entre las masas que Frank. Un ícono estadounidense, tanto como cantante como, más tarde, como actor de cine, Sinatra nunca actuó en Broadway, pero protagonizó adaptaciones cinematográficas de Hollywood de cuatro musicales clásicos: Guys and Dolls, On the Town, Pal Joey y Can-Can. También apareció en muchos musicales que no eran de Broadway, incluidos Ankles Aweigh, Reveille With Beverly y Robin and the Seven Hoods.

Las dos canciones emblemáticas de Sinatra tienen raíces en Broadway: "My Way" se originó como parte de la partitura del vehículo de Broadway de Steve Lawrence What Makes Sammy Run? El éxito de su carrera, "New York, New York", fue escrito para una película del mismo nombre por el equipo de Chicago y Cabaret de John Kander y Fred Ebb. Incluso después de que el rock empujara los temas musicales fuera del Top 40, Sinatra continuó grabándolos, colocando temas de "I Won't Send Roses" de Jerry Herman y "Send in the Clowns" de Stephen Sondheim, "Good Thing Going" y "Old Friend "en las décadas de 1970 y 1980.

26. Cy Coleman

Fue un niño prodigio que ofreció recitales de piano en Steinway Hall, Town Hall y Carnegie Hall entre los seis y los nueve años. Antes de comenzar su legendaria carrera en Broadway, dirigió el Cy Coleman Trio, que realizó muchas grabaciones y fue una atracción de clubes muy solicitada. Cinco veces ganador del Tony, Coleman fue el hombre detrás de éxitos como Dulce caridad, en el siglo XX, pequeño yo y Barnum. Fue elegido miembro del American Theatre Hall of Fame.

Para 25-1 elegí pasajes escritos de personas que los veneraban o los conocían mejor.

25. Liza Minnelli

Liza Minnelli no es una ha-sido, es una siempre-fue. Comenzó como un anacronismo, se mantuvo así a lo largo de su carrera y lo sigue siendo incluso a los 60, con una salud incierta y, como no han concluido irrazonablemente los tabloides, loca con una Z.

Y no hay mejor prueba de ello que la grabación resucitada de un concierto de una sola mujer que la Sra. Minnelli dio en el Lyceum Theatre en 1972. La película de 16 milímetros cuidadosamente restaurada y remasterizada de "Liza With a 'Z'", que será se mostrará en Showtime mañana por primera vez en 30 años, sin duda hará las delicias de sus fans. También sirve como prueba A de lo fascinante y espantosa que era Liza Minnelli incluso en el apogeo de su carrera.

Para aquellos que nunca entendieron del todo su posición en la cultura pop, o la iconografía gay, y están alarmados por sus problemas de Page Six (y su reciente entrevista sin amarres con Larry King en CNN), la película de una hora proporciona algunas pistas. Solo hay un puñado de artistas femeninas de su generación que tienen esa presencia exagerada en el escenario, pero la hija de Judy Garland no era una cantante tan talentosa como Barbra Streisand ni tan pícara como Bette. Midler. El estrellato de la Sra. Minnelli se basa en una confluencia única de talento y biografía, persistencia y colapso. Y, por supuesto, suerte: canta un popurrí de "Cabaret", el musical que le dio a la Sra. Minnelli un Oscar y su papel cinematográfico más grande y plausible como protagonista romántica. Cada heroína que interpretó después de eso fue, en el mejor de los casos, una distorsión acuosa de Sally. Bowles.

"Liza With a 'Z'" muestra por qué ella realmente no encaja en el proyecto de ley como un flashback de todos modos, siempre operó fuera del tiempo.

24. Tim Rice

Inicialmente, estaba planeando contar la historia desde el punto de vista de la peluquera de Eva. Pero tuve un momento explosivo cuando descubrí que el Che Guevara era de Argentina y había estado allí cuando los Perón estaban operando. Pensé: “Espera, el Che sería mucho más interesante que un peluquero desconocido. De esa forma, obtengo dos iconos por el precio de uno ".

Puedo decir -inmodestamente- que el hecho de que Eva Perón sea ahora tan conocida se debe en un 90% al musical. En 1974, fue enterrada en una tumba sin nombre en Milán. Ahora está en la tumba de la familia Duarte en Buenos Aires, con una placa que tiene grabado "No llores por mí Argentina" en español. La última vez que estuve allí, una mujer estaba parada frente a la tumba cantando la canción. Pensé: “Esto es raro. ¿Le digo que lo escribí? No lo hice. Quizás debería haberlo hecho.

23. Bernadette Peters

Para los amantes del teatro, no puede haber mayor placer en la actualidad que presenciar a Bernadette Peters interpretar el número característico del espectáculo, "Send In the Clowns", con una transparencia emocional y una delicadeza musical que convierte esta célebre canción en una ocasión para transportar el arte. No estoy seguro de haber experimentado alguna vez con una fuerza tan palpable, o con la piel de gallina tan prominente, la sensación de estar presente en un momento imborrable en la historia del teatro musical.

Charles Isherwood sobre su actuación en A Little Night Music.

22. Leonard Bernstein

"Es incuestionable que algunas de estas canciones y pequeñas piezas perfectas nos parecen icónicas, marcan un territorio que reconocemos como importante para nuestra vida interior. Algunas de estas cosas lentas mayores y menores en secuencias de baile en" On the Town "o" Fancy Free ”una canción como“ En otro momento ”o“ Hay un lugar para nosotros ”. Es la música que nos persigue a todos. Habla sobre la construcción de grandes estructuras, está entretejida en la estructura de toda tu vida ".

“Él creó el molde, el modelo del maestro socialmente responsable, inclusivo y generoso, en contraposición al profesor distante, preocupado, aunque Dios sabe que podría ser profesor. No era el tipo de director de sumo sacerdote, ni profesor director, ni inspector general, ni director del reinado del terror. Me dijo: 'Oye, estamos todos juntos en esto, exploremos juntos'. Es algo que la gente todavía entiende y aspira ".

21. Audra McDonald

No cabe duda de Audra Ann McDonald, una de las dos estrellas nacidas aquí. Su Carrie está exuberantemente cantada y representada con picardía, una chica engreída capaz de burlarse de sí misma, y ​​es un brillante contraste con el bufón Enoch Snow de Eddie Korbich.

La reseña de Jeremy Gerard de su debut en Broadway en Carousel, por el que ganaría el primero de sus seis Tonys.

20. Stephen Schwartz

"Mi estilo de escritura ha sido influenciado por una especie de búsqueda de las piezas musicales que he escuchado, y será solo un momento" que podría usar como inspiración, dice.

Cuando se sienta a escribir, Schwartz suele empezar con el título de una canción. Luego viene el andamio (acordes), la melodía y por último de todas las letras, que él dice que deben adherirse a la silueta de la música. Schwartz nombra a docenas de artistas que lo han influenciado a lo largo de los años, desde Beethoven hasta Sting.

Quizás esta mezcla de influencias explique lo que la gente ha llegado a identificar como el "estilo Schwartz". Lo mejor de su música tiene un poder emocional universal, ecos de acordes y melodías que las personas han amado durante generaciones y continúan resonando.

19. Angela Lansbury

"El condominio en el que estamos ahora fue comprado después de la muerte en 2003 de su esposo, Peter Shaw, cuyo rostro sonriente se asoma desde un marco de fotos cercano. Decorado con una estética minimalista, con muebles en colores apagados y un televisor de pantalla plana , el apartamento es agradable, contemporáneo y funcional. Apenas ostentoso o reluciente de teatralidad, no hay nada que indique que pertenece a una legendaria matriarca del mundo del espectáculo. Para una mujer que ganó cinco premios Tony, 19 premios Emmy y tres nominaciones a los premios de la Academia, Hay una notable ausencia de objetos de interés. O tal vez simplemente no es el tipo de lugar que uno esperaría que viva una señorita Marple. Parte de lo que ha arraigado a Lansbury en la psique de una audiencia que abarca generaciones es su capacidad para desaparecer en los roles que interpreta .

Ha habido muchas sorpresas en la vida de Lansbury, pero quizás la más grande de todas es que se ha mantenido al día. "Me sorprende que no me quede atrás", dice. "Siempre me las he arreglado para seguir el ritmo. En el proceso de mantenerme ocupado, siempre me he mantenido relevante. Y eso es una sorpresa para mí.

“Porque todavía me permitirán salir, particularmente en el teatro, es una ilusión total. Si puedes vender que tienes 50 años, la audiencia te creerá ".

18. Andrew Lloyd Webber

Se supone que los artistas están en la ruina, él evidentemente no lo está. Se coleccionan artistas que colecciona, con la obsesión del niño pequeño que adoraba los trenes. Es una figura curiosa e interesante: empapado de música seria pero enamorado del teatro musical lo suficientemente rico como para no preocuparse por la política, pero inquieto de todos modos, extrañamente encantado de haber ganado un premio en el espectáculo de Newbury el fin de semana pasado por sus guisantes orgánicos y lo suficientemente ansioso por correr. salió a la calle bajo la lluvia para darme el nombre de un caballo suyo que cree que ganará en Ascot mañana. Crystal Music. Ese es el caballo, no un comentario sobre el programa, por si acaso mi amigo, que odia a Lloyd Webber, estuviera preocupado.

17. Campeón de Gower

"Cuando hice una audición para 'Bye Bye Birdie' en Broadway, Gower Champion dijo: '¡Tienes el trabajo!' Le dije: 'Señor Campeón, no puedo bailar'. Él dijo: 'Te enseñaremos lo que necesitas saber'.

16. Jonathan Larson

Como jefe del panel para el premio de producción de Richard Rodgers Studio, el Sr. Sondheim ayudó a "Rent" a recibir una subvención el año pasado.

La última vez que habló con el Sr. Larson fue hace unos meses: "Llamó con un problema, no un problema artístico, un problema de producción. Le di mi habitual consejo de cinco centavos: el teatro es colaboración, tienes para ceder terreno para ganar terreno. Si no quieres colaborar, entonces sé Wagner y consigue un Rey de Baviera que te apoye para que puedas hacerlo tú mismo ".

La deuda del Sr. Larson con su mentor se puede ver en sus letras verbalmente diestras, en un caso, bastante literalmente, cuando el grupo maltratado de desertores y soñadores canta un brindis irónico por:

Emoción, devoción, causar conmoción,

Creación, vacaciones, mucha masturbación,

La compasión, la moda, la pasión cuando es nuevo,

A Sontag, a Sondheim, a cualquier cosa tabú.

En la última noche de su vida, el Sr. Larson habló de algo que había aprendido de un amigo con sida: "No se trata de cuántos años vives, sino de cómo cumples el tiempo que pasas aquí. Ese es el punto del programa. . " - Anthony Tommasini

15. Hal Prince

La mayoría de los programas experimentan ciertos cambios. En ["A Little Night Music"] reemplazamos a una actriz porque queríamos tener una canción en el segundo acto ["The Miller's Son"] así que tuvimos que reemplazarla para conseguir una actriz que pudiera cantar esa canción. Me gusta hacer todo lo que puedas hacer antes de que vayas al ensayo, porque una vez que estemos en el ensayo o en el escenario habrá un problema que no anticipé. Es realmente bueno pensar que lo conseguimos todo, por supuesto, nunca lo conseguimos.

14. Judy Garland

Quizás lo más notable de la carrera de Judy Garland fue que pudo continuar tanto tiempo como lo hizo, mucho después de que su voz fallara y mucho después de que sus reservas físicas se hubieran gastado en diversas enfermedades que podrían haber dejado a una mujer menos tenaz. un inválido.

Era el tipo de personalidad cinematográfica cuya vida privada definía gran parte de su respuesta pública. Cada vez que subía a un escenario en los últimos años, traía consigo, lo aceptara o no, todos los fantasmas bien publicitados de su colapso emocional, su carrera colapsa y reapariciones. Las presiones de la actuación comenzaron para ella a una edad temprana. Cuando tenía 18 años y era la favorita de Louis B. Mayer en los estudios Metro-Goldwyn-Mayer y ganaba $ 150,000 por cuadro, ya estaba viendo a un psiquiatra.

Ella escribió sobre la experiencia años más tarde: "No es de extrañar que fuera extraña. Imagínese salir de la cama, correr hacia el consultorio del médico, acostarme en un sofá de cuero roto y contar mis problemas a un anciano que no podía oír, que respondió con un acento que no pude entender, y luego corrí a Metro para hacerle el amor al cine con Mickey Rooney ".

Su obituario del New York Times.

13. Jerome Robbins

"Jerry había declarado ese primer día que el escenario era un campo de batalla. Nunca se te permitía caminar en ese escenario excepto a petición suya que era un dictador absoluto.

Trajo esta técnica de actuación del Método al espectáculo, donde deliberadamente trató de fomentar la animosidad, el antagonismo, entre las dos pandillas opuestas, tanto en el escenario como fuera del escenario. No se les permitió comer juntos. Se suponía que no debían socializar ".

12. Alan Menken y Howard Ashman

"El momento que nunca superaré es cuando estábamos trabajando en Something There para BEAUTY AND THE BEAST. Nos habían dicho que Human Again no funcionaría para la película, al menos no en la forma en que la habíamos escrito. volvían a la mesa de dibujo para escribir algo más contenido y simple. Howard quería grabar la música que yo había escrito en su piano. Tenía un Walkman Pro con un pequeño micrófono conectado que no funcionaba correctamente. en ninguna parte, tomó esta grabadora / reproductor portátil MUY costosa y la arrojó a través de la habitación. Se estrelló contra la pared. Cuando superé mi conmoción, fui a recogerla. Howard gritó "¡¡No la toques !!"

Con la carga de lidiar con perder el control del SIDA en su cuerpo, no poder controlar también su proceso creativo era demasiado.

Cuando Howard trabajó, fue un compromiso total. Y cada fibra de su ser fue llevada a cabo ".

11. Barbra Streisand

“Recuerdo que cuando tenía 5 años y vivía en Pulaski Street en Brooklyn, el pasillo de nuestro edificio tenía una barandilla de latón y un gran sonido, un gran sistema de eco. Solía ​​cantar en el pasillo. Me conocían como la chica de la calle con buena voz. Sin padre, buena voz. Esa era mi identidad ".

10. Betty Comden y Adolph Green

No pretenden ser escritores muy "personales", pero su trabajo está impregnado de su afecto por el mundo del espectáculo y por su amada ciudad de Nueva York. Sus historias fueron siempre brillantes e inventivas, su diálogo ingenioso y sofisticado, su mundo, inocente e irreal, sin embargo reluciente de humanidad ".

9. Julie Andrews

Hay pocas películas que inspiran a hordas de personas a disfrazarse y cantar en un cine público. The Sound of Music hace precisamente eso, habiéndose convertido en un verdadero clásico desde su lanzamiento en 1965. Mucho de eso se debe al turno de Andrews como María, la joven monja que deja un convento para convertirse en institutriz. Con interpretaciones vocales como "Mis cosas favoritas" y el título "El sonido de la música", Andrews aporta su famosa voz al papel, imbuyéndolo tanto con la ligereza como con la gravedad que exige una película sobre cómo escapar de los nazis. Y cada vez que alguien gira en una colina, su voz suena en su cabeza. María de Andrews se ha convertido en uno de los personajes más queridos de todos los tiempos, nominado como uno de los mayores héroes cinematográficos de AFI e inspirando a una generación de aspirantes a actrices de Broadway. Mary Poppins puede ser su mayor logro, pero Maria von Trapp pasará a ser el papel más icónico de todos los tiempos de Julie Andrews. - Melissa Hugel

8. Gene Kelly

"¿Porqué quieres este trabajo?" Gene Kelly le pregunta a Taina Elg después de que ella audicionó para su acto en "Les Girls" (1957). "Porque te he visto bailar", dice. La respuesta tiene perfecto sentido, su baile es tan irresistible. Cualquiera que haya visto bailar a Kelly no puede evitar compartir su entusiasmo. Las imágenes en movimiento se mueven, y pocos artistas en pantalla han hecho que el movimiento parezca tan maravilloso.

Lo mismo ocurre una década después, en “Las jóvenes de Rochefort” (1967). Aquí están todos estos niños franceses cantando y bailando y, en cierto sentido, haciendo su propia versión de "Summer Stock", aunque una ciudad portuaria francesa es mucho más divertida que un granero en el campo, y Kelly está encantada de estar cerca de ellos. Es un anciano estadista del musical, sí, por eso Jacques Demy lo ha elegido. Pero también es parte de la acción (e incluso a los 55 es mejor bailarín que nadie en la película). El pertenece. Y cuando Francoise Dorleac se encuentra con él y deja caer sus papeles, y él comienza a ayudarla a recogerlos, ella echa un vistazo y está perdida. Es el cliché más ronco (y espeluznante) del cine: una hermosa joven se enamora perdidamente de un hombre mucho mayor. Excepto que esta vez ninguno de nosotros en la audiencia cree que es un cliché. ¿Cómo podríamos? También estamos enamorados de él.

7. George e Ira Gershwin

La música de George Gershwin es el sello distintivo de un compositor nativo americano que mezcló el entorno orquestal tradicional con el medio verdaderamente estadounidense: el jazz. Los sellos musicales de Gershwin, como Rhapsody in Blue, An American in Paris y Concerto in F son solo los más comunes de sus obras orquestales. Luego están sus canciones, muchas de las cuales están escritas por el otro Gershwin - Ira. Las contribuciones de Ira al mundo como letrista a menudo se pasan por alto debido a la grandeza de los estilos musicales de su hermano. Sin embargo, las letras de Ira son demasiado esenciales para pasarlas por alto.

6. Mary Martin

Más que cualquiera de sus compañeros, ella era lo que tocaba y encarnaba las canciones que cantaba. La señorita Martin era "una optimista alocada" y también la niña eterna imaginada por James M. Barrie. Acercándose a los 70, todavía decía: "No puedo evitar pensar que tengo 19". En el escenario, al menos en sentido figurado, nunca dejó de volar.

Su voz nunca fue el instrumento más fuerte. No era hermosa (aunque podría estar radiante). A través de la determinación, el coraje, el encanto, el humor burlón y un profundo sentido de sí mismo, todo convergió para crear un artista de teatro estimulante.

Hace algunos años participó en un homenaje de cumpleaños a Richard Rodgers en el Imperial Theatre, donde, décadas antes, había debutado en Broadway en "Leave It to Me". Durante días, estuvo preocupada por lo que diría. Cuando llegó el momento, de manera característica, improvisó. Subió al escenario y dijo lo más alto que pudo: "Me gustaría renovar mi suscripción". Cuando escribió sobre este momento en su autobiografía, comentó: "Eso es lo que me gustaría decir, ahora y siempre, a todos los públicos en todas partes". La renovación de por vida de Mary Martin fue aceptada con gratitud. - Mel Gussow

5. Cole Porter

El Sr. Porter escribió la letra y la música de sus canciones, ya ambos les aportó tal individualidad de estilo que un género conocido como "la canción de Cole Porter" se hizo reconocido.

Las características distintivas de una canción típica de Porter eran letras que eran urbanas o ingeniosas y una melodía con una cualidad sinuosa y melancólica. Algunas de sus canciones más conocidas en este sentido fueron "What Is This Thing Called Love", "Night and Day", "Love for Sale" y "Begin the Beguine".

Pero una canción de Porter igualmente típica e igualmente reconocible tendría una melodía simple y vivaz y una letra basada en una larga y entretenida lista de similitudes, opuestos o contrastes. "Let's Do It" marcó los amables hábitos amatorios de aves, flores, crustáceos, peces, insectos, animales y varios tipos de humanos, mientras que "You're the Top" fue un ejercicio de creación de superlativos que incluían elementos como "La pisada ágil de Fred Astaire", "El salario de Garbo" y "Mickey Mouse".

Aún así, un tercer tipo de canción de Porter era exclamativa tanto en la letra como en la melodía. "Sólo una de esas cosas", "A partir de este momento" y "Todo está bien conmigo" fueron ejemplos.

4. John Kander y Fred Ebb

Con presencia en Broadway durante casi 40 años y a través de una docena de musicales diferentes, el Sr. Kander y el Sr. Ebb tuvieron una de las colaboraciones más duraderas en la historia del teatro musical estadounidense. Desde su debut en Broadway en 1965, con "Flora, the Red Menace", protagonizada por una adolescente Liza Minnelli, hasta el actual renacimiento de "Chicago", el Sr. Kander y el Sr. Ebb fueron conocidos por su a veces descarada, a veces sincera tema, sus matices políticos a menudo puntiagudos y, más que nada, su asombrosa habilidad para fusionar letras nítidas y melodías pegadizas en un teatro musical tarareable y citable.

Gran parte de la sensibilidad cómica del equipo provino del Sr. Ebb, cuya expresión de verdugo y modales personales inexpresivos contradecían una pasión efusiva por una frase bien traducida. Típico fue "Don't Tell Mama" de "Cabaret", en el que un coro de mujeres caídas, liderado por Sally Bowles, suplica, más o menos, un poco de discreción:

Mamá cree que estoy de gira por Europa

Con un par de mis compañeros de la escuela y una acompañante.

Mamá ni siquiera tiene un indicio

Que los dejé a todos en Amberes y que estoy de gira por mi cuenta.

3. Richard Rodgers y Oscar Hammerstein

"La visión de la vida de Oscar Hammerstein era más positiva, más optimista. Tenía una familia maravillosa. Era un carpintero, un líder, un hombre dispuesto a luchar por las causas en las que creía ... Era un artesano tan meticuloso como Larry, y era extremadamente versátil, como socio, era completamente confiable.

"En lo que respecta a su trabajo conmigo, Oscar siempre escribió sobre las cosas que lo afectaron profundamente. Lo que fue verdaderamente notable fue su habilidad interminable para encontrar nuevas formas de revelar cómo se sentía acerca de tres temas interrelacionados: la naturaleza, la música. y amor.

"En 'Oh, What a Beautiful Mornin'", la primera canción que escribimos juntos para 'Oklahoma!', Oscar describió un idílico día de verano en una granja cuando 'todos los sonidos de la tierra son como música'.

“En 'Es una gran noche para cantar', reveló que las cosas que más pueden inducir a la gente a cantar son una noche cálida, iluminada por la luna y estrellada, y la primera emoción de enamorarse.

“En 'You Are Never Away', comparó a una niña con 'la canción que canto', 'el arco iris que persigo', 'una mañana de primavera' y 'la estrella en el encaje de un sauce salvaje'.

2. Bob Fosse

Aquí hay una prueba divertida, pídale a uno de sus amigos que no son del teatro que haga una impresión de cómo creen que es el baile de Broadway, es probable que hagan "manos de jazz", ¿adivinen quién las popularizó?

Uno de los coreógrafos-directores más exitosos de todos los tiempos, Fosse fue una de las pocas personas en ganar los tres premios más importantes del mundo del espectáculo: el Premio de la Academia por su dirección de "Cabaret", siete Tonys por la dirección o coreografía en el El escenario muestra "Pajama Game", "Redhead", "Damn Yankees", "Sweet Charity", "Pippin", "Dancin" y "Little Me", y tres premios Emmy por dirigir el especial de televisión "Liza With a Z. "

"Pero los premios no fueron lo más importante", dijo Viator."Lo importante era el hombre, él mismo, el genio y la dedicación a la excelencia que aportaba a todo lo que hacía. La forma en que podía hacer que quisieras hacerlo a su manera".

1. Stephen Sondheim

La primera vez que encontré a Stephen Sondheim fue como todos los demás: a través de fragmentos de canciones antiguas que la gente interpretó en la escuela de teatro, a través de Send in the Clowns, que todos conocían. En ese momento no sabía que él era la fuerza escritora detrás de West Side Story y Gypsy. A menudo se olvida, porque la gente piensa en Sondheim simplemente en términos de hacer música difícil y intelectual, lo cual hizo. Pero como letrista, también trabajó en algunos de los musicales más populares de la historia.

Creo que el propio Stephen estaría de acuerdo, en cierto modo, en que ha sido un alma torturada durante gran parte de su vida y le ha resultado difícil estar en busca de la felicidad. Muchos artistas brillantes están en conflicto de la misma manera y eso informa su trabajo. No es una ironía que trabaje en musicales, es ignorante creer que la forma solo funciona en un nivel alegre y superficial. Sondheim nunca ha escrito musicales típicos, del tipo que se hizo famoso en los Estados Unidos en las décadas de 1940 y 1950, escribe sobre la condición humana, con una capa tras otra de profundidad. El suyo es teatro musical, como obras de teatro con música, no comedia musical, y hay una gran diferencia. También es la razón por la que su legado es tan importante: Stephen Sondheim cambió el rostro del medio.

Passion, que revivirá en el Donmar a finales de este año, es un buen ejemplo. Es complejo y sombrío y no es en absoluto el tipo de cosas que esperarías que tuvieran música. Actué como protagonista en el West End para su estreno en el Reino Unido y trabajé muy de cerca con Sondheim. Él muy amablemente escribió, o mejor dicho, desarrolló la canción 'Hey, Mr Producer' (un tributo a Cameron Mackintosh) para mí, porque no había una gran canción de 11 horas para mi personaje Giorgio. Entramos en una pequeña habitación y me dio una clase magistral de una hora, hablándome y enseñándome a través de ella. No puedo explicar por qué, pero fue la sesión más extraordinaria. Por supuesto, me mantuve en contacto.

Como persona, Stephen Sondheim es un hombre muy divertido, muy seco y muy tímido. Nunca he presenciado ningún momento de diva, simplemente siempre parece tan emocionado que la gente está haciendo su trabajo. Lo curioso es que él y Andrew Lloyd Webber nacieron el mismo día, con casi dos décadas de diferencia. Siempre se supone que ha existido una intensa rivalidad entre los dos, se dice que a Sondheim le habría encantado el éxito comercial de Lloyd Webber y, de la misma forma, Lloyd Webber daría su pierna izquierda por una parte del elogio de la crítica de Sondheim. Si seguiremos representando a Sondheim en 500 años, como Shakespeare, es otro asunto. Le horrorizaría que incluso hubiera hecho la comparación, es un hombre muy modesto. Pero sí, es un innovador y se ha mantenido relevante a lo largo de su carrera.

Su obra maestra sigue siendo Sweeney Todd. Siempre será mi favorito. También puedo revelar que finalmente la actuaré el próximo verano en Chichester, cruzando los dedos con Imelda Staunton como la Sra. Lovett. Es el trabajo que llevó la forma de arte a un nuevo nivel. Si escuchas las orquestaciones, las letras, las rimas ingeniosas, los aspectos oscuros que exploran los siniestros caprichos de la mente de las personas, es increíblemente poderoso y original. Puede ver por qué Tim Burton se sintió tan atraído por ella.

Como intérprete, una vez que haya entendido el género del teatro musical, puede cansarse muy rápidamente de las cosas bidimensionales. Con Sondheim, siempre es un desafío. Es difícil y estimulante y es muy bueno con las complejidades de las relaciones y con las cosas que van mal. Cuando la música está bien hecha, solo puede aumentar esa emoción y hacer que el trabajo sea mucho más poderoso. Es por eso que Sondheim es para adultos y por eso su trabajo es a menudo tan profundo.


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