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Cronología de Gula

Cronología de Gula

  • C. 2047 a. C. - c. 1750 a. C.

    Gula atestiguó por primera vez durante el período Ur III en la historia de Mesopotamia.

  • 2000 a. C. - 1600 a. C.

    La diosa perro mayor Bau se convierte en la diosa curativa Gula durante el Antiguo Período Babilónico en Mesopotamia.

  • 1792 a. C. - 1750 a. C.

    Las deidades femeninas en Mesopotamia declinaron durante el reinado del rey amorreo Hammurabi de Babilonia; pero no Gula.

  • 1125 a. C. - 1104 a. C.

    Gula invocado en maldición en una tabla conmemorativa del reinado del rey Nabucodonosor I de Babilonia.


Tayikistán

Nuestros editores revisarán lo que ha enviado y determinarán si deben revisar el artículo.

Tayikistán, oficialmente República de Tayikistán, Tayiko Tojikiston o Jumhurii Tojikiston, Tayikistán también se deletrea Tayikistán, país situado en el corazón de Asia Central. Limita con Kirguistán al norte, China al este, Afganistán al sur y Uzbekistán al oeste y noroeste. Tayikistán incluye la región autónoma de Gorno-Badakhshan ("Montaña Badakhshan"), con su capital en Khorugh (Khorog). Tayikistán abarca la menor cantidad de tierra entre los cinco estados de Asia Central, pero en términos de elevación los supera a todos, rodeando más montañas y más altas que cualquier otro país de la región. Tayikistán fue una república constituyente (unión) de la Unión Soviética desde 1929 hasta su independencia en 1991. La capital es Dushanbe.

Varios lazos étnicos e influencias externas complican la identidad nacional de Tayikistán en mayor medida que en otras repúblicas de Asia central. El pueblo tayiko comparte un parentesco cercano y su idioma con una población mucho mayor de la misma nacionalidad que vive en el noreste de Afganistán, cuya población también incluye una gran proporción que habla dari, un dialecto del persa inteligible para los tayikos. A pesar de las diferencias sectarias (la mayoría de los tayikos son musulmanes sunitas, mientras que los iraníes son predominantemente chiíes), los tayikos también tienen fuertes lazos con la cultura y la gente de Irán, los idiomas tayiko y persa están estrechamente relacionados y son mutuamente inteligibles. La simbiosis económica centenaria de los tayikos con los uzbekos que habitan en los oasis también confunde un poco la expresión de una identidad nacional tayika distintiva. Desde los primeros años de la independencia, Tayikistán se ha visto sacudido por el conflicto entre el gobierno y la oposición islámica y sus aliados.


Una historia de la cocina gullah

¿Alguna vez has escuchado la frase "No comas nada que tu abuela no reconozca"? Los Gullah / Geechee de Carolina del Sur ciertamente entienden su significado, ya que traen las recetas, el punto de vista culinario y los ingredientes locales de sus antepasados ​​a la escena gastronómica del siglo XXI.

En la década de 1700, los propietarios de plantaciones eligieron a mano y esclavizaron a africanos occidentales de países como Sierra Leona, Guinea y Liberia por su conocimiento del cultivo de arroz en climas cálidos y húmedos como los de Lowcountry y Sea Islands en la costa de Carolina del Sur. Muchos años después, después de la emancipación y la construcción de puentes hacia y desde el continente, las costumbres del pueblo Gullah se extendieron por toda la zona y sus tradiciones espirituales, musicales y culinarias finalmente se convirtieron en parte de la identidad cultural de Carolina del Sur.

Ahora los residentes y visitantes del estado de Palmetto están adoptando la cultura gastronómica de Gullah más que nunca, con restaurantes desde las montañas hasta la costa que sirven platos clásicos de Gullah como camarones y sémola, gumbo y Frogmore Stew. De hecho, muchos de los platos que los habitantes de Carolina del Sur consideran favoritos clásicos del sur se derivan en realidad de la cultura Gullah. El arroz, por ejemplo, un alimento básico del sur por sí solo o tradicionalmente servido con gumbo, salsa y guisos, nunca habría sobrevivido en esta área sin las técnicas de cultivo expertas de la gente de Gullah.

Las maravillas del sur de una olla también se deben a la tradición culinaria de Gullah. Mientras los Gullah / Geechee trabajaban en las plantaciones de Carolina del Sur, guisaban verduras enteras en ollas grandes y las dejaban hervir a fuego lento todo el día mientras cuidaban los campos. Cuando regresaran a cenar, las verduras estarían tiernas y perfectas para disfrutarlas con arroz de cosecha propia y sobras de carnes de la mesa del maestro. Los cocineros de Gullah son los creadores del movimiento de la granja a la mesa de Carolina del Sur, y utilizando los mismos ingredientes locales de temporada y técnicas de cocina de sus antepasados, la nueva generación de Gullah / Geechee está impulsando los platos consagrados de su pasado histórico. en la corriente principal.


Contenido

Kodachrome fue la primera película en color que utilizó un método de color sustractivo para comercializarse con éxito en masa. Los materiales anteriores, como Autochrome y Dufaycolor, habían utilizado los métodos de serigrafía aditiva. Hasta su descontinuación, Kodachrome era la marca de película en color más antigua que se conserva. Se fabricó durante 74 años en varios formatos para adaptarse a cámaras de imágenes fijas y en movimiento, incluidos 8 mm, Super 8, 16 mm para películas (exclusivamente a través de Eastman Kodak) y 35 mm para películas (exclusivamente a través de Technicolor Corp como "Technicolor Monopack" ) y 35 mm, 120, 110, 126, 828 y gran formato para fotografía fija.

Kodachrome es apreciado en el mercado de archivos y profesional por su longevidad de almacenamiento en la oscuridad. Debido a estas cualidades, fue utilizado por fotógrafos profesionales como Steve McCurry, David Alan Harvey, Peter Guttman [5] y Alex Webb. McCurry usó Kodachrome para su retrato de 1984 de Sharbat Gula, Niña afgana, Para el National Geographic revista. [6] Fue utilizado por Walton Sound and Film Services en el Reino Unido en 1953 para la película oficial de 16 mm de la coronación de Isabel II del Reino Unido. También se produjeron copias de la película para la venta al público utilizando Kodachrome. [7]

Antes de Kodachrome Edit

Antes de que se comercializara la película Kodachrome en 1935, la mayor parte de la fotografía en color se había logrado utilizando métodos y materiales aditivos como Autochrome y Dufaycolor, [8] que fueron los primeros procesos de color prácticos. Estos tenían varias desventajas porque usaban un réseau filtro hecho de elementos de color discretos que eran visibles en la ampliación. Las transparencias acabadas absorbieron entre el 70% y el 80% de la luz en la proyección, requiriendo lámparas de proyección muy brillantes, especialmente para grandes proyecciones. Usando el método sustractivo, estas desventajas podrían evitarse. [9]

Primer uso del nombre de 'Kodachrome' Editar

El primer producto de Kodak llamado Kodachrome fue inventado por John Capstaff en 1913. [10] Su Kodachrome era un proceso sustractivo que usaba solo dos colores: azul-verde y rojo-naranja. Se necesitaron dos negativos en placa de vidrio, uno realizado con una emulsión pancromática y un filtro rojo, el otro elaborado con una emulsión insensible a la luz roja. Las dos placas podrían exponerse como un "bipack" (emulsión intercalada a emulsión, con una capa de filtro roja muy fina entre ellas), lo que eliminó la necesidad de exposiciones múltiples o una cámara a color especial. Después del revelado, las imágenes de plata se blanquearon con una química que endureció las porciones blanqueadas de la gelatina. Usando tintes que fueron absorbidos solo por la gelatina sin endurecer, el negativo que registró la luz azul y verde se tiñó de rojo anaranjado y el negativo expuesto a rojo se tiñó de azul verdoso. El resultado fue un par de imágenes de colorante positivas. Luego, las placas se ensamblaron de emulsión a emulsión, produciendo una transparencia que era capaz de una reproducción del color sorprendentemente buena (para un proceso de dos colores) de los tonos de piel en los retratos. Kodachrome de Capstaff se comercializó en 1915. También se adaptó para su uso como un proceso de película cinematográfica de 35 mm. [11] Hoy en día, esta primera versión de Kodachrome está casi olvidada, eclipsada por completo por el próximo producto Kodak que lleva el nombre Kodachrome.

En 2012, las primeras pruebas cinematográficas de Capstaff se agregaron al Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos bajo el título Disparos de prueba de Kodachrome de dos colores No. III (1922) por ser “cultural, histórica o estéticamente” significativa ". [12] [13]

Desarrollo de Kodachrome Edit moderno

La siguiente versión de Kodachrome fue inventada a principios de la década de 1930 por dos músicos profesionales, Leopold Godowsky Jr. y Leopold Mannes, [14] que también eran científicos con formación universitaria. [15] [16]

Mannes y Godowsky se interesaron por primera vez en la fotografía en color cuando en 1917, todavía alumnos de secundaria en ese momento, vieron una película llamada Nuestra Marina, [17] una película realizada mediante un proceso aditivo de cuatro colores. Ambos coincidieron en que el color era terrible. Después de leer sobre el tema en la biblioteca, comenzaron a experimentar con procesos de color aditivos. Sus experimentos continuaron durante sus años universitarios, y finalmente produjeron una cámara con dos lentes que proyectaban imágenes una al lado de la otra en una sola tira de película. La reproducción cromática de este proceso aditivo de dos colores no fue tan mala, pero alinear las dos lentes del proyector fue difícil.

Sus experimentos, que continuaron después de que terminaron la universidad, pasaron de múltiples lentes que producían múltiples imágenes de diferentes colores que tenían que combinarse para formar la transparencia final, a películas de múltiples capas en las que las imágenes de diferentes colores ya estaban combinadas, perfectamente alineadas. Una película de varias capas de este tipo ya había sido inventada y patentada en 1912 por el inventor alemán Rudolph Fischer. Cada una de las tres capas en la película propuesta sería sensible a uno de los tres colores primarios, y cada una de las tres capas tendría sustancias (llamadas "acopladores de color") incrustadas en ellas que formarían un tinte del color requerido cuando se combinaran. con los subproductos de la imagen plateada en desarrollo. Cuando las imágenes plateadas se decoloran, la imagen de tinte de tres colores permanecería. El propio Fischer no encontró una manera de evitar que los acopladores de color y los tintes sensibilizadores del color se desplazaran de una capa a la otra, donde producirían colores no deseados.

Mannes y Godowsky siguieron esa ruta, comenzaron a experimentar con acopladores de color, pero sus experimentos se vieron obstaculizados por la falta de dinero, suministros e instalaciones. En 1922, Robert Wood, un amigo de Mannes, escribió una carta al científico jefe de Kodak, Kenneth Mees, presentando a Mannes y Godowsky y sus experimentos, y preguntando si Mees podía permitirles usar las instalaciones de Kodak durante unos días. Mees se ofreció a ayudar y, después de reunirse con Mannes y Godowsky, acordó proporcionarles emulsiones multicapa hechas según las especificaciones de Mannes y Godowsky. La ayuda financiera, en forma de un préstamo de 20.000 dólares, fue proporcionada por la empresa de inversiones Kuhn, Loeb and Company, a quien una secretaria que trabajaba para esa empresa había conocido los experimentos de Mannes y Godowsky.

En 1924 pudieron patentar un proceso de dos colores. La parte importante de ese proceso patentado fue un proceso llamado difusión controlada. Al medir el tiempo que tardaba en formarse una imagen en la capa superior, pero aún no en la siguiente capa debajo de esa, comenzaron a resolver el problema que Fischer no podía. Usando esta forma controlada de procesar una capa a la vez, podían crear la imagen de tinte del color requerido solo en esa capa en la que se requería. Unos tres años después, todavía estaban experimentando con este método de difusión controlada para separar los colores en la emulsión multicapa, pero para entonces habían decidido que, en lugar de incorporar los acopladores de color en las propias capas de la emulsión, podrían añadirse al revelado. productos químicos, resolviendo el problema de los acopladores de color errantes. La única parte que quedaba del problema original de Fischer con una emulsión multicapa eran los colorantes sensibilizantes errantes.

En 1929 se acabó el dinero y Mees decidió ayudarlos una vez más. Mees sabía que la solución al problema de los tintes errantes ya la había encontrado una de las científicas de Kodak, Leslie Brooker. Así que les dio a Mannes y Godowsky suficiente dinero para pagar el préstamo que Kuhn Loeb les había proporcionado y les ofreció un salario anual. También les dio un plazo de tres años para encontrar un producto terminado y comercialmente viable.

Poco antes de que expirara el período de tres años, a fines de 1933, Mannes y Godowsky todavía no habían logrado encontrar nada utilizable, y pensaron que Kodak terminaría sus experimentos. Su única posibilidad de supervivencia era inventar algo a toda prisa, algo que la empresa pudiera poner en producción y capitalizar. Mees, sin embargo, les otorgó una extensión de un año y, aún teniendo desafíos técnicos que debían resolver, finalmente le presentaron a Mees un proceso de película en dos colores en 1934. El Kodachrome original inventado por John Capstaff unos 20 años antes también tenía dos -color.

Mees inmediatamente puso las cosas en movimiento para producir y comercializar esta película, pero justo antes de que Kodak estuviera a punto de presentar la película de dos colores en 1935, Mannes y Godowsky completaron el trabajo en el tan esperado pero ya no esperado, mucho mejor, tricolor. versión. El 15 de abril de 1935, se anunció formalmente esta nueva película, tomando prestado el nombre del proceso de Capstaff. [11]

Historial de lanzamiento y posterior Editar

Kodachrome se vendió por primera vez en 1935 como película de película de 16 mm con una velocidad ASA de 10 [18] [19] y al año siguiente estuvo disponible como película de película de 8 mm y en formatos de 35 mm y 828 para cámaras fijas. [20]

En 1961, Kodak lanzó Kodachrome II con imágenes más nítidas y velocidades más rápidas a 25 ASA. [21] En 1962, se introdujo Kodachrome-X en ASA 64. En 1974, con la transición al proceso K-14, Kodachrome II y Kodachrome-X fueron reemplazados por Kodachrome 25 y Kodachrome 64. [22]

En años posteriores, Kodachrome se produjo en una amplia variedad de formatos de película, incluidos 120 y 4 "× 5", y en valores ISO-ASA que van de 8 a 200. [23]

Hasta que la fabricación fue asumida por el fabricante de películas rival GAF, los carretes estéreo View-Master usaban películas Kodachrome.

Rechazo y suspensión Editar

Las películas de transparencias en color posteriores, como Agfachrome, Anscochrome, Fujichrome y la propia Ektachrome de Kodak, utilizaron procesos de revelado de color más simples, rápidos y accesibles. Sus velocidades de película más altas también erosionaron la participación de mercado de Kodachrome, ya que la calidad de las películas de la competencia mejoró con el tiempo. A medida que la fotografía digital redujo la demanda de todas las películas después de 2000, las ventas de Kodachrome disminuyeron aún más. El 22 de junio de 2009, Kodak anunció que dejaría de fabricar películas Kodachrome, citando una demanda en declive. [5] Durante su apogeo, muchos Kodak y laboratorios independientes procesaban Kodachrome, pero para 2010, solo quedaba una instalación certificada por Kodak: Dwayne's Photo en Parsons, Kansas. [24] El 14 de julio de 2010, se anunció [25] que el último rollo de Kodachrome fabricado había sido desarrollado por Dwayne para el fotógrafo Steve McCurry, un fotógrafo de National Geographic. McCurry le había pedido a Kodak el último rollo en existencia y luego salió solo para usar ese rollo. [26] Aunque McCurry conserva la propiedad de las diapositivas, las impresiones de las 36 exposiciones se encuentran permanentemente guardadas en la Casa George Eastman en Rochester, Nueva York [25] y la mayoría de las imágenes han sido publicadas en Internet por Feria de la vanidad revista.

Rumores de reintroducción de 2017 Editar

Después de anunciar el regreso de Ektachrome a principios de 2017, el CMO de Eastman Kodak, Steven Overman, dijo La Kodakery podcast, "estamos investigando Kodachrome, viendo lo que se necesitaría para recuperarlo". [3] Aunque la declaración generó un gran interés en los medios, un funcionario de Kodak Alaris (que sería responsable de su producción y venta) reconoció posteriormente que la devolución de Kodachrome probablemente no era práctica (debido a la dificultad de restaurar el actual infraestructura desmantelada necesaria para soportarlo) y, por lo tanto, es poco probable. [4]


"Mini-Ben" Philipp, (ver ensayo sobre nombres arriba) tenía solo 11 años y cantaba en su primer gran concierto cuando abordó la difícil parte en solitario basada en el director / compositor Robert Prizeman en la sección "Acuario" de Camille St.-Saens ' Carnaval de los animales.

Créditos
Año Rol / Tipo Nombre de producción / director Compañía / Lugar
2017 Director
Musical
gitano Candilejas
Teatro Exeter Barnfield
2017 Director
Musical
Los productores Candilejas
Teatro Exeter Northcott
2016 Piangi
Musical
El fantasma de la ópera Candilejas
2015 Jamie
Musical
Los últimos cinco años Compañía de teatro Red Oak
Casa de Poltimore
2015 Maestro de ceremonias
Musical
Cabaret Candilejas
El Lemon Grove

Cultura Gullah

Los gullah del pasado y del presente tienen una cultura intrigante que aman profundamente y quieren preservar. Las costumbres, incluida la narración de cuentos, el folclore y las canciones, se han transmitido de generación en generación. Muchas mujeres hacen manualidades como cestas y edredones. Los tambores son un instrumento popular. Los gullah son cristianos y asisten a los servicios religiosos con regularidad. Las familias y comunidades de Gullah celebran juntos las fiestas y otros eventos. Los gullah disfrutan de deliciosos platos basados ​​en los cultivos que cultivaban tradicionalmente. Se han realizado grandes esfuerzos para preservar la cultura Gullah. El Servicio de Parques Nacionales supervisa el Corredor del Patrimonio Cultural Gullah / Geechee. Existe un Museo Gullah en Hilton Head Island.


Cronología de Gula - Historia

Este es un cliché repetido tan a menudo que ya no tiene ningún significado. Sabemos que Lee Kuan Yew quería Singapur así y podemos ver las hileras de árboles cuidadosamente plantados. Pero la familiaridad genera desprecio, por lo que apenas registramos su presencia a medida que avanzamos en nuestras vidas.

Este no debería ser el caso porque "Ciudad jardín" no es solo un eslogan de marketing, sino la verdad. Mucho se ha escrito sobre la ubicación estratégica de Singapur como puerto y bla, bla, bla, pero poco se dice sobre la contribución económica de nuestros árboles.

La ubicuidad de los eslóganes de & # 8216Garden City & # 8217 ha oscurecido la realidad de que Singapur ES a & # 8216Garden Nation & # 8217. El destino de Singapur ha sido (y sigue siendo) moldeado por los árboles que crecen aquí. Y no porque Ah Gong lo diga.

El bosque de manglar alberga muchas especies tolerantes a la sal, pero la más útil de ellas es probablemente la palma Nipah, también conocida como Attap. Encontrado más hacia el interior, donde el mar da paso al agua dulce, el Nipah / Attap es un & # 8216tree & # 8217 esencial para el Singapur precolonial. En todo el sudeste asiático, el attap es el bloque de construcción básico de un kampung porque las grandes hojas de palma se pueden convertir en techos para su choza de attap, o tejer en cestas, sombreros y otros artículos útiles.

Aparte de los sombreros de droga, la savia del árbol también se puede convertir en un edulcorante similar al Gula Melaka llamado Gula Apong. Supuestamente es más fragante que su primo de Malaca, pero nunca lo sabremos porque a) su producción requiere mucha mano de obra yb) rara vez se come fuera de Sarawak.

Aunque la palma de Nipah todavía se puede encontrar en Pulau Ubin o Tekong, ya no se ve, ni siquiera en Kampungs. Los escritores señalan que Bukit Ho Swee y Kampung Buangkok tenían viviendas atacadas, pero el fuego redujo las primeras a cenizas, mientras que los techos de zinc han reemplazado desde hace mucho tiempo a las atap en las segundas.

El increíble valor de la nuez moscada se debió a su escasez. El árbol crece solo en las islas Maluku & # 8216spice & # 8217 (Indonesia) y la exportación estaba controlada por los reyes locales. Los comerciantes árabes / indios lo llevaron a Malaca, donde fue comprado por marineros portugueses y enviado de regreso a Europa a través de Sri Lanka, luego Sudáfrica. Para cuando desembarcó en Lisboa, la nuez moscada era básicamente cocaína picante, vendida a 300 veces el costo de producción. .

En el siglo XVII, la Compañía Holandesa de las Indias Orientales se cansó de regatear con intermediarios y decidió subyugar violentamente a la región. Conquistaron las Molucas, mataron a todos en las islas y monopolizaron el comercio de especias de una vez por todas.

Es decir, hasta que llegaron los británicos, también en busca de la nuez moscada y también dispuestos a derramar sangre por las especias.

Por lo tanto, no sorprende que la nuez moscada se haya convertido en uno de los primeros árboles cultivados en Singapur. Raffles plantó nuez moscada en el área alrededor de Fort Canning inmediatamente después de reclamar Singapur. Floreció, lo que provocó que surgieran plantaciones de nuez moscada en Singapur, Sri Lanka y más allá.

Aunque el cambio de gustos y el exceso de oferta acabaron con el mercado de la nuez moscada, se puede argumentar que Singapur no habría sucedido si no fuera por el árbol de la nuez moscada, cuya extraña y sangrienta fruta trajo a los europeos al SEA.

Mientras que los árboles comerciales de caucho se encontraron solo en Brasil, los espías británicos lo llevaron de contrabando a los Jardines Botánicos Reales de Kew. La planta tropical no creció bien en las zonas templadas de Inglaterra, por lo que se envió a los Jardines Botánicos de Singapur en 1877, donde fueron atendidas por el director científico Henry "Mad" Ridley.

En Cluny Road, Ridley desarrolló una técnica superior de & # 8216wound response & # 8217 para aprovechar los árboles de caucho y promovió la plantación de caucho en cada oportunidad. Desafortunadamente, tenía un EQ bastante bajo y todos en el gobierno colonial ignoraron las peroratas de & # 8216Rubber Crank & # 8221 sobre cómo RuBbEr está en el futuro.

A pesar de la falta de interés inicial, la defensa de Ridley & # 8217s Rubber fue finalmente asumida por un plantador de tapioca chino llamado Tan Chay Yan, quien comenzó a plantarlos cerca de Melaka. En unos pocos años, la demanda de semillas de caucho se disparó y los Jardines Botánicos de Singapur apenas pudieron mantenerse al día. Las 98.000 semillas de caucho vendidas en 1898 crecieron a 157.000 semillas de caucho en 1901 y, finalmente, a 837.500 semillas en 1911, con pedidos procedentes de lugares tan lejanos como Nigeria y Cuba.

En resumen, Rubber fue el unicornio de puesta en marcha de OG.

Con 20 años de la primera cosecha de Tan Chay Yan & # 8217, los escasos 345 acres de árboles de caucho en Malaya se convirtieron en 2,3 millones de acres. Malaya suministró caucho a la mitad del mundo y el Jardín Botánico de Singapur se convirtió en el principal distribuidor de semillas de caucho. En Singapur, los árboles de caucho se pueden encontrar en todas partes, desde Istana hasta Ang Mo Kio y Pulau Ubin. Gran parte se exportó a Estados Unidos para su uso en la floreciente industria automotriz.

Me refiero, por supuesto, al infame discurso de George Yeo de 1991 comparando al gobierno del PAP con un Banyan Tree. Los árboles suelen ser metáforas halagadoras porque representan el enraizamiento, el refugio y todas esas cosas buenas. Sin embargo, la elección de George Yeo de un banyan —un higuera estranguladora— complica las cosas porque los Banyan Trees son de naturaleza parasitaria. Se injertan en un árbol anfitrión, compiten con él por los recursos y, finalmente, matan al anfitrión original. El follaje del baniano es tan denso que evita que otras hojas reciban luz solar.

Justo cuando Banyan Tree estrangula con vida a su anfitrión, el estado niñera de Singapur estrangulaba a la sociedad civil que gobernaba. De ahí la necesidad de & # 8216poda & # 8217, para que Banyan y el anfitrión (es decir, el gobierno y la sociedad del PAP) puedan coexistir felizmente.

Felicitaciones a George Yeo por llamar la atención sobre las tendencias más represivas de nuestro gobierno con las metáforas más elegantes. Aunque la analogía tiene 37 años, sigue siendo relevante hoy porque la tensión central entre autoritarismo (Banyan) y liberalismo (poda) aún existe. Se puede ver en el entusiasmo del gobierno por promulgar legislación sobre noticias falsas y su renuencia a permitir que los oponentes políticos sean oponentes políticos.

Si le preguntas a críticos como Cherian George, el proverbial Banyan probablemente aún podría usar algunos golpes más con la motosierra.

A pesar de su gran número, el árbol de la lluvia no es particularmente interesante. No tiene un propósito comercial real como Nutmeg y la tristeza aguarda al hombre que intenta construir un kampung con hojas de Rain Tree. Incluso cuando LKY lanzó su campaña & # 8216Garden City & # 8217 en 1963 para hacer que Singapur volviera a ser verde, plantó un árbol Mempat en lugar del más común Rain Tree.

Quizás lo único fascinante de Singapur & # 8217s Rain Trees es el origen. Al igual que el árbol del caucho, fue un inmigrante estadounidense, que se plantó por primera vez aquí alrededor de 1882/1876 (?) Para proporcionar sombra a las plantas que se marchitan bajo demasiada luz solar directa. Como 377A, azotes y la Ley de Seguridad Interna, Rain Tree es parte del legado colonial invisible de Singapur, que persiste en la era moderna.

Las plantaciones de palma aceitera fueron comunes en Malasia e Indonesia durante la mayor parte del siglo XX. Sin embargo, la producción nunca se disparó realmente hasta las décadas de 1980 y 2000, cuando Malasia e Indonesia se convirtieron en los mayores productores mundiales de aceite de palma.

La razón es doble. En primer lugar, Europa y América aprobaron regulaciones contra las grasas trans y el aceite de palma es una alternativa de bajo costo sin grasas trans. En segundo lugar, la industria de bienes de consumo (Unilever, Nestlé, etc.) encontró gradualmente más y más usos para el aceite de palma. Su helado probablemente contiene una pinta considerable de aceite de palma refinado que representa productos lácteos más costosos, al igual que su lápiz labial, jabón, chocolate, pan y muchos otros.

¿Qué tiene esto que ver con Singapur? Bueno, Peter Lim / Robert Kuok & # 8217s Wilmar International es uno de los mayores productores mundiales de aceite de palma. Se han hecho muchas fortunas de Singapur invirtiendo en aceite de palma, incluso si el árbol no crece realmente crece en Singapur.

Los árboles posmodernos dan frutos extraños y ninguno es más extraño que los superárboles detrás de Marina Bay Sands. Es un árbol que no es un árbol, unido por un camino patrocinado por OCBC y decorado con plantas que son 100% no nativas de Singapur. Crece bien si lo riegas con growth-hacking y puede arrojar inmensas ganancias de relaciones públicas, que incluyen, entre otras, 1) una visita de Kim Jong Un y 2) un cameo largo en Crazy Rich Asians y 3) una función de Nas Daily.

Este también es un árbol que se resiste a la interpretación. ¿Fabricamos un árbol para mostrar que los humanos finalmente han superado a la naturaleza y, por lo tanto, a Dios? ¿El marketing de Garden City se ha apoderado de la jardinería de Garden City? ¿Son las plantas no autóctonas algún tipo de declaración sobre la diversidad o una postura sobre la inmigración? ¿Son las redes sociales la última frontera que hay que conquistar al igual que los holandeses conquistaron las islas Molucas? ¿Es el fruto de la & # 8216 exposición & # 8217 uno imaginario? ¿O es real porque nuestras vidas digitales son más reales que las reales?

En cualquier caso, hay que admitir que son muy bonitas, especialmente de noche. Solo espero que los turistas no se cansen de la validación de Instagram de la forma en que los europeos finalmente dejaron de esnifar nuez moscada.

Puede sonar extraño y pomposo, pero la historia de Singapur es en el fondo, una historia botánica. Nos definen no solo las personas, sino también las plantas y los árboles que viven en los espacios intermedios. La marca & # 8216Garden City & # 8217 es cierta, porque durante gran parte de nuestra historia, sobrevivimos manipulando la naturaleza, convirtiendo la jungla salvaje en un & # 8216garden & # 8217 controlado, que podríamos inclinar hacia nuestros propios propósitos.

Sé que es algo ridículo que un idiota escriba sobre un tema así, así que déjame terminar con una cita de un experto. Lo siguiente es de E. J. H. Corner, subdirector de los Jardines Botánicos de Singapur (1929-1946):

& # 8220 Escribir un libro sobre Malaya para todos los que encuentran belleza e inspiración en la vida del país ha sido mi objetivo. Necesitamos con urgencia libros sobre historia natural, ya sean para escuelas o para adultos porque, en nuestra explotación y destrucción de los recursos naturales, no debemos olvidar que una marca de civilización es la consideración que los hombres otorgan a las cosas salvajes. Siempre nos ha parecido el deber de los biólogos preparar, de vez en cuando, libros de historia natural que sirvan de guías y compañeros sobre todo a los aficionados, en los que la llama del conocimiento arde más intensamente, para que cada generación pueda desempeñar su papel. preservando la historia natural y la vida salvaje del país. Hemos elegido los árboles como tema porque toda la riqueza nativa de Malasia depende de la integridad de sus bosques. Si se puede crear el deleite de los árboles y el respeto por su majestuosidad, incluso en un pequeño grupo de personas, nuestro país nunca sufrirá la trágica domesticación que han sufrido muchas tierras domesticadas. Los botánicos saben muy bien que cuando se destruye el bosque, el antiguo verdor de la tierra se pierde para siempre, los árboles parten en llamas y ningún manto desciende para cubrir nuestra ignorancia. & # 8221


10 fotos que cambiaron el curso de la historia

La historia y la fotografía siempre han sido inconstantes compañeros de cama, y ​​predecir qué fotos se arraigarán en el rico tapiz de la historia mundial puede ser difícil. Algunas fotos están concebidas teniendo en cuenta el reconocimiento duradero, mientras que otras se encuentran subiendo lentamente a la cima a medida que se analizan los valores históricos y cambian las actitudes modernas.

Las siguientes fotografías son ejemplos del poder detrás del momento en que personas, lugares y experiencias han llegado a moldear el curso de la historia con poderosos mensajes e imágenes trascendentales. En el clímax de su fama, estas fotos asombraron, inspiraron y motivaron a personas de todos los orígenes, y documentaron algunos de los momentos más poderosos de la historia hasta la fecha.

El beso

Tomada por Alfred Eisenstaedt en Nueva York el 14 de agosto de 1945, El beso (de lo contrario se conoce como Día V-J en Times Square) captura el momento icónico en que un marinero de la Marina de los EE. UU. besó a un extraño en las calles de Times Square. Popularizado por su publicación en Vida revista, la fotografía es un gran ejemplo del poder de la fotografía callejera en acción.

Eisenstaedt había estado presente en Time Square para lo que se conoce coloquialmente como "Día de la Victoria sobre Japón", el día en que la Segunda Guerra Mundial terminó con la rendición del Japón imperial. El cierre de la guerra provocó celebraciones en todo el país, incluido un frenesí de festividades en Times Square, donde Eisenstaedt vio al marinero besando a una desconocida, una enfermera, identificada por su uniforme blanco.

Hay muchas cosas en la foto que contribuyen a su reputación icónica. Se siente a la vez sincero y posado: la forma y los contornos de la pareja que se besa se sienten proactivos, vivos y apasionados. Los espectadores de los alrededores, riéndose y mirándose con los ojos a la pareja, los enmarcan perfectamente y agregan un elemento sincero a la foto. La foto se siente como un símbolo de celebración y ha tenido un impacto cultural duradero en la historia de Estados Unidos.

Madre migrante

Una representación icónica de la Gran Depresión, Dorothea Lange's Madre migrante presenta a una mujer empobrecida junto a sus hijos que miran lejos. La fotografía fue tomada en algún momento durante 1936 mientras la Gran Depresión todavía estaba en pleno apogeo y es un ejemplo extremadamente famoso de fotografía documental.

La imagen conmovió a las masas y pocos días después de su publicación, el campamento de recolectores de guisantes en el que se habían ubicado la mujer y su familia recibió 20,000 libras de alimentos del gobierno federal.

Su influencia proviene de los sentimientos que Lange capturó. La mujer en cuestión, Florence Owens Thompson, y sus descuidados hijos se ven dramáticamente desamparados. La historia de fondo que Lange proporcionó, una afirmación de la pobreza de la familia, enfatizó aún más el punto: la gente estaba sufriendo.

Madre migrante sigue siendo impactante hoy, representando en parte tanto la historia como el arte de la Gran Depresión.

Un hombre en la luna

Tomada por Neil Armstrong el 20 de junio de 1969, Un hombre en la luna muestra al astronauta Buzz Aldrin mientras da algunos de sus primeros pasos a través de la superficie de la luna.

Equipado con una cámara de superficie lunar de 70 mm, Armstrong se propuso documentar la expedición del Apolo 11 a través de una serie de fotos que detallan los primeros pasos de la tripulación de dos y la ubicación de la bandera estadounidense.

Inmortalizado de todas esas fotos es Un hombre en la luna. En él, Aldrin está solo con nada más que la vasta extensión de la luna como telón de fondo. Sin una pizca de humanidad a su alrededor, Aldrin es devorado por la gran incógnita del espacio, capitalizando los sentimientos de soledad y curiosidad que, aún hoy, nos impulsan a encontrar la vida más allá de los confines de la tierra. His singular presence in the photo also punctuates the whole point of the expedition: a man landed on the moon.

Blind

Famously created through the use of a camera with a false lens, the photo Blind captures a woman gazing off to the side, seemingly unaware of the fact that she is being photographed.

For this series of photos, photographer Paul Strand utilized a lens that was able to capture the opposite of what he aimed his camera at, conscious of the fact that people tend to act differently when aware of the camera lens. He endeavored to capture people as they acted naturally, and effectively helped to usher in the art of street photography.

Today street photography is a thriving, albeit, debatable art. Methods and approaches to the genre have been accused of being invasive. However, the art of street photography has undeniable beauty, and the potential to make powerful social and political statements.

Raising the Flag on Iwo Jima

One of the most iconic photos of World War II, Raising the Flag on Iwo Jima by photographer Joe Rosenthal has been engrained nationwide into the minds of Americans as a symbol of victory and patriotism.

In the photo, Rosenthal snaps six American marines raising the U.S. flag on top of Mount Suribachi to mark its capture. The flag in question served as the commander-ordered replacement to a much smaller flag, and was hoisted up in order to inspire the troops present for the capture.

Rosenthal’s photo was published a mere two days after its capture, and immediately skyrocketed to fame. It became so famous, and so positively regarded, that Rosenthal eventually won a Pulitzer Prize in Photography for it.

Today the photograph continues to represent America’s role in World War II, and perseveres in inspiring feelings of victory and unity.

Earthrise

This eponymous photograph depicts Earth as it emerges from the darkness of space, with just a cheeky sliver of the moon decorating the photo’s foreground. Captured by astronaut William Anders during the Apollo 8 voyage, Earthrise was, and still is, a shocking reminder of our lonely existence in the vast expanse of space. And yet, shocking as it is, great beauty lies in the marble-like swirl of blue and white cropping out from the monotonous blackness of our galaxy.

The photo capitalized on the beauty of our planet during a time when we were looking for beauty beyond it, and rippled through the world in such a way that people have used the photo repetitively to exemplify why the preservation of the nature of Earth is worth it.

Afghan Girl

Known for her intense stare and bold green eyes, Afghan Girl came to symbolize the struggles of refugee women to the Western world. Taken by National Geographic Society photographer Steve McCurry during the Soviet occupation of Afghanistan, Afghan Girl (whose real name is Sharbat Gula) managed to conceptualize everything about the struggles of refugee women all in the photo of one, tattered, gritty girl.

It is an undeniably well-framed portrait that conveys a world of emotion through one appearance Gula’s stare is intense, determined, and unafraid, and her clothing, bright red and ragged from wear, speak volumes about her struggles as a refugee. Hoy dia, Afghan Girl is still one of Nat Geo’s most famous issue covers.

Milk Drop Coronet

Taken in 1957 by Harold Edgerton, Milk Drop Coronet was a photo that helped change the mechanics of photography forever. The image, which captures the resulting splash of a milk drop striking the surface of milk, was the first of its kind to stop time.

Prior to its capture, photographers had struggled to photograph dark scenes and fast-passing moments. Harold Edgerton had set about to change that. His inventions and experiments helped to pave the way for cameras that were able to shoot in low lighting and capture scenes moving too fast for the human eye to perceive. A technical genius, Edgerton is accredited with offering great contributions to the field of stop-motion photography.

Power House Mechanic

In an effort to document industrialization, photographer Lewis Hine spent time photographing industrial workers and the environments they worked in. At the time, Hine’s work brought awareness to the conditions these workers tolerated, which were quickly diminishing in quality. While Hine’s photography is considered a form of documentary photography, the photos he chose to showcase were carefully posed and selected to leave the greatest audience impact possible. Hine’s work is a series which showcases the fact that a photo doesn’t necessarily have to be a candid or unexpected shot for it to work as a political or social statement.

View from the Window at Le Gras

And finally, perhaps one of the most historical photos of all time, View from the Window at Le Gras, by Nicéphore Niépce. Niépce, a French inventor, is often credited as the inventor of photography. View from the Window at Le Gras was the first permanent photo ever recorded as being taken. Niépce had used a technique he had created, heliography, to permanently capture the photo, using asphalt to engrain the image in metal.

The camera he used to capture the photo also bared very little resemblance to the ones we use today. Niépce used a camera obscura (otherwise known as a pinhole camera) to capture the image in question. There’s not much that needs to be said about this photo. The impact of the image doesn’t come from its art, which is severely lacking, but instead the milestone it represented in the history of photography. The first of any kind, it serves as a reminder of how far photography has come both technically and artistically.

What each of these pieces teach us is that photography intertwines deeply with history. These photos show that alguna sort of photo can become ingrained in history, whether they be candid, posed, technical, or some combination of methods.

Regardless of what path to fame was taken, these photos have made lasting historical impacts. They became famous for detailing and propagating the culture, politics, or marvels of their eras, and have continued to be influential to the modern world. They also show the power and worth of photography – the ability to freeze a moment in time and immortalize it for the pleasure and learning experience of future generations.


Examples of the Fujiwhara Effect

In 1955, two hurricanes formed very near each other. Hurricanes Connie and Diane at one point seemed to be one huge hurricane. The vortices were moving around each other in a counterclockwise motion.

In September 1967, Tropical storms Ruth and Thelma began to interact with each other as they approached Typhoon Opal. At the time, satellite imagery was in its infancy as TIROS, the world's first weather satellite, was only launched in 1960. To date, this was the best imagery of the Fujiwhara Effect yet seen.

In July of 1976, hurricanes Emmy and Frances also showed the typical dance of the storms as they interacted with each other.

Another interesting event occurred in 1995 when four tropical waves formed in the Atlantic. The storms would later be named Humberto, Iris, Karen, and Luis. A satellite image of the 4 tropical storms shows each of the cyclones from left to right. Tropical storm Iris was heavily influenced by the formation of Humberto before it, and Karen after it. Tropical Storm Iris moved through the islands of the northeastern Caribbean during late August and produced locally heavy rains and associated flooding according to the NOAA National Data Center. Iris later absorbed Karen on September 3, 1995, but not before altering the paths of both Karen and Iris.

Hurricane Lisa was a storm that formed on September 16, 2004, as a tropical depression. The depression was located between Hurricane Karl to the west and another tropical wave to the southeast. Like a hurricane, Karl influenced Lisa, the quickly approaching tropical disturbance to the east moved in on Lisa and the two began to show a Fujiwhara Effect.

Cyclones Fame and Gula are shown in an image from January 29, 2008. The two storms formed just days apart. The storms briefly interacted, although they remained separate storms. Initially, it was thought the two would exhibit more of a Fujiwhara interaction, but despite weakening a bit, the storms stayed intact without causing the weaker of the two storms to dissipate.


Why was Lutheranism appealing?

Luther had found a great amount of followers and most of them were from Germany. Lutheranism had interested a lot of people during the Reformation in Germany. One of the greatest followers was the Princess of Germany. The Princess had found a lot of happiness from Lutheranism. Lutheranism had spread throughout all of Europe not only in Germany. It had changed the lives of a lot of people in Europe.

As a result of the reformation Germany had gained power. As an evidence Germany got more land than they had which made Germany a larger country. As a result of the Princess converting ino Lutheranism a lot of the people throughout Europe changed their religion. Princess did not only convert because of belief but also for the benefits that were included in the coversion. As a result to all of this Germany's gverment became more powerful than the church.

Due to the reformation the land and wealth of Germany started to increase. As to the power and wealth of the country the goverment was able to shut down monastries. These monastries were closed for Catholics, but Germans were becoming more rich and more powerful. The Princess was able to rule over the Catholics in Germany due to the conversion to Lutheranism.

The decision of Reforming benefited the Princess of gaining money and power. Because of all this power and wealth the Princess did not have to pay the revenues for the territories that she owned in Northern Germany. They also did not have to enforce ecclesiastical dues on their people. This meant that they could earn more money by enforcing higher taxes. Plus they could make any other changes that they wanted for their own benefits. Because of all this money they became more powerful and they achieved much more authority.

Luther had an argument saying that Catholicism was wrong. He said that Catholics were not teaching what was written in the bible which is very wrong, and sinful. He also said that the Papacy in the church was wrong and was only about indulgences which is sinful. What Luther meant is that the Popes were just collecting money for themselves and making people believe that they are free from their sins. Another thing that Luther argued about is that Jesus Christ is in charge not The Pope. In Catholicism The Pope made the people believe that being good and going to church is what you need to do to go to heaven, but Luther says that it is not enough, he says that you need to have faith also. Luther said that the people will go to hell just like the Pope if they accept indulgences.

The belief of Lutheranism changed Europe a lot, it made the Princess more powerful and wealthier than she ever was. It helped in making Germany a larger country, and it helped in many more ways. Lutheranism had spread to more countries and it made a big difference to Europe but mostly Germany.


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